La fragile brunette découverte dans les années 2000, Jeanne Cherhal, livrait un nouveau spectacle plus rock que les précédents jeudi 17 avril à l’Aire Libre dans le cadre de Mythos. Elle n’a plus rien de la femme « pas solide » de ses premières chansons. Au contraire, solide comme un roc, elle est devenue une pierre angulaire de la chanson française.

Jeanne Cherhal est accompagnée pour ce nouveau spectacle de plusieurs musiciens: un batteur, un guitariste et un bassiste avec lesquels elle a enregistré l’album Histoire de J., sorti le 10 mars dernier. Ils se connaissent bien et cela s’entend. Lorsqu’un imprévu vient perturber la chanteuse, ils savent rebondir sur les notes qu’elle égraine joyeusement.

Elle accueille le public toute de blanc vêtue, assise derrière son piano. La salle est comble et enthousiaste, le succès ne se dément pas. La voix particulière de la chanteuse, fine et mélodieuse, résonne entre les murs de la salle de l’Aire Libre.

Des textes plus engagés

Jeanne Cherhal, plutôt connue pour l’ambiance intimiste de ses textes, a travaillé sur de nouvelles thématiques. La cause des femmes à travers le monde semble l’avoir inspirée. Sa chanson en hommage à Noxolo Nogwaza, lesbienne violée et assassinée en Afrique du sud à cause de son orientation sexuelle, est très émouvante.

Dans la même lignée, elle aborde le thème du viol en criant sa détermination : « Quand c’est non, c’est non! »,  scande-t-elle au refrain. Elle confie à son public : « J’ai écrit cette chanson un jour où j’étais furieuse, mais je ne sais pas si ça s’entend… » Par petites touches d’humour et grâce à une énergie virevoltante elle entraîne les spectateurs dans ses révoltes. Elle garde néanmoins un goût pour les mélodies douces et mélancoliques. Lors du rappel elle interprète le titre qui fit son succès « Je suis liquide ».

Un public conquis

Conquérir le public n’était pas bien difficile à atteindre tant les personnes présentes étaient déjà sous le charme de la chanteuse. La salle de l’Aire Libre était remplie d’admirateurs. La taille humaine de la structure a permis un véritable échange avec le public. La chanteuse s’est donc lâchée, disant aimer particulièrement le public rennais et le festival Mythos. Esquissant des pas de danse qui prenaient parfois des allures de défi acrobatique, n’hésitant pas à converser avec des spectateurs, la chanteuse a livré une performance endiablée et bien rythmée.

Elle s’éclipse un instant, le temps d’enfiler une robe à paillette et de revenir pour un moment « Cabaret ». Seule, avec sa voix et son piano, elle entreprend des mélodies douces et intimistes, plus proches de son univers de prédilection. Sa reprise de « Les nuits d’une demoiselle » version 2.0 a particulièrement enchanté: « Je me fais vibrer le sans-fil, je me fais exporter le point com… » chantonne-t-elle sous les rires de l’assistance.

Décidément connectée avec son temps tout en apportant une touche de mélancolie, Jeanne Cherhal a de nouveau rayonné sur les planches de Mythos qu’elle foulait pour la quatrième fois. La jolie romance entre le festival rennais et la chanteuse peut continuer, on en redemande.

 Chloé Rébillard

Jeanne Cherhal : « Je me sens solidaire des femmes et je me sens féministe »

Mythos est un festival que vous connaissez bien puisque vous étiez présente en 2001 puis 2004 et 2010. Que ressentez-vous aujourd’hui à l’idée de vous produire devant le public rennais ?

J’en suis très heureuse ! J’adore jouer en Bretagne et dans le Nord. Ce sont deux régions que j’affectionne particulièrement. C’est un peu cliché de dire ça mais ce sont des régions très chaleureuses, les gens sont très accueillants. Je chante d’ailleurs une chanson qui s’appelle « Finistère ».

Justement, cette chanson « Finistère », racontez-nous…

Cette chanson, c’est une déclaration d’amour à la Bretagne. Je chante un état d’esprit. C’est un lieu qui se mérite un peu, qui paraît aride au premier abord, mais quand on connaît…. Souvent j’y loue une maison, jamais la même, et j’y reste pendant 5 jours pour travailler. J’y vais avec mon clavier numérique, mon ordinateur, et je m’isole, et l’inspiration vient. Je me sens bien là-bas.

Histoire de J., comme Histoire de Jeanne. C’est un album autobiographique ?

Complètement. C’est un album très personnel, j’y livre beaucoup de choses sur moi-même, sur ma vie. J’ai fait le choix de l’initial J pour garder une part de mystère, et en même temps pour que l’on comprenne qu’il s’agit de moi, de mon histoire. Si j’avais décidé de l’appeler Histoire de Jeanne, ça aurait fait trop mégalo !

Est-ce un hommage à Véronique Sanson ?

Non, non pas du tout ! Ce n’est pas un hommage à Véronique Sanson mais plutôt à l’époque où est sorti son album « Amoureuse ». Mon travail est né d’une expérience autour de cet album. C’est un hommage au groove des années 70, aux sonorités de cette époque. J’ai d’ailleurs enregistré l’album dans les mêmes conditions qu’à l’époque, en analogique pour reproduire ce son si propre au 70’s. C’est une période qui me donne une impression de liberté totale.

Vous évoquez le viol (Quand c’est non c’est non) et l’homophobie (Noxolo). Vos textes sont plutôt engagés.

À partir du moment où l’on chante quelque chose c’est une démarche engagée. Une chanson est un engagement pour soi et aussi pour les autres. Je parlerai d’ailleurs de chansons « concernées » plus qu’engagées. Je me sens solidaire des femmes et je me sens féministe. Je chante très simplement un message qui est dirigé vers le sexisme ordinaire.

Qu’est-ce qui vous inspire au quotidien ?

Tout et n’importe quoi ! Enfin surtout les rapports humains qui sont une source d’inspiration inépuisable, que ce soit positif ou négatif. Je ne serai pas capable d’écrire quelque chose sans me sentir émue ou bouleversée. J’ai besoin de me sentir concernée pour écrire.

Après un album rock (Charade), vous revenez au piano. Un retour aux sources ?

Oui, bien sûr, encore une fois orchestré par « Amoureuse ». C’était un travail de remise en selle sur mon instrument, le piano voix. Je ne me suis pas occupée d’autre chose que de mon piano voix. Je n’ai pas eu l’envie de faire autre chose, ni eu l’envie de prendre une guitare ou une batterie.

Quels sont vos futurs projets ?

Pour l’instant je n’ai rien d’autre à faire que de me concentrer sur ma tournée qui va durer un peu plus d’un an, et de penser au prochain album.

Comment vous sentez-vous quelques heures avant la scène ?

C’est un peu tôt pour ressentir le trac (l’interview se déroule à 18h et Jeanne Cherhal se produira en concert à 22h30, ndlr). Par contre je l’aurai une heure avant. Mais je suis vraiment contente de faire partie de la programmation de Mythos encore cette année. Parce que c’est un festival qui met en avant la parole et le verbe sous toutes ses formes. Là, je me sens hyper francophone et francophile, et je trouve qu’il est très important que ce genre de festival existe.

Justine Gourlay

Mercredi 16 avril, Enora Boëlle dévoilait les premières esquisses de son projet Moi, Canard lors du festival Mythos. La lecture s’est déroulée en toute intimité, dans le hall du théâtre de la Parcheminerie.

Quelques minutes avant le début de la lecture, la metteure en scène, Enora Boëlle, est tendue, stressée. Pour cette représentation unique au cours du festival, ils ont eu 5 jours de répétition, dans une école maternelle. L’objectif étant de présenter, sous la forme d’une lecture théâtrale, la première partie de l’histoire Moi, Canard, librement inspirée du conte de Hans Christian Andersen, Le vilain petit canard.

Tout a commencé avec la naissance des enfants d’Enora Boëlle, co-directrice artistique du Théâtre de Poche de Hédé. La comédienne et metteure en scène au sein du Joli collectif cherche alors des livres dont les textes parlent de la différence. « Je n’en trouvais pas. Et puis, je suis tombée sur Pomelo de Ramona Badescu. J’ai tout de suite beaucoup aimé son travail. Pour moi, Ramona utilise tous les ingrédients nécessaires, la langue française, la poésie de la langue, l’humour, le côté grinçant… », explique-t-elle, au détour d’un café dans la rue Saint-Melaine, un matin de Mythos.

Un jour, entre deux trains, elles se rencontrent à Marseille, là où vit l’écrivaine. « On a discuté, on était vraiment sur la même longueur d’ondes et on s’est aperçues que nous partagions le même enthousiasme pour le conte d’Andersen, qui est notre favori », précise Enora. Elle lui explique alors son projet d’adaptation au théâtre, dans un spectacle destiné au jeune public, ce que Ramona accepte sur le champ. Il y a un mois environ, elle lui a livré la première partie du texte, celle que l’on a pu découvrir au premier étage de la Parcheminerie en ce mercredi.

Pour la metteure en scène, c’est un moment important. Une première lecture a déjà eu lieu 15 jours avant, devant l’auteur du texte, elle a alors découvert les interprètes et validé les choix d’Enora, « même si on a refait un travail dramaturgique ensemble ». Ici, quelques dizaines de Rennaises et de Rennais sont réunis pour entendre cette nouvelle version d’un conte que l’on a tous encore en mémoire.

Trouver sa place dans le monde

« Une histoire qui parle de la manière de transmettre le fait de grandir », analyse la co-directrice artistique du Théâtre de Poche. Plusieurs interrogations l’ont poussé à s’orienter vers ce texte : « Qu’est-ce qui fait que l’on existe ? Qu’on a sa place ? Qu’on est un individu unique ? Le Vilain petit canard pose la question : Comment chaque individu trouve sa place dans le monde ? »

Dans Moi, Canard, c’est la comédienne Abigail Green qui incarne celui qui est foutu dehors, malgré lui, malgré son envie de ressembler à sa famille ; il ne parlera malheureusement pas le « coin-coin » de sa mère. Enora affirme sa volonté de féminiser le conte sans toutefois en faire un parti pris militant, cela n’étant pas l’objectif de la pièce. « C’est une femme qui joue le canard mais en réalité il n’est pas sexué ce canard. On note un gros point de vue du côté de la mère. Et au début quand le canard est dans l’œuf, il y a un côté très maternel, qui moi me touche beaucoup, c’est très féminin », confie la metteure en scène.

Et il y a en effet quelque chose de très doux, de très chaud dans la voix et dans l’interprétation d’Abigail Green, vêtue d’un long ciré blanc, capuche vissée sur la tête. Une chaleur rassurante et protectrice qui nous enveloppe au début de la lecture seulement. Car rapidement, le texte se durcit, se noircit et l’histoire du petit canard nous emporte au plus près du thème développé par l’auteur original.

Celui des difficultés qu’il faut surmonter pour enfin trouver sa place. « Ce n’est pas qu’une histoire d’enfant, même si chaque année, on entend toujours des choses affreuses dans les cours d’école… Dans la vie, on grandit, on murit, on traverse des expériences difficiles, on rencontre des personnes, bonnes ou mauvaises pour nous… », observe Enora Boëlle, qui souhaite à chacun de trouver sa place dans le monde.

Trouver sa part de canard

Elle insiste néanmoins sur sa détermination à ne pas victimiser le protagoniste du conte car « on est tous un peu canard, à des degrés différents ». Pendant près de 30 minutes, les spectateurs sont suspendus aux lèvres de la comédienne, attentifs aux mots prononcés, au sens donné, tout en ne manquant pas de jeter un œil sur le rôle de Gregaldur, « issu de la scène impro-underground-punk » qui se tient assis sur la scène à deux pas d’Abigail.

Le musicien – qui a été aiguillé et dirigé par Robin Lescouët, co-directeur artistique du Théâtre de Poche de Hédé, également collaborateur artistique dans le projet Moi, Canard – intrigue, entouré de ses instruments créés à partir de jouets. Il accompagne discrètement les paroles du canard, ajoute des bruitages et composent des mélodies qui soulignent l’état d’esprit du personnage. On l’imagine comme un scientifique déluré, installé dans son cabinet de curiosité, qui expérimente et puise dans tous les objets susceptibles de créer des sonorités relatives à la situation énoncée par Abigail.

Et à ce rôle, il rajoute celui de complice et lance de temps en temps un regard de soutien à celle qui figure à ses côtés, légèrement tremblante. Cet été, Ramona Badescu devrait poursuivre l’adaptation du conte d’Andersen, de manière à ce que l’équipe de Moi, Canard puisse commencer à créer le spectacle en plateau. Un travail qui devrait commencer en octobre prochain et qui devrait aboutir à un spectacle finalisé en mars 2015.

Et si l’année à venir semble déjà bien remplie, Enora Boëlle a déjà en tête une nouvelle idée de collaboration avec Ramona Badescu, sur le thème du deuil, de la frontière ténue entre la vie et la mort. « C’est un projet ambitieux, ce n’est pas une adaptation cette fois. L’idée, c’est : quand il y a la mort, la vie n’est pas loin et inversement », dévoile la metteure en scène qui semble prendre goût au spectacle jeune public. Moi, Canard étant son premier projet de mise en scène pour les petits (mais aussi pour les anciens enfants).

Le festival Mythos accueille cette année Rufus, artiste vivant et célèbre personnage du paysage cinématographique français. « Rufunambule et les jaillissantes », spectacle qu’il présente pour la première fois au carré Sévigné où il est également artiste associé, fait l’ouvrage de recueils de poèmes, d’écrits et de lettres, supports de témoignages de femmes, d’hommes aussi, sur le thème encore tabou et méconnu, en tout cas, en occident, des femmes fontaines.

« Comment les gens vont-ils comprendre ce spectacle ? » fût la principale interrogation de l’artiste avant de monter sur scène. L’artiste raconte avoir puisé son inspiration au travers de l’œuvre écrite par le sociologue Jacques Salomé, L’effet source, paru en France il y a deux ans, retranscrivant quelques 300 témoignages de femmes qui osent parler librement de sexualité, et plus précisément des femmes fontaines.

Terme imagé utilisé pour parler des femmes dont le plaisir sexuel se manifeste par l’émission abondante d’un liquide au moment de l’orgasme. Sujet qui, à l’heure actuelle, n’est que trop peu abordé et trop peu nommé, comme le déplore Rufus. La médecine n’en parle pas, la religion non plus. « Nous n’avons qu’un seul mot pour parler de cela, il est donc difficile de trouver une connivence, difficile d’y apporter de l’humour. L’évocation poétique me semblait la meilleure voie à prendre pour parer à cet obscurantisme médical », explique-t-il.

En effet, en France le terme « femme fontaine » est complétement absent des manuels, précis ou lexiques médicaux. Au Rwanda, par exemple, il existe près de 300 mots pour parler de cette forme de sexualité féminine. Et comme si cela ne suffisait pas à nous complexer, ce pays abrite aussi des écoles qui enseignent la jouissance aux jeunes filles, qui seront par la suite très prisées par la gente masculine.

« C’est un sujet que même la pornographie occidentale chrétienne trouve inconvenante » 

Animé par la curiosité, il a interrogé bon nombre de femmes pendant deux ans afin de laisser la parole à celles qui étaient les mieux placées pour en parler. Exercice qui s’est avéré plus difficile qu’il n’y parait, l’amenant à se repositionner comme propre sujet de son œuvre : « C’est un objet que même la pornographie occidentale chrétienne trouve inconvenante ! » En choisissant de lire sur scène certains témoignages très personnels qui ont nourri l’ouvrage psychosociologique de Jacques Salomé, Rufus s’offre le rôle de confident, plongeant le spectateur dans l’intimité de ces femmes qui osent parler.

Ainsi, le spectateur découvre ce que ressentent ces femmes fontaines, la jouissance à laquelle elles goûtent, cette part d’elles-mêmes qui les guide vers un état mi sensuel mi spirituel. L’une écrira cette phrase « C’était un mystère que les mots risquaient d’anéantir ». Une autre évoque son premier orgasme lors de… son accouchement ! Les écrits sont touchants : « C’était un mystère que les mots risquaient d’anéantir ». Ils sont également pleins de tendresse et de naïveté, parfois maladroits, traduisant de la joie et de la gratitude.

Malgré tout, ces femmes qui témoignent ne s’expliquent pas ce phénomène, toutes évoquant cette expérience comme un incroyable jaillissement libérateur. « Toutes les femmes sont fontaine, il y a celles qui le savent et toutes celles qui ne le savent pas encore », affirme Jacques Salomé.

« Il semblerait que dans son entier la femme soit taboue »

L’artiste précise ne pas faire de prosélytisme, le but n’étant pas de convaincre. « Je suis caché derrière des témoignages. » Il avoue également avoir pris le temps à la réflexion quant à cette fameuse citation de Sigmund Freud : « Il semblerait que dans son entier la femme soit taboue ». Affirmation hallucinante qui amène la sexualité sur le devant de la scène selon Rufus, évoquant un scandale auquel un artiste ne peut se dérober. « C’est comme s’il y avait une obligation de réparation sur l’évocation des femmes fontaines. Personne n’en parle et pourtant cela fait partie de la sexualité» répond Rufus, expliquant les motivations qui l’ont amené à choisir ce thème.

Dans un hasard tout à fait stupéfiant selon l’intéressé, le spectacle suit son cours avec une seconde partie où le comédien lit le texte L’innommable de Samuel Beckett. Il y est question d’une naissance, mise en scène grâce à un sac et une corde rouge, symbolisant le placenta et le cordon ombilical. Et si certains l’auront bien compris, il n’est néanmoins pas évident pour tout le public de saisir cette métaphore. « Il est question de Dieu, avance une spectatrice, Dieu qui pète un câble ! » « Ne serait-ce pas tout simplement l’absurdité de ce que nous sommes ? » tente une autre.

Il ne fait nul doute que la vie et la mort sont de vastes sujets auxquels il souhaite confronter son public. Si le thème évoqué par Rufus pouvait nous laisser redouter une certaine libido mal placée, il n’en est rien. Le sujet est abordé en douceur, avec une pointe d’humour et d’esprit. À la fin du spectacle, il dédie les applaudissements à toutes ces femmes dont il s’est inspiré.

Le Café des Bricoles accueillait hier après-midi, mercredi 16 avril, Myriam Gautier et Hélène Mallet, deux conteuses de la compagnie Les Becs Verseurs. Le duo a proposé une lecture théâtrale de leur nouvelle création La lettre.

On connaît la compagnie des Becs Verseurs pour leurs indétrônables visites décalées au sein d’expositions – on se rappelle notamment de leur prestation aux Champs Libres lors de l’exposition Rennes en chanson, présentée de novembre 2010 à mars 2011 – ou de divers événements rennais. Ici, les deux conteuses se mettent à nue dans une création qui leur est propre.

Entourées d’Alain Le Goff et de Rozenn Fournier – l’un pour l’accompagnement dans l’écriture, l’autre pour un regard extérieur – Myriam Gautier et Hélène Mallet font appel à la famille Mythos et calibrent leur spectacle pour nous faire passer un moment singulier et poignant. Ce jour-là, au Café des Bricoles, l’ambiance est intimiste et conviviale. Des bancs installés des deux cotés de l’estrade, les rideaux tirés, le silence.

Les deux comédiennes se tiennent debout, chacune face à son pupitre, et enfilent leur blouson de cuir. L’une en noir, l’autre en couleur camel. La simplicité de la mise en scène apporte un côté expérimental à un spectacle en cours de création – fin mars, elles étaient en résidence à l’Aire Libre pour la création lumières, lire notre article dans le numéro 24 – et marque leur volonté d’un décor épuré et sobre, permettant ainsi aux spectateurs de se concentrer sur les dialogues.

Car tout l’intérêt de cette pièce réside dans les échanges entre les deux femmes, qui se rencontrent sur un banc. L’une lit un conte de fée, « une histoire de brinces, brincesses et de brenouilles », explique-t-elle dans son langage farfelu. L’autre lit le journal, « un conte de faits divers ». A priori tout semble les opposer. Entre froideur et cynisme, innocence et naïveté, les deux femmes vont finir par tisser des liens et nouer une relation solide. Leur conversation pourrait être l’une de celles que l’on lit dans les bouquins de Jarry ou Ionesco.

Parfois absurde, parfois cinglante mais surtout banale. Les animaux domestiques, les ruses pour tromper l’ennui et tout à coup une mystérieuse lettre de menace de mort, en provenance de Nouvelle-Calédonie. Un courrier dont chaque lettre a été découpée dans les pages des journaux. Une intrigue qui se noie dans les palabres de deux personnages qui échangent ensemble, qui content et racontent leur solitude.

Puisque finalement, tout est une histoire de solitude dans ce spectacle. Comment vont-elles dévoiler ce qui les anime au plus profond d’elles-mêmes ? Oseront-elles se défaire des chaines imposées par leur isolement ? Jusqu’où iront-elles, ensemble, dans leur lutte routinière ?

Myriam Gautier et Hélène Mallet nous embarquent dans cette aventure ordinaire qui prend des proportions d’histoire extra-ordinaires. Elles explorent avec humour les méandres d’une vie sans saveurs et pimentent leur récit à travers l’imaginaire et l’absurdité qu’on leur connaît et reconnaît. La situation décrite et jouée résonne en chacun de ceux qui ont connu cette solitude commune. Le duo joue sur le rythme, les silences, le regard et les intonations pour renvoyer une intensité succulente et appréciable à ce thème sombre et profond. Un énorme coup de cœur en cette deuxième journée de Mythos.

Mercredi 16 avril, Plaza Francia se produisait sous le Cabaret Botanique, installé dans le parc du Thabor, à l’occasion du festival Mythos. Un voyage franco-suisse-argentin au pays du tango nourri à la musique électro.

L’album A new tango songbook n’était pas encore sorti (le 7 avril dernier) que Plaza Francia bénéficiait déjà d’un vent très favorable dans les médias. Et pour cause, cette nouvelle formation unit la voix mythique des Rita Mitsouko, Catherine Ringer, aux musiciens Eduardo Makaroff – à la guitare – et Christoph H. Müller – au synthé (connus pour être deux membres du groupe Gotan Project). À 22h30, les spectateurs se pressent et s’agglutinent à l’intérieur du Magic Mirror, dressé pour le festival Mythos.

Dans les rangs, on murmure que Catherine Ringer flânait cet après-midi sur les pelouses du Thabor, on exprime sa joie de retrouver la chanteuse des Rita Mitsouko et on trépigne d’impatience en attendant l’entrée des artistes sur la scène du Cabaret Botanique. À croire que sans Catherine Ringer, le projet n’aurait pas lieu d’être. Aurait beaucoup moins de saveurs. Attiserait certainement moins la curiosité.

Et pourtant, les musiciens portent aisément et brillamment l’essence même de cette formation. Accordéon, contrebasse, basse électrique, synthé et guitare, Plaza Francia allie et conjugue différents univers : celui, entre autre, du compositeur argentin, Astor Piazolla – considéré comme l’un des plus grands musiciens spécialistes du tango de la seconde moitié du XXe siècle – et celui de deux des musiciens du Gotan Project qui mêle tango et musique électronique. Une rencontre originale déjà expérimentée au début des années 2000, réunissant Brigitte Fontaine et Gotan Project sur une musique de Piazolla – qui donnera son nom à l’album de la reine des zazous, Rue Saint Louis en l’Île (2004).

On peut alors affirmer que Edouardo Makaroff et Christoph H. Müller aiment à rechercher et à combiner expérimentations musicales, personnalités déjantées et originalité. On assiste, ce mercredi soir, à un instant puissant et intense avec, au centre de la scène et de l’attention, une Catherine Ringer souriante, enthousiaste et tout en contrôle.

Elle impose sa présence de par sa prestance singulière et de par sa carrure d’abord rigide et gracieuse aux élans de danseuse de tango. Plaza Francia alterne les trois formes traditionnelles du genre musical. Entre tango, milonga et valse, le groupe y ajoute de la musique électronique donc mais aussi du swing et joue avec les variations de rythmes et de tempos.

La voix de Catherine Ringer se marie pleinement et rondement aux formes musicales proposées par les musiciens. Force, fragilité, parlé, émotion… celle qui a marqué les esprits à l’époque des Rita Mitsouko n’hésite pas à jouer de sa théâtralité pour se mouvoir et émouvoir.

Elle danse, tout en retenue dans les premiers instants avant de se laisser submerger par le brin de folie qu’on lui connaît et embarque même Eduardo Makaroff dans un début de tango. Mais elle n’hésite pas non plus à se tapir dans l’ombre pour laisser la lumière éclairer les musiciens dont les notes produites par le quatuor envoûtent et embarquent les festivaliers qui commencent timidement à bouger les hanches et taper dans les mains.

Ringer balance la sauce

La salle sera particulièrement chauffée lorsque la chanteuse remontera sur la scène, vêtue d’une nouvelle tenue. Parée d’une robe orange à paillette dorée, d’un châle dans les mêmes teintes couvrant ses épaules avant de rapidement les dénuder et coiffée d’un chignon soigneusement plantée sur le sommet du crâne, elle incarne son rôle avec sérieux et légèreté.

La musique de Plaza Francia est électrique, électrisante, lascive et dynamisante. Sans être révolutionnaire ou même novatrice et innovante, elle emporte le public sur les traces des grands airs argentins qui enlassent et embrassent le style très personnel de la chanteuse française délurée, qui reste malgré tout dans la maitrise et l’interprétation de l’art du tango. Plaza Francia termine le concert sur un hommage aux Rita Mitsouko en reprenant la célèbre chanson « Marcia Baila », l’histoire d’une chorégraphe argentine emportée par le cancer, marquant ainsi l’influence déjà présente dès le début de la formation – lancée avec son compagnon Fred Chichin, décédé en 2007 – du mélange des musiques et des rythmes d’ailleurs, teinté de rock français, à la sauce Ringer.

Le mercredi 16 avril, Guillaume Vincent présentait son spectacle Rendez-vous gare de l’Est à l’Aire libre, dans le cadre du festival Mythos. Une pièce de théâtre épurée sur le thème de la dépression qui a ému mais aussi fait rire les spectateurs.

Le spectacle se déroulait dans la salle du bas de l’Aire libre. Face aux spectateurs qui entraient et s’installaient peu à peu, une femme, seule, assise sur une chaise les jambes croisées, semble attendre un rendez-vous. Aucun décor n’a été mis en place. Elle laisse son regard se promener sur le public et la salle. Peu à peu, les murmures qui émanaient des gradins se turent. Lorsque le silence s’installe complètement, la comédienne commence la pièce.

D’une voix forte elle débute son monologue qui durera une heure. Une mise en scène qui permet à chacun d’entrer doucement dans cette ambiance intimiste.

Le thème choisi par Guillaume Vincent n’est pas réjouissant : à partir des confidences d’une femme dépressive, il a tissé le fil rouge de sa pièce. Emilie Incerti Formentini est seule sur scène durant la quasi totalité du spectacle. À peine épaulée par un autre comédien qui lui donnera la réplique depuis le public durant une minute et par les hauts-parleurs qui diffusent parfois une musique ou une voix de messagerie téléphonique. Sa performance n’en est que plus impressionnante.

Pendant toute la durée de la pièce, elle parvient à faire ressentir au public les affres de la dépression mais aussi ses moments de joie : « Il y a des moments qui sont drôles, enfin, moi je les trouve drôles… » Le texte est construit pour simuler un dialogue dont les spectateurs ne peuvent percevoir que les réponses de cette femme. Dialogue avec un inconnu ? Avec un proche ? Le doute plane mais la femme se confie. Et son témoignage est émouvant : « Toute notre vie on apprend à nous connaître. On vit avec un étranger à l’intérieur », affirme-t-elle à un moment.

Toute la solitude du personnage résonne dans ces quelques mots. Car la réalité qu’elle décrit à travers ses pensées, c’est celle d’une femme trentenaire, dépressive, sous médicaments, dont elle déroule la longue liste, et qui alterne les séjours dans les hôpitaux psychiatriques. « On dit de quelqu’un qu’il est fou, mais en fait il y a plein de sortes de folies… », dit-elle.

Un discours universel

Malgré une thématique très sombre, la pièce amuse. Les rires fusent dans la salle de Saint Jacques. Le personnage à la dérive qui nous est présenté sait rire et faire rire. Comme par exemple cette anecdote lors de son séjour dans un hôpital psychiatrique où elle a cru que l’interrupteur de sa chambre était le détonateur d’une bombe atomique qui allait détruire l’humanité entière. Sa solution : démonter l’interrupteur, avec son ongle - « J’ai toujours eu les ongles très durs » – et demander un coupe-ongle à l’infirmière.

« Lorsqu’au bout de quelques minutes l’infirmière s’est interrogée sur ce que je voulais faire avec un coupe ongle (ils étaient un peu long à la détente dans cet hôpital) elle m’a trouvé à quatre pattes en train de me demander quel fil j’allais couper : fil rouge ? Fil blanc ? Fil bleu ? » Le public s’esclaffe.

À  en croire les trois rappels des spectateurs, la pièce a beaucoup plu. Pour cause, elle résonne, pour certains, comme un écho à leurs propres expériences, comprend-on à la sortie. Tout un chacun ayant connu une personne dépressive aura pu reconnaître certaines facettes de ce mal qui ronge ceux qui en sont atteints. C’est la magie de Rendez-vous gare de l’Est : avoir su, à partir d’un récit singulier, construire un discours universel sur la dépression.

Jeudi 10 avril, au théâtre du Vieux Saint-Etienne, Sanja Kosonen et Elice Abonce Muhonen présentaient leur création « Capilotractées », dans le cadre du Focus Cirque Nordique, organisé par l’association de production Ay-Roop. Un spectacle « capillairement » dingue.

L’une est brune, l’autre rousse. L’une est fildefériste, l’autre trapéziste. Elice Abonce Muhonen et Sanja Kosonen sont toutes les deux circassiennes et finlandaises. Et ont les cheveux longs. Un détail important puisque tout le spectacle repose cette information. Marquée par un spectacle vu dans son enfance, Sanja décide, avec la complicité d’Elice, de remettre la technique de la suspension par les cheveux – technique de cirque ancestrale – au goût du jour.

Ainsi, pendant deux ans, elles vont travailler et s’entrainer pour créer un numéro insolite et original de cirque capillaire. « Nous avons une coiffure spéciale pour y parvenir et il faut évidemment y aller tout doucement. Le fait de mouiller nos cheveux régulièrement pendant le spectacle les rend plus élastiques », confie Elice Abonce Muhonen à la suite de la représentation. Une représentation qui a réuni les Rennais et les Rennaises dans la salle du Vieux Saint-Etienne.

Ce soir-là, les spectateurs piqués par la curiosité s’empressent de s’installer sous les couvertures et attendent sagement, les yeux écarquillés, que les artistes dévoilent leur création.

Sur scène, deux chaises. Et une structure installée au-dessus, qui permettra aux deux circassiennes de s’élever et de s’envoler. Elles ont soigneusement tressés leurs cheveux, attachés en chignon sur le haut du crâne, dans lequel vient s’accrocher un anneau en fer. Une coiffure dévoilée après une chanson imaginée spécialement pour le spectacle, accompagnée à la guitare et au ukulélé. « Capilotractées… Capilotractées… Tirées par les cheveux… », chantent en chœur les deux complices du Galapiat Cirque.

Un petit air humoristique, simple et efficace qui annonce le thème de la soirée. Et c’est en effet un spectacle tiré par les cheveux qu’elles vont nous présenter. Théâtre, musique, danse, voltige… divers numéros se succèdent, entrecoupés d’intermèdes absurdes et burlesques alternant ainsi performances capillaires et divertissement clownesque.

Sous les cheveux, la liberté…

« Nous avons tout créé nous-mêmes. Deux personnes nous ont aidé à nous mettre en valeur dans la mise en scène. C’est très important pour notre carrière d’artistes et de circassiennes de pouvoir produire un spectacle comme celui-ci, sans agrès principal », précise Elice. Tout en conservant leurs agrès de prédilection – fil et trapèze – elles s’emparent de la suspension par les cheveux comme d’un outil de travail ordinaire, libérant ainsi jambes et bras qui peuvent alors exécuter et effectuer des mouvements entiers, longs et gracieux.

En attachant les mousquetaires au bout des cordes – reliées à la structure métallique par des systèmes de poulies – à leurs anneaux de fer, Sanja et Elice peuvent alors se suspendre dans les airs et imaginer les formes qu’elles veulent. Un vent de liberté se faufile entre les pierres froides du théâtre et fait bouger les deux corps à la fois souples et rigides qui s’amusent avec la technique mais aussi avec tout ce qui leur passent sous la main.

Une planche de bois sur laquelle l’une s’installe avec des poids pendant que l’autre décolle petit à petit du sol, jusqu’à se mettre en position du lotus, dans les airs, comme si elle lévitait. D’autres outils comme les chaises leur servent également de point de départ qu’elles transforment rapidement en terrain de jeu.

Tout devient alors matière à jouer. Sanja Kosonen et Elice Abonce Muhonen se suspendent par les cheveux, virevoltent dans les airs, se déshabillent et se rhabillent pendant leurs envolées, délassent leurs tresses, détachent leurs longues chevelures et les font tournoyer sur des chansons françaises comportant le mot cheveux dans les paroles – avec notamment Sylvie Vartan, Dalida ou encore Jacques Dutronc – embarquant avec elles pendant plus d’une heure les spectateurs amusés et fascinés par les performances peu communes.

Sous leur tignasse, le duo crée des nœuds entre cirque traditionnel, parodies et modernité. Le tout entremêlé d’une bonne dose d’absurde, qui pourrait peut-être être amenée avec plus de subtilité et de finesse mais qui séduit sans difficulté.

La production Ay-Roop présente « Mad in Finland », cirque nordique mettant en scène sept jeunes femmes circassiennes et finnoises, qui se déroulera place du Parlement de Bretagne, du 9 au 12 avril. Seize jours. C’est le temps qu’il leur aura fallu pour monter entièrement ce spectacle. Quittant la Finlande, leur pays d’origine, il y a une dizaine d’années, elles ont toutes eu la même envie : faire du cirque. YEGG s’est faufilé sous le chapiteau le temps d’une heure.

Attention, un vent nordique souffle sur la Bretagne. Entre acrobaties périlleuses et mises en scène pleines d’humour, la rafale Ay-Roop frappe de plein fouet et s’abat sous le chapiteau de la place du Parlement. Au centre de la piste, sept femmes sont rassemblées en cercle, se serrant les unes aux autres. Il fait sombre.

Seul le murmure cinglant des rafales se fait entendre. Émane alors un chant a capella, emplissant bientôt le cirque de son étrange mélodie. En quelques secondes, nous faisons le grand saut. Direction la Finlande, où nous nous retrouvons en plein cœur de la fameuse dépression hivernale, saison allant d’octobre à avril, bien connue pour ses températures polaires et son faible taux d’ensoleillement.

Pourquoi ce thème ? « Nous sommes très nostalgiques de la Finlande. Beaucoup de petites choses, à première vue sans importance, nous manquent. Cela peut-être les bottes en caoutchouc, comme la vodka à la réglisse ou les saunas. C’est cela qui nous a donné l’idée», confie Mirja Jauhiainen. Le spectacle est truffé de références finnoises, certaines restant inaccessibles au grand public, notamment la scène du lancer de Nokia… « On doit encore retravailler la mise en scène afin que tout le monde comprenne bien de quoi il s’agit. Cela viendra avec le temps ! », nous dit-on à ce propos.

Une atmosphère détonnante

L’atmosphère dynamisante, mêlant traits d’humour et pirouettes de haute voltige, impressionne et enchante. Durant près d’une heure et demi, le spectacle bat son plein. Le public rit aux éclats, retient son souffle, applaudit. L’ambiance est électrique et chaleureuse. Pleines d’énergie, les filles sur-jouent, en fond des tonnes, et ça marche. La scène finale approche.

Une équilibriste en talons hauts et robe de cocktail s’apprête à monter sur le fil, telle une Charlie Chaplin au féminin, pendant qu’un duo de trapézistes s’adonne à un ballet chorégraphié dans les airs. C’est indéniable, « Mad in Finland » reprend les codes du cirque contemporain en y ajoutant une touche d’humour et de légèreté.

La Finlande inventée en souvenir d’une vie passée

Dix ans qu’elles se connaissent. Deux ans qu’elles travaillent ensemble. À l’origine indépendantes, c’est après une première représentation encourageante, qui n’avait pour autre but que d’être éphémère, qu’elles ont eu l’envie de continuer à se produire en groupe. Les artistes confieront à la fin du spectacle qu’elles en sont seulement à leur dixième représentation.

Une prouesse lorsque l’on constate la maitrise des acrobaties et la mise en scène si rafraichissante. « Mad in Finland », c’est donc la Finlande inventée en souvenir d’une vie passée sur une autre terre. Elles y abordent avec beaucoup d’amour les clichés finnois auxquelles elles sont restées très attachées.

« Ma mère est venue voir le spectacle et elle a tout compris. Par contre, les français ne doivent pas saisir toutes les allusions car on y retrouve beaucoup de références culturelles », raconte Sanja Kosonen. Ce que les spectateurs retiendront, c’est ce regard plein de tendresse et tellement nature qu’elles portent sur leur pays natal.

Vivant aujourd’hui en France, en Allemagne, en Espagne et en Suède, ces femmes acrobates se sont lancées dans l’aventure de la vie d’artiste sans filets. Quant à l’avenir, elles partiront en tournée internationale dès octobre 2014. Le succès sera sans aucun doute au rendez-vous.

« J’ai fait ce film pour présenter une enfant qui a une liberté rare qu’on ne retrouve pas chez nous, les « normaux ». On a beaucoup à se reprocher sur notre liberté, les limites de notre normalité » explique la réalisatrice Eugénie Bourdeau dont le documentaire, Sa normalité a été projeté vendredi 4 avril aux Champs Libres dans le cadre de la troisième édition du festival Zanzan, « Cinéma des arts et des différences » dirigé par Philippe Thomas, qui se déroulait du 3 au 6 avril à Rennes.

Ce documentaire de vingt-six minutes compile dix années de moments d’intimité de la vie d’Eugénie Bourdeau et de sa fille Lucile, 12 ans, diagnostiquée autiste à 4 ans. À la maison, en région parisienne puis à Avignon, en voiture sur un air de Francis Cabrel, lors d’une fête de la musique où l’enfant danse dans la foule ou bien à l’école, tant de moments de la vie quotidienne capturés par la caméra et le smartphone de cette mère, ancienne scripte pour le cinéma, qui décide, lorsqu’elle se retrouve seule avec Lucile à l’âge de un an de passer à la réalisation afin de filmer celle qu’elle considère comme « passionnante ».

Monté en une semaine, ce film l’a été à l’occasion d’un décrochage d’une des expositions des travaux de Lucile, « La Tribu de Lulu »*.

Parce que oui, Lucile dessine. Elle dessine frénétiquement au stylo noir, presque compulsivement, sur des centaines de feuilles par jour, des corps enlacés, en mouvement, dans un style qui, s’il est très naïf, n’en est pas moins vif et précis. Sur la vingtaine de minutes du documentaire, beaucoup de plans se concentrent sur cette activité qui accapare une grande partie du temps de l’adolescente.

Le dessin pour Lucile « c’est sa lecture des choses, une manière de traduire ce dont elle est témoin » selon sa mère. Cette voie prise par Lucile leur a ouvert de nombreuses portes explique la réalisatrice, qui déplore la succession de mauvaises expériences qu’elles ont connu dans ce système d’école ou avec des personnes qui n’ont pas su comprendre ou s’adapter à la singularité de l’enfant.

« Pour eux, nous sommes les handicapés »

En voyant ces images, on ne peut que sentir l’émotion, les moments de joie et d’amour de cette relation fusionnelle entre une mère et sa fille. C’est un documentaire joyeux, lumineux, sur un air du groupe Islandais Sigur Rós, que réalise Eugénie Bourdeau, qui a fait le choix de ne pas intégrer les colères de Lucile au montage par souci d’intimité.

C’est ainsi un film très positif qui nous est donné de voir, mais c’est en discutant avec la réalisatrice que l’on comprend en quoi le faire a été pour elle, un travail sur soi. Outil de mémoire, ce film lui a permis, en visionnant les images, de prendre du recul sur Lucile, leur relation et de s’approprier une seconde lecture des choses.

Pour la mère, le problème avec l’autisme, c’est les autres. « On fait subir à ces enfants notre propre incompétence à ne pas les comprendre. Être face à l’autisme demande un vrai travail sur soi et de revoir sa façon d’être. Les gens ne s’adaptent pas et pourtant, il faut respecter les autistes en tant que personnes », explique la réalisatrice qui garde un œil sur sa fille qui joue au soleil et s’adresse à des inconnus de manière spontanée.

Sa normalité accompagne ainsi les expositions de Lucile Notin-Bourdeau et devait tout d’abord s’adresser à un public restreint de proches. Or, si Eugénie Bourdeau n’envisageait pas sa diffusion au grand public de prime abord, l’idée de pouvoir engager des débats autour de l’autisme l’a conquise et ce fut le cas après sa projection aux Champs Libres, en sous-titré et en audio description pour ceux qui le souhaitaient.

Dans la salle certains connaissent et comprennent l’autisme, d’autres sont moins sensibilisés et posent des questions. Lucile monte sur l’estrade et commence à chanter Highway to Hell du groupe ACDC ou Down On My Knees de l’artiste Ayo sous le regard bienveillant des spectateurs qui s’amusent de son énergie et de sa liberté dont nous parle tant sa mère.

« J’ai voulu montrer une autre façon d’être, la beauté dans sa liberté », conclut Eugénie Bourdeau qui parle de « singularité » pour l’autisme plutôt que de handicap; cette singularité qui encore aujourd’hui reste compliquée à comprendre, à expliquer mais qui cette fois, rime avec légèreté et sourire.

* Pour voir les dessins de l’artiste Lucile Notin-Bourdeau : latribudelulu.com

Du 8 au 12 avril se déroule Focus cirque nordique, à Rennes et Rennes Métropole, organisé par l’association Ay-Roop. Au programme, deux spectacles 100% féminin et 100% finlandais. La circassienne Elice Abonce Muhonen, qui pratique le cirque – trapèze ballant – depuis 2008 et fondatrice de la compagnie Galapiat, basée à Langueux – répond à nos questions.

Comment vous est venue l’idée du spectacle Capilotractées autour de la suspension par les cheveux ?

C’est un numéro de cirque traditionnel. Sanja Kosonen avait vu ça, quand elle était petite, en Finlande. On a voulu replonger là-dedans. Et puis, c’est différent de ce que l’on fait d’habitude.

Depuis combien de temps travaillez-vous sur Capilotractées ?

On y travaille depuis 3 ans. On l’a déjà présenté en avril 2013. Et on l’a pas mal joué depuis. À Paris, à Lille, au Chili, en Finlande et maintenant à Londres (du 1^er au 6 avril 2014, ndlr).

Comment est accueilli ce spectacle ?

Il est très bien accueilli. C’est marrant, les gens sont surpris, ils ont un peu peur aussi. Mais finalement c’est très humoristique. Après, nous ne sommes pas suspendues par les cheveux pendant une heure mais Capilotractées tourne forcément autour de cette discipline et des cheveux. C’est une technique que nous avons dû apprendre, au niveau de la coiffure, de la manière de s’accrocher. On savait que ça existait, on avait vu des images mais on ne l’avait jamais pratiqué.

Vous serez également, avec Sanja Kosonen, dans le spectacle Mad in Finland, présenté sous le chapiteau installé place du Parlement mercredi 9 avril.

Oui, c’est un spectacle avec 7 femmes finlandaises. Nous travaillons toutes dans le monde entier pour faire du cirque professionnel. Mad in Finland est donc bâtit autour de la Finlande er de la nostalgie que nous ressentons. On se retrouve souvent, on se rend visite, on parle finnois. Ce n’est pas quelque chose auquel on est habituées maintenant. On parle alors de notre réalité et de nos clichés finlandais.

Les clichés finlandais dont la dépression finlandaise ?

Oui, exactement. La dépression finlandaise c’est l’hiver très long, très noir. Le fait qu’on ne voit pas beaucoup le soleil. Et c’est encore plus profond. Car ce que l’on aborde dans ce spectacle ce n’est uniquement le côté négatif. Il y a aussi quelque chose de très beau à cette dépression. On touche alors à plein de choses différentes, de sujets, comme la vie des circassiens et circassiennes.

+ d’infos dans l’émission YEGG RADIO du mercredi 2 avril dans laquelle nous recevions Géraldine Werner, co-directrice de l’association Ay-Roop. À écouter ici : 25ème émission YEGG RADIO – 2 avril 2014.

Mad in Finland – place du Parlement de Bretagne – le 9 avril à 18h30 / le 11 avril à 20h / le 12 avril à 18h30

Capilotractées – théâtre du Vieux Saint-Etienne – le 10 avril à 20h30