Irène Frachon est une pneumologue de l’hôpital de Brest. Au fil de ses recherches elle découvre que le Mediator, un médicament vendu depuis 30 ans, aurait des effets secondaires et conséquences graves sur la santé des patients qui s’en font prescrire. Il serait même responsable d’un certain nombre de morts.

Décidée à révéler l’affaire aux institutions médicales et aux médias, elle entre dans un combat titanesque et redoutable. Les embuches et manœuvres douteuses contre son entreprise sont le symbole d’une lutte contre vents et marrées. Épaulée par un chercheur, le docteur Le Bihan, elle se lance dans cet affrontement contre le laboratoire qui commercialise le médicament afin de le faire interdire à la vente.

Une volonté à toute épreuve mais qui se heurtera tout de même à sa hiérarchie ne souhaitant pas froisser une entreprise qui finance la recherche. Derrière une interprétation tout en finesse de Sidse Babett Knudsen, Emmanuelle Bercot réussit très bien à nous plonger au cœur d’un scandale sanitaire.

Un film coup de poing sur cette femme qui cherche à faire triompher la vérité. Sous une masse d’informations techniques et médicales la réalisatrice parvient à mettre en lumière le combat du pot de terre contre le pot de fer. Si la dimension du film est parfois un peu technique, la réalisatrice met en scène le sujet à travers un récit hyper rythmé et conçu comme un thriller. Un film poignant et nécessaire.

Ben et sa femme vivent avec leurs six enfants en quasi autarcie sur des terres en forêt qu’ils ont acheté dix ans auparavant. L’éducation des enfants est au cœur du système de réflexion des parents. Une famille unie qui se paye le luxe d’ignorer le roi dollar au pays du libéralisme économique. Isolé du monde, Ben est un père dévoué à ses enfants. Le développement du corps et de la pensée domine leur mode de vie.

Ils font pousser leurs légumes et chassent selon leurs besoins. Les enfants sont extrêmement cultivés et aussi bien calés en physique qu’en philosophie ou littérature. Si ces choix marginaux les mettent à l’écart de la société, Ben et sa femme ont produit des enfants prodigieux de par leur vivacité et vision du monde.

Le ciment fédérateur de cette famille va s’effriter lorsque la mère de famille, souffrant d’une maladie psychique, met fin à ses jours. La question de respecter ses derniers vœux pour ses funérailles est délicate. Après débat et sentiment d’injustice partagé par l’ensemble des enfants, Ben et ses derniers se mettront en marche vers le Nouveau Mexique afin de faire respecter les dernières volontés bouddhistes de leur chère et tendre mère et femme.

Traverser le pays donnera lieu à une série de micro séismes qui ébranleront les convictions utopiques des membres de la famille. L’œuvre est un road-movie irradiant de bonheur et de joie de vivre. L’acting de Viggo Mortensen est empreint d’un charisme bouleversant. Une œuvre sensible au point de vue fort entre comédie et tragédie au paradis des alters.

Louis, écrivain à succès, sait qu’il ne lui reste que peu de temps à vivre. Décidé à le révéler à sa famille, il entame un voyage et traverse son pays natal pour rejoindre sa famille. Après 12 années d’absence il retrouve sa mère, son frère et sa sœur pour une journée dans la demeure familiale. Dès son arrivée Louis sent que l’ambiance est électrique et que chacun à des choses à dire.

Alors que sa mère a tout mis en œuvre pour organiser une réunion familiale sous les meilleurs auspices, Antoine son frère est querelleur et provocant et sa sœur Suzanne essaye avec nervosité et maladresse de mieux connaître ce frère prodige mais qui a tant brillé par sa quasi disparition.

Le sixième film de Xavier Dolan est le premier qui ne résonne pas avec l’accent québécois et pour cause tous les acteurs sont français. Entre drame et comédie qui a fait le succès de ses précédents films on reconnaît bien là la signature du jeune prodige du cinéma. Si l’adaptation de la pièce de théâtre Juste la fin du monde de Jean-Luc Lagarce est une prise de risque pour le réalisateur, l’intrigue minimaliste et les choix de mises en scène sont de vrais partis pris.

Xavier Dolan jette comme à son habitude le spectateur au sein de conflits internes au lourd passif de non-dits et de forts sentiments. Si le déjeuner de famille houleux peut quelque peu épuiser par sa longueur et le bâillonnement du rôle de Louis, il n’en reste pas moins puissant et indéniablement fascinant.

Dounia vit dans une cité en bordure de l'A3 et passe ses journées avec sa meilleure amie Maimouna. Pour s’en sortir elles volent des bonbons et sodas au supermarché du coin qu’elles revendent à la récréation de leur lycée. Mais cette vie ne les fait pas rêver. Passer son BEP accueil n’a rien de captivant pour ses deux gamines des quartiers qui rêvent d’argent facile.

Elles rencontrent alors Rebecca, une dealeuse du quartier très respectée qui fait travailler bon nombre de petits malfrats. Rebecca va leur donner l’opportunité de faire leurs preuves. Dounia va alors gravir peu à peu les échelons jusqu’à avoir de réelles responsabilités au sein de la petite entreprise de la caïd Rebecca.

La force et l’énergie de Divines s’expriment à travers les dialogues enflammés et le talent frais et éblouissant de ses actrices. Le film de Houda Benyamina se réapproprie les codes du film de cité en les féminisant. Le film est social et politique. Si les filles ne se satisfont pas des prêches de la mosquée elles préfèrent et choisissent la réhabilitation à travers l’argent roi.

Gagnées par le capitalisme, voitures de sport, ray ban, parfum et voyages, elles finiront par en dégringoler brutalement, selon un dur discours d’apprentissage. Divines est une bourrasque passant du tragique au comique et de la chronique sociale au polar haute tension. Un film coup de poing bien dans son époque.

Entre Samir, grutier, et Agathe, maître-nageuse, naît une histoire d’amour. Cette histoire trouve son point de départ à la piscine municipale de Montreuil en banlieue parisienne. Samir qui a remarqué la très surprenante Agathe la suit sur son lieu de travail et va feindre ne pas savoir nager afin d’avoir des cours particuliers avec elle.

En quête de séduction et bien décidé à ne pas lâcher celle qui le chamboule tant, Samir prolongera l’histoire en Islande où se tient le congrès international des maîtres-nageurs. Si la relation atypique et basée sur le mensonge a bien mal démarré, elle trouvera grâce au cœur des sources chaudes de l’Islande. Solveig Anspach propose une formidable histoire d’amour poétique.

Si la réalisatrice signe l’un de ses plus beaux films, la réussite de celui-ci tient en la facilité d’avoir su allier simplicité, humour et émotion. Les situations cocasses et délicates sont interprétées à merveilles par les deux acteurs principaux du film, Samir Guesmi et Florence Loiret-Caille. Entre situations de la vie quotidienne et humanité brute l’auteure dépeint une romance pas tout à fait comme les autres.

Une alchimie quasi parfaite entre le rythme et les personnages qui provoque le rire. Cette œuvre est marquée par la sincérité de sa créatrice. Solveig Anspach signe un film posthume toujours et comme le reste de sa cinématographie, avec bienveillance et singularité. Une femme qui aura marqué la grande histoire du cinéma.

Julieta, la cinquantaine, fait ses valises pour le Portugal et se prépare à quitter Madrid. En couple avec un homme depuis plusieurs années elle redoute la solitude. Mais en quelques instants tout bascule et Julieta ne souhaite plus quitter Madrid. Elle décide de se réinstaller dans son ancien appartement où elle a vécu avec sa fille.

Fruit d’une rencontre avec une amie d’enfance de sa fille Antía, Julieta se voit bouleversée par cette entrevue furtive qui lui en apprend sur sa fille dont elle n’a plus de nouvelle depuis 12 ans. Récit à tiroirs, Pedro Almodovar nous emmène plus tôt dans la vie de Julieta, lorsqu’elle était jeune enseignante et lors de sa rencontre avec le père de sa fille.

Le film traverse la vie d’une mère espagnole de ses 25 à ses 55 ans. Le personnage se met alors à nourrir l’espoir de retrouvailles avec celle-ci. Elle se met alors à écrire ses secrets, ses intentions et ses sentiments sur un carnet, espérant probablement que sa fille puisse les lire un jour. Le cinéaste espagnol signe un drame doté d’une chronologie sophistiquée. La vie mélancolique d’une mère abandonnée par sa fille.

Totalement dénué de l’humour corrosif habituel de Pedro Almodovar, Julieta est un vrai drame aride sur la maternité qui mêle trahison amoureuse, deuil, quête spirituelle et sentiment de culpabilité. Une façon habile de dire la fragilité entre les êtres. Un film riche et qui tend vers la tragédie grecque.

Dans la bande Gaza de nos jours, le salon de beauté de Christine, jeune immigrée russe, déborde de clientes. C’est toute une mosaïque de femmes de notre époque : une jeune fille en passe de se marier, la mère et la belle-mère de la future mariée, une divorcée amère, une religieuse, une toxicomane lunatique ou encore une femme enceinte et sa sœur.

Comme un havre de paix ce salon est la promesse d’un moment de partage et de détente. L’attention sera pourtant détournée et le moment interrompu par des coups de feux dans la rue. Un conflit entre une famille mafieuse et le Hamas a lieu dans les rues voisines du salon. Prises au piège, les femmes se retrouvent coincées dans le salon. Ce sera pour elles le moment de se dire les choses.

Les esprits s’échauffent et les comptes se règlent. Dégradé est une comédie noire. Si le contexte est éprouvant pour ces femmes, le huit clos prend une tournure tragico-comique. C’est avec beaucoup de sarcasmes que chacune affrontent l’adversité. Les réalisateurs attirent notre regard sur la double peine du peuple palestinien qui subit occupation israélienne et conflit interpalestinien.

Pour ces femmes victimes de la violence qui s’infiltre partout dans leur quotidien, le temps des coquetteries n’échappe hélas pas à la règle. Si les personnages tendent à être quelque peu caricaturaux, aborder les joies et peines des femmes palestiniennes semble être l’objet assumé de ce premier film audacieux. Un film plein de lumière qui sensibilise.

Ce documentaire stimulant raconte le combat de chanteuses iraniennes, françaises et arabes pour monter et organiser un concert de femmes à Téhéran. No Land’s Song brise un tabou absurde ou rigoriste qui vise à interdire aux femmes de se produire en solo sur scène en Iran. Filmée par son frère Ayat Najafi, Sara Najafi, jeune compositrice iranienne, va se mettre en quête de produire un concert de femmes menant ainsi des artistes étrangères comme Jeanne Cherhal et Emel Mathlouthi de la création à la représentation sur scène à Téhéran. Ce film est tout un combat qui défie les lois en vigueur actuellement en Iran et cela depuis la révolution islamique de 1979. Principalement, empêcher les femmes de chanter en solo sur scène et en public c’est les empêcher d’exciter la sexualité des hommes. L’aventure de la compositrice démarre aux désaccords artistiques inhérents à la rencontre de plusieurs cultures, plusieurs façons de créer et concevoir la musique. Mais les véritables obstacles seront bureaucratiques. Problèmes juridico-religieux à foison, ce film montre avec bon sens au quotidien l’absurdité d’une société très administrée par le pouvoir religieux obéissant à l’irrationnel. Hésitations, revirements, découragements et espoir, on assiste à un véritable casse-tête et labyrinthe administratif. Mais de la persévérance de Sara Najafi et de sa troupe d’artistes et musiciens naîtra un concert de femmes en public, réel symbole d’une lutte féministe et victoire contre le puritanisme. Un très beau film, riche et sans complexité. Bouleversant !

L’histoire de ce film nous emmène en Pologne en décembre 1945. Mathilde Beaulieu est une jeune interne de la Croix-Rouge chargée de soigner les rescapés français avant leur rapatriement vers la France. Un jour, une religieuse polonaise se rend à l’hôpital afin de trouver un médecin français. En premier lieu hésitante, Mathilde décide de suivre la sœur jusqu’à son couvent où elle découvrira une communauté de 30 religieuses coupées du monde et vivant recluses. Mais ces bénédictines cachent un lourd secret. Toutes ont été frappées par le viol des soldats soviétiques et beaucoup d’entres elles sont sur le point d’accoucher. Mathilde qui n’a rien de commun avec ces femmes va décider de leur venir en aide et mettre au monde ces nouveaux-nés. Dès lors, un lien très fort entre ces femmes qui ont tout abandonné et cette jeune femme athée, libre et indépendante va se nouer. Les religieuses, attachées aux règles de leur vocation auront pour la plupart bien du mal à laisser une personne toucher leur corps et les soigner. C’est là tout l’enjeu de ce film, aborder la notion de foi à la suite d’un traumatisme violent. Conserver intacte sa croyance et ne pas céder à la panique et aux épreuves envoyées par Dieu. Entre médecin et croyantes, Anne Fontaine met en perspective des relations complexes aiguisées par le danger et la clandestinité des soins. Tiré d’une histoire vraie, le film est doté d’une remarquable esthétique. Très bien documenté, il présente les caractéristiques horribles de la guerre et la peur liée à l’incertitude. Une œuvre envoutante et exaltante.

New York, 1952. Carol est une femme élégante, riche et sophistiquée. Maman d’une petite fille, elle vit un mariage douloureux qui bat de l’aile. En cette veille de Noël, Carol ère dans les rayons d’un grand magasin. C’est là qu’elle fera la rencontre de Thérèse, une jeune femme fragile et spontanée. Les deux femmes vont se revoir et commenceront à s’apprécier jusqu’à se laisser tenter par un voyage improvisé au cœur de l’Amérique. Si Carol est déjà initiée aux vertus saphiques, ce qui a ruiné son mariage, Thérèse, elle, découvre les plaisirs charnels et l’amour pour une femme. Ce road trip organisé en dernière minute va les changer à jamais et les faire s’aimer d’une passion inconsciente et impossible dans ce puritanisme américain des années 50. Après Loin du Paradis sorti en 2002, Todd Haynes rejoue la dramaturgie et l’esthétique des années 50. Les deux femmes opposées et programmées à ne jamais se rencontrer devront renaître au sein d’une vie qui ne sera plus jamais la même. L’auteur traite avec une grande simplicité l’homosexualité des deux femmes. Une clarté aux limites du dépouillement qui tend à creuser quelques longueurs dans le rythme et qui souligne quelques faiblesses scénaristiques. Entre extrême sensualité et chasteté absolue le film est bien l’émouvante histoire d’une rencontre amoureuse. Il faudra retenir le jeu des actrices puissant et précis qui révèlent des personnages émouvants et absorbés par la peur, la douleur et les sentiments.