Au cœur de Tel Aviv, deux jeunes femmes palestiniennes, qui partagent un appartement et un goût prononcé pour la vie nocturne, s’apprêtent à recevoir une nouvelle colocataire. Il y a Leila la travailleuse et indépendante, Salma barmaid et lesbienne et Nour une jeune étudiante en informatique.

Leila est une redoutable avocate qui fait chavirer les cœurs mais qui se désespère d’avoir à faire à des hommes non libérés du poids des traditions patriarcales. Salma elle, vit de petits boulots et mène une vie de plaisir mais doit faire face à une famille chrétienne très pieuse qui ne tolère pas son homosexualité. Nour est une musulmane très pratiquante promise à un mariage avec un homme qu’elle n’a pas choisi et qu’elle rejette.

Ces trois héroïnes pourraient être des personnes banales excepté qu’elles sont palestiniennes et qu’elles vivent dans une société rongée par le conservatisme. Elles ont toutes peine à se libérer d’une pression sociale, religieuse ou morale dans cette société israélienne machiste et sous tension permanente. Si leurs portraits vifs et évocateurs révèlent une envie d’être affranchie et désinvolte, elles ne sont pour autant pas des stéréotypes.

Le premier film de Maysaloun Hamoud joue la carte du féminisme et de la subversion. S’évader à travers la drogue dans les vapeurs alcoolisées de la bouillonnante Tel Aviv est un moyen de montrer les ambivalences et l’ambigüité de l’émancipation féminine. Juste et audacieux, le film reste sobre, loin de la démagogie des extrêmes qu’il dénonce. Une œuvre formidable et libératrice !

Depuis la mort de sa femme, Denis Patar s’occupe seul de ses deux filles, Mercredi, 9 ans et Janis, 13 ans. Très aimant mais débordé, Denis se débat seul dans l’éducation de ses deux filles. Avec peu de moyen, beaucoup de débrouille et de système D, la petite famille s’en sort comme elle peut mais doit faire face à des difficultés.

Jusqu’au jour où Denis oublie une fois de trop sa fille à la sortie de l’école, ce qui aura pour conséquence un signalement inquiétant et une enquête sociale. Denis se verra alors contraint de suivre un stage de parentalité sous peine de se voir retirer la garde de ses 2 filles. Séverine, l’enquêtrice sociale, intégrera peu à peu la vie du trio même si les nouveaux principes éducatifs ne plaisent pas aux filles et au papa qui, après de multiples efforts, finira par abandonner et se fier à son propre instinct paternel.

Monteuse, entre autres, Sophie Reine passe avec brio à la réalisation en proposant une comédie mélancolique qui palpe loufoquerie et marginalité. C’est avec beaucoup de tendresse et un regard affectueux qu’elle rend ses personnages très attachants. On apprécie sans risque et au premier degré la fantaisie galopante et stimulante du papa veuf et de ses deux adorables filles.

L’humour et le ton fleur bon le vécu de jeunesse de l’auteure. L’interprétation de Gustave Kervern est à nouveau remarquable mais les deux jeunes actrices sont bouleversantes de sensibilité ce qui donne cette douce sensation de liberté et d’envoutement.

Matthias et Alexia sont en couple depuis des années, et pour la première fois, Matthias la trompe avec Juliette une wedding planer. Le lendemain à son retour au domicile, Alexia trouve la carte de Juliette. Matthias ne sait alors quoi inventer et se laissera porter par la supposition que ce dernier veut la demander en mariage. Au pied du mur, ce dernier ne la contredit pas.

Matthias et Alexia vont donc demander à Juliette d’organiser la cérémonie du mariage. Le temps des préparatifs et des nombreuses visites de lieux pour planifier l’évènement Matthias va se rapprocher de plus en plus de Juliette pour laquelle de réels sentiments naissent. Matthias se verra complètement embourbé dans une situation semi grotesque et joviale jusqu’à ce qu’il ait à prendre une décision pour les autres et lui-même.

Tous les ressorts de la comédie sont là. Après le joli succès de Paris à tout prix, Reem Kherici signe sont deuxième long métrage. On ne peut nier que la jeune réalisatrice maîtrise une certaine plume et le sens du gag. Les habituelles ficelles de la comédie de mariage sur fond de trio amoureux sont volontairement abandonnées pour laisser place à plus de modernité dans l’écriture et la mise en scène.

Le casting est lui assez scintillant avec en chef d’orchestre Nicolas Duvauchelle dans le rôle de l’éperdu amoureux indécis. Un choix ambitieux et caractéristique de Reem Kherici avec qui forcément il faudra compter sur la scène du cinéma français. Une comédie romantique générationnelle, bien visée et revigorante.

Daniel Blake est un menuisier de 59 ans contraint d’arrêter son activité professionnelle à la suite d’une maladie cardiaque. Cependant l’administration n’entend pas le laisser inactif. Afin de toucher ses prestations sociales on lui demandera de chercher un nouvel emploi sous peine de sanction.

C’est lors d’une énième visite à l’aide sociale qu’il rencontre Rachel, une mère de deux enfants isolée, obligée de s’installer à des centaines de kilomètres de chez elle pour bénéficier d’un logement décent. Très vite Daniel va se prendre d’affection pour cette jeune femme et ses enfants en leur apportant un peu de soutien et de réconfort. Va naître une amitié forte entre ces deux laissés-pour-compte qui s’unissent dans l’entraide et la solidarité.

C’est bien là LE mot clef qui donne sens au discours du film de Ken Loach. La solidarité au cœur de la tourmente. Les rouages absurdes de la machine administrative sont parfaitement décrits et développés scénaristiquement. Ken Loach sait parfaitement filmer le Royaume-Uni dans son asthénie et ses faiblesses.

Si le cinéaste n’en est pas à son coup d’essai sur le genre fiction sociale, le fil du propos et la pertinence demeurent toujours aussi éclairés, avec force et jugement. Moi, Daniel Blake est un film coup de poing, un cri dans l’abîme et une déchirure. Pourvue d’une Palme d’Or, l’œuvre est, malgré un demi-siècle de films centrés sur la colère sociale, peut être son film le plus énervé.

Pauline, une jeune infirmière qui vit dans le Nord Pas-de-Calais, s’occupe seule de ses deux enfants et de son père malade ancien métallurgiste. Dévouée et généreuse elle est très appréciée par les patients qu’elle soigne. Héroïne du quotidien, Pauline est une femme courageuse au sein d’une population durement touchée par l’isolement, la précarité et le chômage.

Habitante d’une petite commune située entre Lens et Lille, elle est repérée par les cadres du parti populiste appelé le Bloc. À l'approche de l'élection locale, ces derniers la poussent à se présenter en tête de liste du parti aux élections municipales. D'abord, abasourdie et réticente, la jeune infirmière se laissera par la suite charmer et convaincre d’entrer en politique.

Dès lors le parcours va s’annoncer mouvementé et plein de surprises. Séduite par le discours, le parti nationaliste et d’extrême droite finira par créer le malaise auprès de la novice en politique. Lucas Belvaux filme une fois encore, après Pas son Genre, le nord de la France. Le réalisateur filme l’instrumentalisation d’une jeune femme à des fins politiques. Investi, le récit du film est bien là pour véhiculer un discours, illustrer un type d'électeurs et dénoncer un radicalisme.

Si le parti ressemble trait pour trait au Front National, Lucas Belvaux persiste et signe un réquisitoire très critique à l’égard de celui-ci. À travers le regard aigue du cinéaste qui scrute son personnage, c’est bien la pensée et l’argumentaire du parti d’extrême droite qui sont visés.

Rachel prend chaque jour le même train et passe chaque jour devant la même maison où vit un couple. Dévastée pas son divorce, Rachel est alcoolique et voit en ce couple qu’elle observe un fantasme de vie parfaite jusqu’au jour où elle est le témoin d’un événement extrêmement choquant et se retrouve malgré elle mêlée à un angoissant mystère.

Adaptation du roman éponyme et best-seller de Paula Hawkins, La fille du train est un très bon thriller énigmatique dans la veine de Gone Girl. Sans pour autant être aussi convaincant, le récit, une fois lancé, développe une intrigue captivante de bout en bout avec son lot de séquences marquantes.

Disparition d’une femme, fissures conjugales du couple bourgeois de banlieue et mise à feu méthodique des mensonges et faux-semblants. L’œuvre est bourrée de potentiel mais le thriller psychologique se prend un peu les pieds dans le tapis.

N’entravant en rien l’interprétation époustouflante d’Émily Blunt, qui rongée par la culpabilité est estropiée par une vie malheureuse et une vison fragmentaire du drame qui s’abat sur elle. Malgré quelques longueurs et une fin en queue de poisson quoique fidèle au livre, le film n’en demeure pas moins un drame haletant qui met en relief les caractéristiques profondes et douloureuses d’une héroïne ténébreuse.

En 1803, dans le Morbihan, nait Hélène Jégado. Surnommée Fleur de tonnerre par sa mère, une femme froide et apathique, elle passe son enfance à ressentir la vibration des pierres bretonnes et à écouter les sombres légendes que ses parents partagent lors des veillées. En grandissant, Hélène devient cuisinière.

Partout où elle passe, elle sème la mort, convaincue d’être au service de l’Ankou, l’ouvrier de la mort, allant même jusqu’à devenir cet être morbide. Elle sera guillotinée à Rennes, sur la place du Champs de Mars, en février 1852. C’est en lisant le livre de Jean Teulé, Fleur de tonnerre, que Stéphanie Pillonca décide de l’adapter au cinéma, optant davantage pour le développement humain de la plus grande empoisonneuse française.

Loin d’une démonstration d’acting, la talentueuse Déborah François incarne ici une Fleur de tonnerre multiple et complexe, traumatisée, malmenée, mais aussi sensible, dévouée, machiavélique et angoissante. Pour son premier long-métrage de fiction, la réalisatrice fait des choix audacieux, tant dans sa réécriture que dans le casting ainsi que dans le contexte historique et social qu’elle retrace en filigrane des souvenirs livrés par Hélène Jégado au juge Vannier quelques jours avant son exécution. Une œuvre brillamment orchestrée.

La série créée par Virginie Brac – Engrenages, Les beaux mecs – et réalisée par Gilles Bannier – mêmes références – pour Arte en janvier 2015 était rediffusée durant la nuit de la Saint Sylvestre. L’occasion de (re)découvrir les 6 épisodes qui rythment son unique saison, amenant les téléspectatrices/teurs au cœur de la capitale française pendant 24h.

Un procureur de la République à l’équilibre matrimonial fragile lié d’amitié avec un Premier ministre en mauvaise posture face à une dame de fer syndicaliste de la RATP, qui s’avère être la mère d’une femme trans chanteuse dans un club qui abrite des règlements de compte entre mafieux Paris offre une plongée dans la vie d’une dizaine de personnages qui n’ont a priori rien en commun et qui pourtant vont se côtoyer ou simplement se croiser, de près ou de loin.

Inspirée du documentaire allemand 24h Berlin, en 2008, observant le quotidien d’une vingtaine de Berlinois-es, la série chorale, qui n’est pas sans rappeler la verve de Pigalle la nuit, est bien rythmée et l’intrigue, bien ficelée, nous tient en haleine tout au long des épisodes, allant même jusqu’à nous frustrer de ne pas avoir creuser l’idée au cours d’une saison supplémentaire.

Un joli focus sur des anonymes ou non parisien-ne-s qui n’a pas la prétention de représenter toute la diversité française et qui met bien le doigt sur les hasards du quotidien.

Florence est professeure des écoles à Grenoble et se dévoue corps et âme pour ses élèves de CM2, vivant une période charnière de leur scolarité. Et lorsqu’elle rencontre Sacha, un élève d’une autre classe en grande difficulté, notamment au niveau familial, elle redouble d’engagement pour aider cet enfant, délaissant sa vie de femme ainsi que son fils.

Ces quelques semaines d’acharnement la pousseront à remettre en question sa vocation professionnelle. Au-delà des valeurs qui animent profondément cette institutrice au mépris de sa propre vie sociale et familiale, la réalisatrice souhaite présenter le portrait d’une femme résolument passionnée.

À ce niveau, Sara Forestier défend avec talent et justesse le personnage de Florence. Pourtant, les qualités qu’on lui connaît et reconnaît dans tous ses rôles sans exception ne suffisent à effacer les traits caricaturaux de cette histoire un peu trop fouillie, de par les multiples angles qui sont traités entre sa vie de professeure seule contre tou-te-s, de femme célibataire séduite par l’ex beau-père de Sacha encore quelque peu adolescent dans sa tête et sa vie de mère imparfaite.

Constance, agent immobilier à Paris, a perdu son emploi il y a peu. Au RSA, elle revient dans sa région natale en Charente Maritime où elle a commencé sa carrière afin de postuler dans son ancienne agence. Pour cela elle demande de l’aide à Philippe, ancien collègue et ancien amant.

Malgré son approche intéressée et pas vraiment subtile, le directeur d’agence, Alain, préfère embaucher Audrey, une jeune femme, qui accepte d’être moins payée. Dès lors, Constance se met en quête de suivre Audrey, de s’approcher d’elle et de devenir son amie. Prête à tout pour récupérer la place qu’elle estime être la sienne, elle s’immisce brusquement dans la vie d’Audrey.

Un premier film qui décline un titre d’un contre-sens absolu. Constance est une femme envahissante, instable et malintentionnée. L’héroïne, bousculée par la vie, devient la meilleure amie et la pire ennemie de sa rivale qui lui a volé sa place à l’agence immobilière. Constance n’a que peu de limite et se donne les moyens de ses ambitions.

Le scénario qui développe l’histoire d’une victime sociale se transforme en thriller psychologique ayant pour personnage principal une femme dangereuse et incontrôlable. La galerie des personnages de province est d’une finesse Chabrolienne mais c’est Marina Foïs qui, sans demi mesure, incarne à merveille cette femme si aigre et glaciale.