Célian Ramis

Nishtiman, un voyage musical dans l'unité et la diversité du Kurdistan

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Opéra de Rennes
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Voyage aux confins de la Turquie, de l’Iran, de l’Irak et de la Syrie, le 6 mars, à l'Opéra de Rennes, avec Nishtiman, une formation singulière qui célèbre toutes les musiques kurdes.
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Au détour d’un concert à l’Opéra de Rennes, vendredi 6 mars, spectatrices et spectateurs ont été invité-e-s à voyager aux confins de la Turquie, de l’Iran, de l’Irak et de la Syrie, avec Nishtiman, une formation singulière qui célèbre toutes les musiques kurdes.

À l’occasion du cycle Divas du monde, et de la programmation liée au 8 mars, journée internationale des Femmes, l’Opéra de Rennes accueillait les 7 membres du groupe Nishtiman, formé en 2013 par le percussionniste Hussein Zahawy, qui confie rapidement la composition à Sohrab Pournazeri, chanteur et prodige du tanbur et du kamanché. Tous deux ouvrent les festivités et nous régalent de leurs musiques les vingt premières minutes du concert durant. Une belle entrée en matière.

La dextérité et l’agilité des mains du joueur de tanbur hypnotisent rapidement l’audience, dont les souffles coupés et les yeux écarquillés témoignent d’une fascination naissante pour l’instrument et son propriétaire, qui se confirmera au fil du spectacle. Sur la scène de l’Opéra, les deux musiciens sont seuls, entourés de différents instruments traditionnels kurdes, mais pas seulement.

UNITÉ ET DIVERSITÉ

C’est cette capacité à unir divers univers qui participe à leur succès amplement mérité. Ils sont Iraniens, Irakiens et Turcs. Ils sont kurdes, connaissent les musiques de leur pays et sont réunis par la volonté de célébrer la diversité et la richesse des chants et styles de leur peuple. Un peuple comptant des dizaines de millions de personnes éparpillées dans quatre pays frontaliers dont les situations et régimes politiques sont loin d’être semblables.

Ici, ils partagent leur passion pour la musique, avec Goran Kamil, chanteur et joueur de oud, Ertan Tekin, joueur de zorna, balaban et duduk (instruments à vent) et Sara Eghlimi, chanteuse. Auxquels se rajoutent deux musiciens français : Robin Vassy, aux percussions sénégalaises et Leïla Renault, à la contrebasse. Vêtus d’habits traditionnels, assis en ligne, ils sont des « musiciens sans frontières », selon le fondateur de la formation. 

Pendant une heure et demi, Nishtiman (signifiant « patrie » en kurde) alterne entre chansons en chœur, duos entre Sohrab et Sara, qui nous régale de sa voix perçante et envoutante, et parties instrumentales. L’unité des musiciens dans leur diversité permet de livrer une osmose musicale délicate et profonde, qui nous saisit et nous maintient dans l’envie de s’en délecter toujours davantage. Parfois dans la collectivité, parfois dans la singularité, chaque membre du groupe partage sans modération et avec générosité son savoir-faire et son talent, faisant résonner les instruments les uns après les autres, sans volonté d’être dans la démonstration et la performance.

VOYAGE MUSICAL AU MOYEN-ORIENT

Leur objectif, c’est celui de sensibiliser à l’esprit de toutes les musiques traditionnelles kurdes, mêlées les unes aux autres, mélangées à d’autres genres orientaux, et alliées à la culture occidentale. L’ensemble fonctionne sans difficultés. Véritable initiation et découverte du patrimoine d’un peuple effacé de la carte géographique, entre autre. Pourtant, dans leurs musiques, ils expriment la gaieté, la joie, la jubilation, le plaisir et la fête. Avec force et sourires.

Il y a de la profondeur dans les mélodies, dans les harmonies de leurs voix, de la rondeur et de la douceur. On vogue volontiers dans les contrées montagneuses du Kurdistan, on voyage au cœur du Moyen-Orient, on danse par moments, et on se laisse bringuebaler par cette mosaïque musicale d’une région à une autre, d’un rythme à un autre, d’un air populaire à une ode amoureuse.

Bercés par la douceur, la puissance et la retenue de la voix de Sara Eghlimi, on pense à celles qui embarqueront deux jours plus tard, le 8 mars précisément – journée internationale des Femmes – dans la caravane féministe qui se lancera alors dans la 4e marche mondiale des Femmes (la marche a lieu tous les 5 ans) en traversant une quinzaine de pays, débutant au Kurdistan pour terminer au Portugal, en octobre 2015.

Un concert ne suffira pas pour saisir toute l’étendue des musiques kurdes, qu’elles viennent de Syrie, d’Irak, d’Iran ou du Turquie mais aura valu une belle mise en lumière de cette culture riche et variée qui incite au voyage et à la réflexion autour d’un patrimoine conservé et uni au travers de valeurs communes, malgré un peuple épars et des régimes politiques ne reconnaissant pas tous la population et culture kurde. Un beau voyage musical.

DR

À l’Ubu, les femmes s’en mêlent et elles ont bien raison #1

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Ubu, Rennes
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Le 15 mars, les femmes investissent la scène de l'Ubu pour défendre la scène féminine indépendante, dans le cadre du festival Les femmes s'en mêlent.
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Le 15 mars, l’Ubu accueillera le festival Les femmes s’en mêlent pour un concert singulier, placé sous le signe des années 80, avec Shopping et Véronique Vincent & Aksak Maboul. À partir de 18h.

Les femmes s’en mêlent, c’est l’histoire d’un concert parisien organisé le 8 mars 1997 à l’occasion de la journée internationale des Femmes, et qui a bien grandi depuis, déployant ses ailes d’abord sur plusieurs soirées à Paris et à Grenoble pour finir par entamer des tournées dans l’Hexagone. À travers cet événement, c’est la scène féminine indépendante que l’on célèbre. Pour montrer qu’elle est de plus en plus riche, de plus en plus développée, que comme le dit son nom, les femmes s’en mêlent. Aussi dans le milieu de la musique. Avec de la qualité, de l’éclectisme, de la passion et de l’exigence.

SUR LA SCÈNE RENNAISE

Cette année, pour la 18e édition, les femmes se mêlent aussi à la scène rennaise et ça, ça nous réjouit. Également parce que la programmation est alléchante. Shopping, jeune formation british fondée en 2012, nous régale de leurs influences post-punk des 80’s. Leur album, sorti en 2013, Consumer Complaints, marque leur appropriation personnelle du genre musical pour le teinter de modernité et de fraicheur.

Véronique Vincent & Aksak Maboul surfent aussi sur la vague des musiques actuelles influencées par les sonorités rétro. Excepté que leur album, Ex-futur album, sorti en 2014, a été composé au début des années 80, né de la rencontre entre la chanteuse des Honeymoon Killers, Véronique Vincent, et le membre d’Aksak Maboul et directeur de Crammed Discs, Mark Hollander. Aujourd’hui embarqués dans une tournée exceptionnelle, en compagnie de certains musiciens d’Aksak Maboul, le duo vient donner l’écho mérité de cet opus, complètement déjanté, rock et entrainant, grâce au mélange électro-pop, jazz et textes absurdo-loufoques.

La première personne à nous envoyer un mail à l’adresse suivante, redaction@yeggmag.fr, remportera 2 places pour le concert du 15 mars à l’Ubu. Merci de mentionner nom, prénom, adresse, mail et téléphone.

À noter que le dimanche suivant, le 22 mars, les Femmes s’en mêlent débarqueront à l’Antipode avec Rachel Dadd et This is the kit. 

Célian Ramis

Tiny Feet ou l’art de briser le silence avec (entre autre) les pieds

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Antipode, Rennes
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Celle dont on dit qu’elle a fait ses premières armes à Rennes est venue fin novembre présenter son premier album, Silent, à l’Antipode. Un hommage que rend Tiny Feet, alias Emilie Quinquis, à la capitale bretonne. Portrait.
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Celle dont on dit qu’elle a fait ses premières armes à Rennes est venue fin novembre présenter son premier album, Silent, à l’Antipode. Un hommage à la capitale bretonne qui a sur de nombreux points joué sur la création de cet opus. Rencontre avec Tiny Feet, alias Emilie Quinquis.

Ce soir-là, le 27 novembre, à l’Antipode, les sifflements de certains spectateurs se font entendre à peine les lumières baissées. Dès son arrivée, les cris d’encouragements se multiplient. Tiny Feet sourit dans la pénombre de la scène. Elle envoie les premières notes de l’album qu’elle présente lors de cet apéro-concert, son premier album, Silent, financé à l’aide du crowdfounding, soutenu par la Ville de Rennes, réalisé par le Do it yourself dont elle est maitre et produit par Yann Tiersen, son compagnon.

La jeune femme de 28 ans dissimule une partie de son visage sous sa mèche qui lui cache les yeux qu’elle prend soin de fermer les premières minutes du concert durant. Les pédales de boucles sont alignées devant ses pieds, l’ambiance est électrique, la musique tendue, sa voix chaude et rassurante, paradoxalement au climat que son one-woman-band impose.

La musicienne et membre unique de Tiny Feet s’appelle Emilie Quinquis et est originaire de Brest. Pour ses études, elle emménage dans la capitale bretonne et se lance dans les arts du spectacle, à Rennes 2, en théâtre, avant de rejoindre l’école du TNB.

« J’écrivais, je mettais en scène, j’ai eu des propositions pour être comédienne mais je ne m’y retrouvais pas. Je ne veux pas être l’instrument des gens ».

Ce qu’elle veut, c’est défendre son projet artistique : « Je suis incapable de mentir sur ce que je ressens ». Les boucles musicales vont hypnotiser ses nuits d’insomnie et l’amener à délaisser les textes pour s’orienter vers de l’accompagnement sonore.

À sa sortie d’école, elle réalise, seule, un monologue pour une comédienne avec vidéo et musique, « quelque chose d’assez abstrait, hypnotique, sur un mur en décomposition ». Elle pose en parallèle ses sons sur MySpace et de là est programmée dans un petit festival brestois. « Quinze jours avant, je n’avais toujours pas le contenu de mon concert. Je me suis enfermée à l’Aire Libre, se souvient-elle. C’est surement pour ça que l’image de la pochette de mon album est un avion écrasé. Comme je passais mon temps à côté de l’aéroport de St Jacques, c’est le bruit de l’avion que j’entendais. Et c’est là le tout début du disque. »

En 2012, elle joue à Bars en Trans, participe au tremplin Mozaïc et à une présélection pour Les Jeunes Charrues. Elle se rappelle, pour cet événement, attendre dans la loge voisine de celle dans laquelle elle nous reçoit à l’Antipode :

« Pour les Charrues, il y avait Mermonte à côté. Ils étaient 10, ils ont fait un cri de guerre et puis ils sont super balèzes ! J’étais toute petite à côté, je faisais tout de manière intuitive. »

Une manière intuitive de composer ses chansons qui la mène aujourd’hui à présenter son premier album, après avoir passé l’année 2013 à fignoler ses morceaux, entourée de Stéphane Bouvier et de Yann Tiersen, pour le mixage et reamping. Et qui la mène également à ne plus arriver sur la pointe des pieds. « Tiny Feet, c’est pour ça ! Je me prenais le choux avec le nom… Et puis c’est aussi parce que je fais tout avec mes petits pieds dans ma musique. Mes petits pieds maladroits ! », rigole-t-elle.

Pourtant sur scène, aucune note de maladresse de la part de ses petits pieds qui jonglent d’une pédale à l’autre, tandis que ses doigts tapotent sur l’écran, installé devant elle, quand ils ne manient pas l’archer sur la basse ou qu’ils ne grattent pas les cordes de la guitare. Les mélodies sont intenses, brutales. Comme le témoignage de son ressenti face à son environnement, son vécu.

Au fil du concert, les atmosphères varient, l’électro s’amplifie et Tiny Feet s’affranchit à présent de toute timidité pour nous transporter dans sa bulle de douceur angoissante. Le titre de son album prend sens. Silent. « Silence kills/ you know/ Silence kills », chante-t-elle, maniant les rythmes à sa guise et jouant sur les accélérations qui nous plongent dans un état de gravité et d’urgence.

« Silent, c’était pour sortir du silence. J’ai besoin de faire de la musique. Et avec ça, je suis sortie du silence, je me suis libérée d’un poids, ça m’a ouvert la voie »,
précise Tiny Feet en coulisses.

Elle confie, sans trop de surprise, que l’album comporte des douleurs qu’il a fallu dépasser pour s’ouvrir à la créativité. Son truc pour écrire et composer, c’est « les nœuds dans le ventre. Et ça vient de plein de choses, se sentir coupable, être en colère, avoir peur, être amoureux, perdre un être aimé… ».

Et les influences, elle les puise inconsciemment chez Suicide ou Portishead, mais elle se retrouve aussi régulièrement comparée à PJ Harvey et Cat Power. « C’est marrant, mon frère m’a offert une K7 quand j’avais 13 ou 14 ans avec ces deux artistes. Je n’ai pas tous leurs albums mais ce sont des artistes qui m’ont perturbées. Quand j’ai écouté ça, c’était une révolution pour moi. Ce sont des filles qui ont du chien ! Beaucoup de chansons françaises à l’époque faisaient très gentillettes. Ces deux femmes là qui arrivent mettent un coup de pied dans la fourmilière. Enfin un coup de pied dans ma fourmilière ! », plaisante Emilie Quinquis.

Et son coup de pied à elle, puisque toute est une histoire de pied, Tiny Feet le met sur scène. Avec son one-woman-band, « pas besoin de surjouer ». Si la jeune musicienne n’est « peut-être pas assez pop pour la France », elle tient fixement sur ses deux pieds pour les poser aux Etats-Unis, et prochainement peut-être en Argentine ou encore en Belgique, et certainement à Ouessant, l’île sur laquelle elle vit, « là où je me sens à la maison », quand elle n’est pas à Rennes, à Paris ou à Brest, sa ville d’origine à qui elle dédie une chanson éponyme et avec laquelle elle inspire le silence…

Célian Ramis

Femmes aux TransMusicales 2014 # 4 - Cinq minutes avec Sabina

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Le Liberté, Rennes
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Survoltée et carrément rock, l'originale Sabina, de passage à Rennes pour les TransMusicales, répond à nos questions.
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Sabina Sciubba, ex-leader des Brazilian Girls, a ouvert le bal des femmes aux TransMusicales 2014, mercredi 3 décembre à l’Ubu, avec sa formation solo, Sabina. Elle répond, entre sa promo et son train, aux questions de YEGG, clôturant ainsi notre couverture du festival, pour sa 36e édition.

YEGG : Vous avez joué plusieurs années avec Brazilian Girls, aujourd’hui vous vous lancez dans un projet sous votre prénom, que vous avez présenté mercredi à l’Ubu. Vous aviez cette volonté depuis longtemps ?

Sabina : Oui, assez. Nous avons fait une pause avec Brazilian Girls. J’ai donc voulu profiter de ce temps pour moi. J’avais pas mal de chansons qui trainaient. J’ai juste eu à les cueillir !

Brazilian Girls, c’est vous et trois musiciens. Sabina, c’est vous et trois musiciens. Forte volonté de vous entourer de trois hommes à chaque fois ou pure coïncidence ?

C’est le destin ! Quoique je fasse, je termine toujours avec trois hommes ! (Rires) Non, plus sérieusement, ça s’est fait comme ça. Parmi les trois musiciens actuels, il y en a un que je connais depuis très longtemps. Les deux autres, c’est assez récent. Mais, ce n’est pas fait exprès du tout, ce n’est pas pour reprendre la structure de Brazilian Girls.

D’origine italienne, vous avez vécu en Allemagne, en France et aux Etats-Unis, et vous puisez dans chacune des langues que vous parlez pour composer vos chansons. Sacrée gymnastique…

J’espère que sur scène, ça ne donne pas l’impression d’une gymnastique car c’est très naturel chez moi. Ça correspond bien à ce qui se passe dans ma vie. Avec mon mari et mes trois enfants, je parle trois langues différentes, alors j’ai vraiment l’habitude. Comme j’ai vécu aux Etats-Unis, en France, en Allemagne… (Rires)

Dans vos chansons, vous parlez beaucoup d’amour et sur scène mercredi soir, vous faisiez un parallèle entre l’amour et la révolution. Les deux sont indissociables selon vous ?

Oui, vraiment. La révolution impulse de changer les choses au mieux. Dans un sentiment de collectivité. C’est la chose que je recherche le plus ! J’aime pour de vrai la sensation de collectivité. La symphonie entre tout le monde. Et c’est ce qui se passe avec le public quand je suis sur scène. Entre les musiciens, entre les spectateurs, entre le groupe et le public…

Côté révolution, votre tenue aux couleurs de l’Europe et votre déclaration : « Je suis l’Europe et je brûle » ont fait sensation…

(Rires) Oui forcément. En fait, c’était l’Europe mais c’était surtout abstrait. La vérité, c’est qu’un jour j’étais dans le train, j’allais de Nice à Paris. Et on est passé par Marseille. Marseille ! Une très jolie ville avec toute sa culture et son patrimoine, et tout. Et là, entre deux immeubles, je vois toute une rangée de voitures en train de brûler. J’ai trouvé ça très symbolique. Il y a quelque chose qui arrive en Europe en ce moment. Une inflammation de l’Europe. On se sent en sécurité dans cette Europe mais on n’est pas en sécurité ! Tout peut arriver d’un moment à l’autre. Comme l’amour, ça peut arriver partout, tout le temps…

On doit s’en méfier ?

Ah non surtout pas, surtout pas ! (Rires)

Pour revenir sur votre performance à l’Ubu, le live sonnait plus rock que vos chansons enregistrées. C’est une volonté pour se démarquer de ce que l’on peut entendre à la maison ?

Oui c’est vrai, c’est bien plus rock. Pour dire la vérité, je n’ai aucun contrôle là dessus. Ça devient très rock, c’est comme ça. En fait, on part en couilles ! (Rires) C’est rock et ça chauffe. C’est une forme de pouvoir qu’a la guitare. À peine on effleure la corde que ça envoie direct. Ça donne envie de partir en couilles ! (Rires)

Bon à savoir. Merci Sabina.

Merci à vous, à bientôt.

Célian Ramis

Femmes aux TransMusicales 2014 #3

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Parc expo, Rennes
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Moins nombreuses le vendredi 5 décembre, les femmes ont néanmoins défendu avec force leur style et univers musical, dans le Hall 8 du Parc expo.
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Au synthé dans Grand Blanc ou au chant dans Metà Metà , c’est dans le Hall 8 ce vendredi 5 décembre que se sont faites entendre les femmes, hélas bien minoritaires au Parc expo.

 
21h45 – GRAND BLANC – FROIDEUR ADDICTIVE

 

 

 

À peine installés, ils instaurent déjà un climat de tension dans le Hall 8. Les musiciens de Grand Blanc imposent à vitesse éclair leur univers fortement inspiré par le rock new wave des années 80. En référence, on les classe sur les traces de Joy Division mais dans la langue de Bashung et de Ferré.

Des influences qui ravissent les festivaliers qui fourmillent dans la fosse, en direction de la scène, comme attirés par la lumière. Grand Blanc a ce pouvoir d’envoûter les esprits et d’envahir les corps pour les figer, curieux de l’expérience en cours. Dégré 0 commence, la voix de Camille, également aux claviers, brise les sonorités électro et entame une chanson qui résonne comme une ode à un mal-être profond avide de torpeur.

Et c’est pour conjurer le sort et éviter la léthargie que ce nouveau groupe français prend la scène jusqu’à la posséder en l’enrobant d’une atmosphère froide et angoissante. La formation musicale joue avec les rythmes entre calme déstabilisant et accélérations brutales en réussissant à surprendre le public qui attend l’explosion des notes et qui reste en attente de sensations fortes.

« On va vous jouer un morceau qui parle de notre adolescence, de notre nullité au football et de comment on essaye de se construire… Je parle de ça parce que je crois que Rennes joue ce soir non ? », lance le chanteur. Derrière le trait d’humour, la voix tremblotante laisse apparaître la sensibilité du chanteur. Un écorché vif dans la retenue.

Il alterne le chant avec Camille, dont la voix rappelle fatalement les années 80, épousant le style vestimentaire Madonna de cette époque – ou Olivia Newton John à la fin de Grease – et tous les deux apportent un sentiment d’urgence, de précipitation sans pourtant nous saisir les entrailles. Peut-être pas encore assez abouti, on ne doute pas que Grand Blanc saura évoluer dans les eaux troubles du rock français.

 

 

 
23h20 – METÀ METÀ – MOUVANCE JAZZY

 

 

 

 

Dès la première chanson, le hall se remplit de convivialité et de chaleur. Les lumières blanches, électrisantes de Grand Blanc ont laissé la place à des lumières rouges orangées. Guitare, basse et batterie révèlent immédiatement leur puissance et la chanteuse vient y mêler son énergie vocale pour un ensemble dynamique et rafraichissant.

Les compositions très instrumentales, portées par le saxophone, nous transportent directement dans une ambiance de club. Dans un lieu intimiste, confiné. Pour mieux en exploser les murs et les frontières puisque les brésiliens de Sao Paulo sont des génies du brassage musical et culturel. Les sonorités latinos rencontrent ainsi le chant et les rythmes du Candomblé, une religion afro-brésilienne.

La samba prend des airs psychédéliques, le jazz s’enivre et flirte avec l’afro-punk dans un mélange délirant et entrainant qui laisse présager une sorte d’urgence, de précipitation, mêlée  aux chants traditionnellement adressés aux divinités. Le côté folklorique invite à une danse conviviale et festive tandis que les inspirations de rock tendu lacèrent nos entrailles. 

Les musiciens dégagent une belle énergie et transmettent inéluctablement leur passion transpirante pour le live et cet univers imaginaire et neuf. Avec Metà Métà, pas question de rester passif. On est tout le temps pris dans le mouvement. Tourbillon de fraicheur sur la scène musicale brésilienne, il ravit les spectateurs venus puiser dans les découvertes de cette édition TransMusicales.

Célian Ramis

Femmes aux TransMusicales 2014 #2

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Parc expo, Rennes
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Première soirée réussie pour les TransMusicales au parc expo de Rennes, ce jeudi 4 décembre. Les quatre groupes féminins ont fait exploser la scène du Hall 3.
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Ce jeudi 4 décembre, les groupes féminins se sont succédés dans le Hall 3 du parc expo de Rennes. Tous les quatre ont marqué la scène des TransMusicales de par leurs empreintes singulières.

 
21h30 - COURTNEY BARNETT – ROCKEUSE DÉSINVOLTE

 

 

La chanteuse/guitariste et ses 3 musiciens s’installent et révèlent dès la première chanson un son très empreint de garage rock. La musique et la manière de chanter rappellent instantanément Hole, les distorsions en moins et des cachets de valium en plus. Dr Martens au pied, pantalon noir serré, chemise large à pois et attitude désinvolte, la jeune australienne s’aligne dans la grande tradition du « slacker rock ».

Au fil du set, les influences folk croisent celles du garage grunge, Courtney Barnett ayant évolué plusieurs années dans deux groupes, garage d’un côté et psyché/country de l’autre. En 2012, elle lance son propre label Milk ! Records et sort son 1er EP, I’ve got a friend called Emily Ferris. Puis un 2e, How to carve a carrot into a rose. Pour finalement les combiner dans The double EP : a sea of split peas, en 2013.

Les paroles de ses chansons marquent les esprits comme dans « Avant Gardener », dans laquelle elle raconte son choc anaphylactique et sa piqure d’adrénaline. Celle qui se décrit de manière humoristique comme une Lena Dunham musicale aborde également sa relation avec la chanteuse australienne Jen Cloher, avec qui elle a joué quelques temps, et parle librement de masturbation.

Après quelques morceaux folk/rock aux effets acoustiques, le groupe repart sur des notes carrément plus rock au style des années 90. Le public est à bloc. À l’aide de la basse, de la batterie et de deux guitares, les quatre musiciens font monter l’intensité avec de l’instrumental pur, tirant vers le punk rock.

Courtney Barnett bouge nonchalamment son corps en secouant ses cheveux avant de soudainement se tourner vers le batteur et de le rejoindre sur son carré installé légèrement en hauteur. Animés par l’attitude rock de la chanteuse-auteure-compositeure, les festivaliers se déchainent face aux musiciens qui prennent leur pied à balancer les notes brutes. « Merci d’avoir écouté la musique plutôt que de taper dans les mains », crie la chanteuse avant de conclure sur des crissements de guitare qui font durer notre plaisir.

 

 

 

 

23h20 - KATE TEMPEST – RAPPEUSE THÉÂTRALE

 

 

 

Si on ne change pas de hall après Courtney Barnett, on change en revanche radicalement de style avec la britannique Kate Tempest. À son arrivée, les cris et applaudissements  cessent instantanément dès lors qu’elle prend le micro et se lance dans une performance technique stupéfiante.

Son débit de parole, qui provoque en nous un sentiment d’urgence tout en nous figeant de longues secondes durant, est impressionnant, et son phrasé parfaitement articulé. La rappeuse anglaise n’est pas là depuis plusieurs minutes qu’elle met tout le monde d’accord. Le cul scotché au Hall 3, le public des Trans prend une claque.

« Je voudrais pouvoir faire tout ça en français. Je ne peux pas. Je suis désolée, très désolée », annonce-t-elle d’emblée. Il y a une force combattive dans sa voix, dans sa manière d’interpréter sa musique.

Renforcée par les sonorités électro, produites instrumentalement sur scène par ses musiciens, et par l’appui vocal de la choriste hip-hop, l’énergie circule et se diffuse aussi vite que les mots qui sortent de sa bouche.

Et quand elle s’arrête, c’est pour laisser les gros sons trip hop envahir et saisir nos entrailles. La poétesse, reconnue pour son talent d’écriture qui lui vaut d’être qualifiée d’un des plus grands talents actuels, manie l’art de faire passer des émotions.

Les sonorités parfois énigmatiques qui nous plongent dans une atmosphère angoissante viennent contrecarrer son chanté viscéral qu’elle renvoie pourtant avec légèreté et bonne humeur.

On aime sa façon de raconter des histoires, sans en comprendre la finesse des mots qu’elle aligne à vitesse éclair. Elle maitrise les rythmes, pose parfaitement sa voix pour nous captiver et capter notre attention et joue de toute sa théâtralité, un art pour lequel elle est également salué en Angleterre. « Vous êtes putain de brillants ! C’était magique. Vous êtes putain de géniaux. Merci pour la soirée », lâche-t-elle avec émotion, à l’image de son concert.

 

 
 
00h50 – A-WA – TRIO ENVOÛTANT

 

 

 

Les trois chanteuses figurent en ligne sur le devant de la scène. Elles sont sœurs. Tair, Liron et Tagel Haim sont au centre du groupe A-Wa (prononcer Ay-Wa), venu d’Israël. Elles chantent dans un dialecte arabo-yéménite des chansons issues de la tradition orale, enregistrées dans les années 60 par les chanteur-auteur-compositeur yéménite Shlomo Moga’a.

Amour et protestations féminines, le trio joue le contraste de profondeur et légèreté dans des chants qui résonnent à travers leurs voix unies. Ces dernières percent les murs du Hall 3 pour se briser au loin, accompagnées par les notes et rythmes entrainants des guitares, de la basse et de la batterie.

Leur premier album, qui devrait arriver prochainement, produit par Tomer Yosef, Israélien vivant à New-York, propose une approche moderne des chansons folk yéménites mixé à de l’électro dance.

L’ensemble produit une sensation de fraicheur groovy qui séduit les spectateurs-trices, se laissant entrainer dans des pas de danse, au rythme des instruments et des voix parfois a cappella, parfois en chœur. Radieuses, les trois femmes partagent leur musique à la fois ensoleillée et tortueuse avec un élégant brin de retenue.

Là encore, une belle énergie se dégage de cette formation originale. Elles mêlent au fil du concert percussions, sollicitations du public et violon, le temps d’une chanson à chaque fois. Juste le temps de tisser une relation avec leur auditoire, qui s’affine avec les minutes tardives qui défilent, et de nous plonger dans une ambiance intimiste.

La force des voix épouse la fragilité qui émane des textes et nous invite à l’évasion. « Nous allons vous chanter une chanson d’amour yéménite qui parle de la façon dont l’amour peut vous consumer de l’intérieur », explique une des chanteuses. Si certains rêvassent debout, d’autres dansent à n’en plus finir en investissant l’espace qui se libère au fur et à mesure.

 

 
2h20 – MOLOTOV JUKEBOX – COCKTAIL EXCENTRIQUE

 

 

 

 

« J’ai découvert ce groupe il y a 2 ans. Ils devaient venir l’an dernier mais bon la chanteuse s’est fait mal… Aujourd’hui, ils sont là, c’est Molotov Jukebox ! », s’écrie Jean-Louis Brossard, co-directeur des TransMusicales en guise d’introduction du groupe, mais également de clôture de cette première soirée au parc expo.

Dès leur arrivée, les membres du groupe débordent d’énergie. Natalia Tena affiche un large sourire qu’elle ne lâchera pas du concert. Accordéon, trompette, violon, batterie et guitare démarrent en trombe pour y faire éclater des sonorités de fanfare de l’Est.

Rien à dire, nous ne sommes pas déçus d’avoir patienter un an de plus pour les découvrir en live.La musique est entrainante, festive, à la limite de l’excentricité.

Les genres se mélangent. Molotov Jukebox, qui vient pour la première fois en France, passe de chansons explosives parlant d’un ancien amant à des chansons jazzy à la James Bond. « On a toujours voulu faire une chanson à la James Bond », déclare le violoniste Sam Apley, sourire en coin. Le début est jazzy, la voix soul.

D’un registre à un autre, l’aisance est la même, l’énergie est semblable. Toujours empreinte de bonne humeur malgré l’heure tardive et le peu de festivaliers restants.

Accordéon accroché aux épaules et robe noire moulante, Natalia Tena, que l’on connaît pour ses rôles dans Harry Potter et Games of throne, déploie la puissance de sa voix qu’elle s’amuse à varier entre ton très nasal et échappées vocales.

Jusqu’à entamer des chansons plus pop rock et même une chanson en hommage à la capitale anglaise, Londres « qui pour sûr est une femme ! » Impossible de ne pas bouger ses pieds et son corps pendant cette dernière heure tant l’énergie impulsée est grande.

Célian Ramis

Femmes aux TransMusicales 2014 #1

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Ubu, Rennes
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L'une à la voix rock, l'autre orientale. Les deux - Sabina et Alsarah & The Nubatones - sont montées sur la scène de l'Ubu, mercredi 3 décembre, pour la premier soir des TransMusicales, avec deux shows divins.
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C’est à l’Ubu que s’est ouvert la 36e édition des TransMusicales, mercredi 3 décembre. Deux femmes figuraient dans la programmation et ont assuré le show dans des registres bien distincts : Sabina, suivie de Alsarah & The Nubatones.

21h45 - Il n’est pas encore très tard à l’Ubu mais déjà il est difficile de se frayer un chemin dans la foule pour accéder à la fosse. Sabina vient de commencer, les premières notes annoncent un set très rock, les premiers rangs sont d’ores et déjà déchainés. L’ancienne chanteuse des Brazilian Girls encourage de sa belle voix grave et chaude le public à chanter avec elle. « Je veux vous entendre », lance-t-elle en français avant d’entamer une chanson en allemand extraite de son premier album solo Toujours.

Originaire d’Italie, elle prend rapidement le départ pour l’Allemagne, pays de sa mère avant de s’embarquer pour la France puis les Etats-Unis. Tous ces déménagements auront marqué la musicienne qui manie les différentes langues avec aisance et fluidité. « Aucune réflexion, jamais ! Donnez nous plus ! Donnez nous tout ! », s’exclame-t-elle à la fin d’une chanson, rempilant directement sur la suivante.

La basse très rythmique invite le public à s’investir davantage et à suivre les instructions de Sabina Sciubba. Une belle énergie scénique se dégage de l’osmose entre les trois musiciens – guitare, basse et batterie – et la chanteuse, vêtue d’un pantalon bleu électrique tacheté d’étoiles et d’un débardeur sur lequel trône un gros motif de flammes : « Je veux juste vous expliquer quelque chose. Vous voyez ce que je porte… Non je ne suis pas habillée en super héro. Je suis l’Europe et je brûle !!! » Sa voix est divinement envoûtante, terriblement rock et s’accorde parfaitement avec le son organique produit par le clavier auquel vient de s’installer le bassiste.  

Sabina partage avec générosité ses chansons, dont elle écrit les textes et compose les musiques. Elle y parle de révolution, mais surtout d’amour, « de toute façon, ça va ensemble ». La sensualité déborde de son déhanché et de son chanté singulier qui accompagne la dynamique rock et new wave dont elle puise ses inspirations.

Elle joue avec sa voix dans des parties vocales pures et douces dans certaines balades qui ne sont pas sans rappeler la signature de Radiohead. Puis entame un Viva l’amour accéléré et carrément plus rock que la version de l’album. « Que de l’amour et plus de loyer ! », crie-t-elle, à la fin de la chanson. « Et en parlant de loyer, je crois qu’il faut qu’on s’arrête », lui glisse un musicien… Dommage.

ALSARAH & THE NUBATONES

Aux alentours de 23h, la fosse ne désemplit pas de festivaliers et festivalières qui dansent en attendant le prochain concert. Les musiciens de The Nubatones s’installent sur la scène et effectuent quelques balances avant de démarrer. Alsarah fait son entrée. Les sonorités arabes retentissent dans la salle, suspendue aux lèvres de la chanteuse soudanaise à la voix impressionnante.

Qualifiée de nouvelle reine de la pop nubienne (région du nord du Soudan et du sud de l’Égypte, ndlr) et de la rétro-pop soudanaise par The Guardian, elle s’inspire de différents styles musicaux d’Afrique du nord et de l’est auxquels elle ajoute des influences arabes, suivant les pas de la grande Oum Kalthoum. Les musiciens participent à la réussite de ce mélange à travers les percussions, le luth et la basse. Sans artifices, Alsarah varie l’intensité de son chant, entrainant également celle des instruments, entre douceur et puissance pour un résultat détonnant.

« Une chose à propos de mon spectacle. C’est plus fun si vous dansez et si vous tapez dans les mains », précise la chanteuse en rigolant. Vêtue de bleu turquoise, la chanteuse-auteure-ethnomusicologue propose un show très coloré, très enjoué, empreint de voluptés et de légèreté. En bougeant délicatement les épaules et en levant gracieusement les mains, toujours le sourire aux lèvres, elle hypnotise spectateurs et spectatrices.

La dynamique du concert entraine la foule à se laisser porter par ses émotions. Les accélérations rythmiques des instruments viennent contrebalancer les instants délicats portés par la douce lenteur du chant d’Alsarah, accompagnés par moment par le chœur des trois hommes.

Le public est conquis. « Je ne comprend pas ce que je chante mais j’m’en fous », rigole une femme au milieu de la foule. Il est temps de présenter les musiciens. L’occasion de savourer un solo de luth. Ambiance tamisée, lumières feutrées, les spectateurs-trices sont figé-e-s, hypnotisé-e-s, par les sonorités orientales ainsi que par la dextérité et la rapidité des doigts du musicien. Les lumières roses orangées épousent cet instant instrumental onirique, auquel s’allie la profondeur du chant insufflé par les sonorités nubiennes. Une véritable invitation à se perdre dans ses pensées et à plonger dans une atmosphère apaisante.

La perte de tous repères spatio-temporels n’est que de courte durée. Les instructions de la chanteuse nous ramène à l’Ubu : « On va s’entrainer ensemble à taper des mains. On va taper des mains tout le long de la chanson. Oui je sais, je vous en demande beaucoup. Vous pouvez boire de l’eau maintenant, et on y va. N’accélérez pas, voilà c’est bien, c’est parti. » Les festivalier-e-s jouent le jeu avec plaisir, ravis d’être sollicités par la divine Alsarah.

Célian Ramis

Furie / Monogrenade / Au Revoir Simone : un combo envoûtant et hypnotisant

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Antipode, Rennes
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Samedi 8 novembre, le groupe rennais Furie montait sur la scène de l’Antipode et partageait l’affiche avec les canadiens de Monogrenade et les new-yorkaises du trio Au Revoir Simone.
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Samedi 8 novembre, le groupe rennais Furie montait sur la scène de l’Antipode et partageait l’affiche avec les canadiens de Monogrenade et les new-yorkaises du trio Au Revoir Simone.

INSTANT ENVOÛTANT

En mars dernier, lors de la carte blanche à Laëtitia Shériff dans le cadre des Embellies, c’est au Jardin Moderne que l’on découvrait le nouveau projet d’Astrid Radigue (Mermonte, LadyJane, Soulful Singers). Après 4 ans de réflexion autour d’une nouvelle formation, Furie s’éveille et happe le public par sa pop mélodieuse, la douceur de ses comptines musicales et son harmonieuse mélancolie. Huit mois ont passé et Furie revient sur la scène rennaise, celle de l’Antipode cette fois-ci, avec un projet délicieusement abouti.

Déjà séduits au début de l’année par l’originalité de la proposition, il n’aura pas fallu attendre plusieurs chansons pour être véritablement conquis en ce samedi 8 novembre. La prestation semblant emprunter des chemins plus rock sur ce set n’en est que meilleure. D’entrée de jeu, Astrid Radigue, entourée de Florian Jamelot, Jérôme Bessout et Pierre Marais, capte l’attention de son auditoire, envoûté par la pureté du chant et des mélodies qui mêlent guitares, batterie, clavier et percussions. Les quatre musiciens nous emportent dans un univers singulier à l’énergie enchanteresse, dans lequel s’entrecroisent légèreté et noirceur poétique. C’est un instant exquis que l’on savoure ce soir-là et on espère voir la Furie déployer ses ailes infernales encore et encore.

INSTANT HYPNOTISANT

C’est ensuite au tour des québécois de Monogrenade de monter sur scène. Le groupe traverse l’Atlantique et arpente les routes de France pour présenter son deuxième album, Composite. Six musiciens, trois femmes et trois hommes, s’installent en ligne sur le devant de l’estrade, prêts à nous transporter dans les ambiances vertigineuses qui leur sont propres depuis la sortie de Tantale, en 2012. Éclairés par des lumières sombres et chaudes, ils entament un math rock sensuel qui nous emmène dans une ambiance intimiste, laquelle nous enivre d’une chaleur apaisante.

Si les parties chantées, en français, nous rappellent à certains moments les phrasés de François and the Atlas Mountain (ce qui n’est pas pour nous déplaire), les parties instrumentales nous ramènent à l’instant présent. Un instant hypnotisant qui nous fige dans l’espace et le temps. Les rythmes effrénés des violons, accompagnés par le violoncelle, exercent un contrepoids à notre douce somnolence, apportant rapidité et mouvement.

INSTANT COLORÉ

Le voyage au sein de la pop aérienne se poursuit à l’Antipode, avec une escale à New-York (Brooklyn précisément) où nous retrouvons le trio exclusivement féminin de Au Revoir Simone. Venues présenter leur dernier album en date, sorti à l’automne 2013, Move in Spectrums, les trois musiciennes s’installent chacune devant leurs claviers aux airs rétro et électrisent d’entrée de jeu les spectateurs/trices. C’est dans un monde coloré aux mélodies pop et rondes que nous transportent les trois nymphes des villes, qui viennent d’enchainer quatre soirs à l’Olympia de Paris, en première partie d’Etienne Daho avec qui elles ont collaboré.

Les chansons sont entrainantes, les notes des claviers claquent et l’aspect synthético-girly s’ajoute à un ensemble parfaitement maitrisé et enjoué. Si on regrette la mélancolie et la fragilité qui se dégageaient – et que l’on adorait – des chansons des albums antérieurs, on aime toujours autant l’énergie et la fraicheur de ce trio qui invite à un instant de partage et de dynamisme contagieux. Et quel bonheur quand elles entament « Crazy » et « Somebody who » ! On ne s’en lasse pas.

Célian Ramis

Le Grand Soufflet 2014 : DelaDap, une tornade électro-swing

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Parc du Thabor, Rennes
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Les musiciens déjantés du groupe DelaDap proposaient, pour leur première scène en France, un concert dansant et débridé aux airs d’électro-swing pop.
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Jeudi 9 octobre, la soirée Crazy Swing Club accueillait les musiciens déjantés du groupe DelaDap, pour leur première scène en France, pour un concert dansant et débridé aux airs d’électro-swing pop.

On aurait pu les croiser sur la scène « Découverte » des Trans, mais c’est dans le cadre plus intime du Grand Soufflet que l’on a pu apprécier la proposition originale de DelaDap, une formation musicale détonante qui réunit autour du producteur tchèque Stani Vana plusieurs musiciens d’Europe centrale et des Balkans. Les diverses influences se croisent et s’entremêlent dans un son souvent jazzy, électro et pop. Mais DelaDap va plus loin, semblant s’écarter avec joie de toute contrainte et d’étiquette de genre.

Ce que le groupe propose, c’est de puiser dans les traditions roms, slaves et klezmer, en y ajoutant de l’électro tout droit venu des années 90. Pas besoin d’entendre plusieurs chansons, la sauce prend immédiatement et on se délecte de chaque instant d’énergie déployée par ces ovnis qui balancent leurs musiques, fruit d’un travail de 10 ans, comme si plus rien autour n’avait d’importance.

Ils nous emportent dans leur univers festif sans perdre de temps et créent un lien permanent avec le public pris dans le tourbillon DelaDap. Les sonorités empreintes aux musiques d’Europe de l’Est et de la Mitteleuropa communient parfaitement avec les notes électroniques de la console et l’intensité de la voix de la chanteuse.

Sous le chapiteau, ça fourmille, ça danse, ça bavarde. Les spectateurs installés timidement au départ sur les bancs des gradins descendent au fur et à mesure se mêler à la petite foule qui vacille joyeusement sur la piste.

Les danseurs de swing ont laissé la place aux sautillants festivaliers qui réclament toujours plus, satisfaits de chaque proposition. Les rythmiques et les refrains sont punchys et entrainants, entrent dans la tête pour n’en ressortir que quelques heures plus tard.

On retient « Listen up / This is DelaDap » pour son dynamisme et sa bonne humeur, hommage jovial au 10e anniversaire du groupe. Et sur la scène, les musiciens prennent plaisir à répondre aux attentes du public. L’accordéon se plie et se déplie à vive allure, la trompette résonne et la batterie s’impose…

Et à tout cela s’ajoute les compositions du DJ et le style disco-swing de la chanteuse pour un joyeux bordel maitrisé et manié à souhait. DelaDap réussit avec brio à imposer son style et nous invite à voyager sur les routes d’Europe et du temps. Les époques se côtoient et flirtent ensemble dans une parfaite symbiose. Du cash et du chaos, comme on aime.

Célian Ramis

Le Grand Soufflet 2014 : Yéti fait son cabaret humoristique

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Parc du Thabor, Rennes
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Accordéon, flûte traversière, boucle de samples et légèreté naturelle... Yéti - Jetty Swart - convoque la bonne humeur sur la scène du Grand Soufflet.
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Mercredi 8 octobre, la joviale Jetty Swart – prononcer Yéti – se produisait sur la scène du Grand Soufflet, avec son accordéon, sa flûte traversière, sa boucle de samples et sa légèreté naturelle.

« Je suis née d’une mère hollandaise. On les reconnaît facilement, ce sont elles qui ramènent les sacs de patates ! » Le premier contact avec le public annonce la couleur. Proximité et second degré seront les maitres mots de cette fin d’après-midi pluvieuse.

Et quand au milieu de la chanson, elle oublie les paroles, la copine de Chloé Lacan le tourne en dérision et continue de chantonner en souriant : « Je ne sais plus ce que je chante à ce moment-là… Est-ce que quelqu’un l’a déjà entendue pour m’aider ? Ce serait super chouette mais c’est pas grave parce que la chanson continue ! »

Et le public ne manquera pas de la soutenir en fredonnant avec elle une série de « pom pom pom ». Jetty Swart, chanteuse et musicienne, oscille entre l’anglais et le français pour transporter les spectateurs dans un univers onirique, dans lequel se croisent comptines, histoires abracadabrantes, poésie et cabaret humoristique.

Celle qui a bien fait de quitter l’école d’arts graphiques pour se consacrer à la musique est pétillante, créative et inventive. Avec du beat-box enregistré en sample, elle transforme le chapiteau en cabane isolée au milieu de la forêt sous laquelle nous sommes abrités. On perçoit alors le son d’une goutte d’eau qui tombe lourdement sur les planches de bois. Et la magie opère, elle transforme « notre cafard en caviar » et sème la bonne humeur sur fond de temps maussade.

« On va danser ! Et si on danse, il faut quelque chose de plus spectaculaire ! », lance-t-elle en enlevant sa chemise en jean. Et en faisant tomber la veste, elle fait également tomber le masque. Si le second degré et son naturel taquin ne sont jamais très loin, et sont surtout nichés dans la Chanson du coq, « écrite pour les gars que j’ai rencontré à Montpellier », l’artiste hollandaise nous embarque à présent sous le ciel étoilé d’une nuit très noire.

Les rêves et les sentiments profonds sont surface et s’animent au son de l’accordéon et de sa voix qu’elle manie avec une facilité déconcertante. Indéniablement elle sait jouer avec les ambiances, les mots et les émotions. Passant d’une reprise délurée de Mickael Jackson avec un franc roulé de R à une chanson poignante empreinte de sonorités de l’est, elle fédère le public autour de son personnage et de sa proposition musicale. Et les festivaliers en redemandent encore et encore. Poussée par l’adrénaline, Yéti se laisse voguer et entame une dernière chanson en néerlandais pour conclure ce concert aux ambiances et influences éclectiques.

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