Maria Dolores n’aime pas seulement le tango… Elle aime également se donner en spectacle et divaguer entre une milonga et une reprise surprenante de la Compagnie Créole, façon Argentine. Accompagnée de l’Amapola Quartet, elle était sous le chapiteau du Grand Soufflet, au parc du Thabor, mercredi 12 octobre.

Elle avait juré de ne plus jamais chanter le tango. À cause des relations douloureuses qu’elle a vécu avec des musiciens argentins. Pourquoi ? « Parce que l’homme argentin est un condensé de tous les hommes de la terre ! », lâche-t-elle naturellement en arrivant sur la scène, vêtue d’une longue robe moulante noire et parée de ses longs gants et hauts talons rouges.

Elle fait référence au XIXe siècle, période durant laquelle l’Argentine connut d’importantes vagues d’immigration donnant lieu à un grand métissage.

« Il faut remettre les choses dans le contexte : ce sont des hommes seuls, sans femmes et enfants, qui ont débarqué dans le port de Buenos Aires. Résultat de ce métissage ? Le tango ! Et c’est un joyeux bordel car là où commence le tango, c’est dans les bars à puputes ! », s’exclame Maria Dolores, provoquant les rires du public.

Car à l’essor du tango entre 1890 et 1930, elle associe celui de la prostitution. Une manière d’introduire la chanson suivante, un hommage vibrant aux « femmes que l’on paye », « ces virtuoses de la cuisse ». Avant d’aller s’installer sur le côté de la scène se préparer un sandwich, nourrir son chien et se servir - au cubis - un verre de vin blanc.

C’est certain, Maria Dolores est un sacré personnage. Échappée de la compagnie Femmes à barbe, avec laquelle elle a remporté le Molière de la Comédie en 2016 pour la pièce Les faux british, Lula Hugot incarne aux côtés des musicien-ne-s de l’Amapola Quartet, une diva excentrique et délurée, « espagnole de souche, argentine de couche et rennoise de cœur ce soir », biberonnée au tango et aux joies de l’amour par une tante pleine de dictons, phrases toutes faites et théories plus ou moins fumeuses.

Elle joue les clichés, force l’accent et outrepasse les limites du social. Elle n’a pas de filtres, est impulsive, bavarde, envahissante et séductrice. Elle nous conte ses histoires d’amour et de sexe avec candeur, fraicheur et liberté. Maria Dolores aime les hommes.

De tous les âges, de toutes les tailles, de toutes les morphologies, de tous les pays, de tous les milieux sociaux. Et chante aux femmes son admiration et son féminisme qui s’écarte légèrement de celui de sa tante qui disait : « Quand on est une femme, on apprend à conjuguer le verbe supporter ».

Épaulée par Sandrine Roche au piano, Ariane Lysimaque au violon, Michel Capelier au bandonéon et Christophe Dorémus à la contrebasse, la chanteuse nous traine dans les caniveaux et sur les trottoirs de Buenos Aires, jusque dans les bars et salons de la capitale argentine.

La voix de la diva alliée à la musique et aux talents des musicien-ne-s de l’Amapola Quartet nous transportent et démontrent l’universalité du tango, en interprétant un Besame mucho aux couleurs internationales.

Emblématique de l’amour et de la sensualité, le tango s’illustre à travers une large palette de rythmiques et de variations d’intensité. Maria Dolores chante les liens indéfectibles entre deux amant-e-s, l’infidélité, les filles de joie ou encore les drames de la vie, qu’elle voit bien en couleurs. Et par plusieurs stratagèmes – aller chercher un cornichon en loge ou encore partir au milieu d’une chanson – s’extirpe de la scène pour la laisser au quartet.

Une alternance qui donne à découvrir cette musique métissée, plurielle et riche, en cassant par l’humour la tension dramatique qu’on lui attribue, notamment à travers sa danse envoûtante et poignante. « Mais ça rend fou le tango ! Après l’initiation que vous avez fait en début de soirée, vous êtes foutu-e-s. Maintenant, ça va être tango et toilettes sèches à toutes les fêtes ! », s’esclaffe Maria Dolores, qui ironisera régulièrement lors de la représentation sur l’installation des toilettes sèches sur le lieu du festival.

Pour preuve que le tango fait perdre la tête, le quintet se lance dans des reprises surprenantes et farfelues, voulant prouver que cette musique serait à l’origine de toutes les autres. Ainsi, Sabine Paturel (Les bêtises), Mickael Jackson (Billie Jean), Madonna (Like a Virgin) et la Compagnie Créole (Au bal masqué) s’en seraient inspiré-e-s.

Avec beaucoup de dérision, et d’auto-dérision, Maria Dolores recoud dans nos esprits l’histoire de la musique tango ainsi que de sa danse.

« L’homme est au bar et regarde la femme avec qui il veut danser. La femme, elle, est assise et attend. Forcément, c’est une femme. L’homme lui fait un signe de la tête. Elle acquiesce, ils se rejoignent au milieu de la piste, ou elle fait mine de ne pas le voir. Je trouve ça bien. Ça offre le choix à la femme de refuser ou d’accepter. Et à l’homme de ne pas se prendre un râteau, comme vous dites en France, avec vos expressions agricoles. », plaisante-t-elle.

Pour autant, l’humour n’envahit pas la quintessence du propos. Il le sublime, lui donnant une toute nouvelle dimension. Musique et danse de caractère, de passion, d’amour, de sensualité, de tension, d’agitation, de nostalgie et de solitude, le tango vibre et résonne comme une essence vitale.

Des tenues étincelantes, un groove électro disco et une forte signature années 80, le groupe Minuit a proposé un flash musical ambiancé et enthousiaste dimanche 24 avril, dernier jour du festival Mythos, au Cabaret botanique.

Dès les premiers mots que la chanteuse prononce, elle ne peut tricher sur son héritage familial. Fille de Catherine Ringer et de Fred Chichin, Simone Ringer a développé la même voix et manière de chanter que sa mère. Avec son frère, le guitariste Raoul Chichin, elle monte le groupe Minuit, accompagné de quatre autres musiciens.

Ensemble, ils sortent un EP en septembre 2015, Minuit, dans lequel ils perpétuent le son d’un des couples mythiques du rock français. Mais sans la prétention de reproduire les chansons des Rita Mitsouko. Non.

Malgré le clin d’œil et les influences clairement puisées dans la musique des années 80, le groupe Minuit travaille à son propre grain de folie.

Et de cette époque vieille de 30 ans, ils s’imprègnent des histoires et de la manière de les raconter. Avant chaque chanson, Simone Ringer délivre une phrase, une exergue, poétique qui pose le décor de ce qu’elle va nous conter. L’exil, l’envie d’ailleurs, l’appel des racines, le manque du ciel gris de Paris, les routes, la brume, le vertige…

C’est un road trip musical que nous propose Minuit ce dimanche dans le parc du Thabor. Et si le concert commence à 18h et que le règne du jour ne s’achèvera que quelques heures plus tard, l’ambiance instaurée sous le chapiteau nous fait oublier l’extérieur. On visualise la nuit qui tombe, le champ des possibles qui s’étend à perte de vue devant nous.

À présent, tout est envisageable. On peut passer d’une nuit de défonce avec « Caféine » à une résolution psychique vitale dans « Recule ». La chanteuse conte le quotidien, réaliste ou psychédélique, et nous invite à l’évasion mentale.

Ici, pas de fatalité, pas de noirceur qui assombrit le présent et l’avenir. Mais de l’émotion simple, spontanée, transposée dans une écriture qui nous emporte au cœur de leur univers.

L’instant est agréable. Pas transcendant mais bon. Tout simplement. On se laisse prendre par le déhanché qui nous titille sur les sonorités électro du synthé et les notes aigues des guitares.

Minuit nous emmène dans un road trip non linéaire. On y prend parfois des virages, on y fait parfois des arrêts. On se prend une caisse la veille, et on repart au petit matin, quand le jour commence à peine à se lever. On croise des personnages mythiques comme la sensuellement dangereuse Poison Ivy.

La musique est alors plus lascive, les rythmes lancinants, les accords plus tendus. Une passion électrique, un charme évident. On est séduit-e-s instantanément et pendu-e-s aux lèvres de l’interprète qui se glisse avec talent dans la peau de cette femme fatale. Elle a un côté théâtral, Simone Ringer, une lueur de folie dans le regard. Mais elle aborde sa théâtralité et sa sauvagerie avec justesse, finesse et retenue.

Ce qui lui permet de jouer entre les niveaux de lecture des textes qu’elle dévoile. Une sorte de détachement à la Philippe Katerine se note lorsqu’elle chante sur « le mal de crâne ». L’étincelle Minuit n’est pas encore la flamme Mitsouko mais certains morceaux sont déjà des succès comme « Flash » ou « Caféine », preuves que le groupe s’est imposé sur la nouvelle scène française.

En nous embarquant dans leur périple d’aujourd’hui et d’hier, aussi rock qu’électro pop teinté de disco, Minuit crée l’événement et parcourt surement et sagement son chemin coloré, entrainant et séduisant. On veut entendre davantage de récits, trainer quelques heures de plus avec eux dans les rues parisiennes quand le jour débarque une fraiche journée d’été ou encore croiser d’autres figures mythiques.

Et une dernière figure emblématique d’une époque musicale surgira de leurs instruments pour un hommage à un artiste adulé par le groupe, décédé quelques jours plus tôt : celle de Prince et de son tube « Kiss ». Un clin d’œil qui clôture le concert sur une note emplie d’émotions et de sourires.

Après le phénomène électro cosmopolite Jain, c’est au tour d’Izia de monter sur la scène de Mythos, au cabaret botanique samedi 23 avril. Electrisante et grisante, la chanteuse ne s’épargne pas et ne nous épargne pas. Un show à couper le souffle.

En arrivant sur scène, elle attaque directement par d’anciennes chansons en anglais. Pleines d’énergie et chargées d’esprit rock. Les chevaux qu’elle lâche se cabrent, hennissent et partent au galop en écrasant tout sur leur passage. Plus redoutable qu’une éruption volcanique, Izia est une déferlante magistrale de coups de tonnerre.

« Vous êtes des putains de Bretons ! (…) J’aimerais te voir te secouer la Bretagne ! », scande-t-elle, dégoulinante de sueur après trois chansons. Elle a besoin d’une réponse du public à la hauteur de ce qu’elle lui donne.

Sa musique sans compromis ni complexes nécessite une folie partagée. Il n’est plus question ici de lâcher prise mais de dépassement de soi.

De son franc parler, elle s’impose : « Je ne veux pas voir ton putain d’Iphone, de putain de bout de plastique qui pourrit la vie alors tu ranges ça, tu te le carres où tu veux, ça ne me regarde pas et tu sors tes putains de mains et tu les joins ensemble. »

Et là dessus entame les chansons de son dernier album sorti en 2015, La Vague. Après deux disques de rock acerbes en anglais, voilà que la fille Higelin se baigne dans l’électro pop en langue de Molière.

L’opus est critiqué, sévèrement réprimé, la jeune chanteuse est comparée à Christine and the Queens, coup dur pour celle qui est entrée dans le milieu de la musique depuis pas moins de 10 ans…

On pensera ce que l’on veut de ce virage opéré peut-être par facilité ou volonté de coller à la tendance musicale des jeunes groupes français, toujours est-il qu’en live elle fait l’unanimité, dans une pop déchirante et envoutante et ne s’économise pas, au contraire. Elle impressionne de par sa posture sûre d’elle et rentre dedans. Et on se demande par moment comment distinguer le vrai du faux, l’authentique de l’artificiel.

Syndrome de l’électron libre, elle bouscule son environnement avec brutalité et tombe parfois dans le too much.

Sa voix rocailleuse flirte de temps à autre avec un filet nasillard qui agace et perturbe mais on ne lui en tient pas rigueur tant elle partage avec le public son besoin vital de se défouler et d’exulter.

Elle explore sans contraintes ni limites son côté sauvage et animal et propose aux festivalières et festivaliers d’en faire de même.

« Je voudrais que tu essayes de renouer avec ton animal totem, que tu visualises très précisément ton animal total. Je veux que tu sentes ces poils, ces écailles, que chaque partie de ton animal devienne toi et que tu deviennes lui. Tu sens la chaleur dans ton ventre, tu sens ton corps en ébullition. », lâche-t-elle avant d’interpréter « Reptile », dans une explosion sonore et émotionnelle.

Izia joue de sa sensualité et de la tension animale qu’elle dégage. Il y a de la férocité dans son regard de prédatrice qui observe sa proie et s’amuse à l’épuiser avant de la dévorer.

Il y a du feu dans ses yeux et de la combustion dans son corps qui s’anime dans une danse effrénée. La musique comme exutoire et la scène comme défouloir.

Elle bouge dans tous les sens, passe derrière la batterie pour un instant à 4 baguettes et tape de toutes ses forces sur les caisses de l’instrument. Le Magic Mirror est en ébullition, l’ensemble du chapiteau tremble, les enceintes crachent et la mue opère.

Les enveloppes charnelles humaines tombent, dévoilant crinières, queues écailleuses, échines et flancs massifs. Le safari et la jungle que Jain avait instaurés en décor musical le temps d’une chanson, Izia l’accomplit et transforme le public en redoutables prédateurs d’un univers terrifiant, intriguant et déroutant. La tension est maximale, la pression quasi insoutenable.

Et quand tout s’arrête, que le silence s’installe, ne serait-ce qu’un dixième de seconde, c’est le soulagement. Les battements du cœur ralentissent et retrouvent l’apaisement nécessaire à notre survie. La bourrasque Izia laisse des séquelles. Et nous vide de toutes les tensions.  

Après plusieurs coupures d’électricité consécutives affectant le site du festival Mythos, dans le parc du Thabor, Jain est montée sur la scène du Magic Mirror samedi 23 avril, pour un concert énergisant et sans frontières.

Son succès a été fulgurant. Fin 2015, elle sort son album Zanaka, après avoir sorti un EP intitulé Hope sur lequel figure le célèbre « Come ». En 2016, elle est nommée aux Victoires de la musique et enchaine les dates et festivals. Dont celui des arts de la parole, à Rennes. Et sa parole à elle est cosmopolite et se transpose dans une musique transgenre colorée et joyeuse à laquelle on succombe instantanément.  

Sur la pochette de son disque, Jain s’affiche dans sa robe noire au col blanc en déesse indienne à six bras. C’est au moins ce qui lui faut pour assurer le show qu’elle propose.

Seule sur scène, la jeune chanteuse nous invite au cœur de sa création artisanale, en loopant sa voix a capella et en reproduisant des sonorités électro en live.

Son one-woman-band détient une multitude de facettes transcontinentales qu’elle cultive depuis son enfance.

Originaire de Toulouse, elle passe ses premières années en France, apprend la batterie à Pau avant de s’initier aux percussions arabes entre Abu Dhabi et Dubaï et de s’influencer de l’afro-beat qu’elle découvre et intègre au Congo. Le titre de son album est un clin d’œil à l’héritage culturel de sa mère franco-malgache, Zanaka signifiant enfant en malgache.

Jain n’hésite pas à puiser dans toutes les richesses musicales qui se sont révélées à elle lors de ces divers périples. Et le résultat est sensationnel. On se délecte des ambiances tribales, des sonorités africaines tout comme de son phrasé emprunté au hip-hop américain. Le tout englobé dans une électro pop prenante qui oscille entre un sentiment d’urgence dans lequel la voix de la chanteuse se noie dans les samples et une sensation de bien-être envoutante et transcendante.

Ces musiques, très rythmiques entre les percussions et le synthé, sont faites pour danser. Son énergie est communicative et son partage avec le public, généreux.

En la voyant danser, sauter, bouger sur scène avec une telle envie d’emporter la foule dans son univers, on se libère d’un poids, on accepte le lâcher prise et le Magic Mirror se transforme rapidement en piste de clubbing.

Et la Toulousaine ne soigne pas uniquement sa musique d’une singularité désopilante mais aussi l’esthétique graphique et visuelle de son décor. Des écrans bordés de blanc et de dessins que l’on retrouve également sur ses instruments ou ses chaussures affichent des formes, des clips, des mots, qui soulignent et appuient l’univers éclectique de Jain avec un côté tribal et un style enfantin.

Car elle revendique sa jeunesse et ne rougit pas d’en faire partie du haut de ses 24 ans. Cela se ressent sur scène, elle assume sa musique et ses textes. Assume les changements d’ambiance et d’état, passant du djing fracassant à des instants plus calfeutrés comme lorsqu’elle prend sa guitare pour un moment privilégié et intimiste.

C’est là qu’elle révèle la pureté de sa voix légèrement éraillée et confiante.

Elle se montre aussi talentueuse dans le feutré que dans les beat animistes et nous hypnotise sans mal maniant parfaitement la dynamique de son concert très homogène niveau ambiance et chaleur et en même temps très mouvante dans les dimensions qu’elle fait prendre à ses chansons, capable de nous conter une balade presque folk aussi bien que de nous proposer un trek dans la jungle.

C’est certain, elle est une figure émergente de la nouvelle scène électro et s’impose comme une force douce. Elle invente son style qu’elle compose de ses influences internationales, principalement situées autour du continent africain, de sa voix soul et jazz et de là créé une ébullition des genres musicaux.

La voir à l’œuvre est fascinant. Pleine d’aisance, de naturel et de simplicité, elle souffle sur le cabaret botanique un vent de fraicheur et d’enthousiasme simple. Elle sollicite sans cesse son public qui répond avec une franche envie de participer.

Jain maitrise son show. Son organe vocal, comme sa machine et son clavier. Elle démontre ici qu’elle fait ce qu’elle veut, où elle veut, embarquant les spectatrices et spectateurs dans son monde généreux et stimulant.

Le jeu des lumières nous maintient dans cette atmosphère hors de l’espace et du temps, brisant les frontières entre les gens, les continents et les codes de l’électro. Entre les succès de son album Zanaka et les nouvelles chansons qu’elle teste directement sur son public, Jain se livre sans filtres et avec intelligence non pas à une démonstration ou à une performance mais à un instant de partage délicieux entre elle, sa musique et nous. Ça fonctionne, les barrières tombent, l’émotion circule et avec elle, les bonnes énergies libératrices et salvatrices.

En 2015, Béatrice Martin alias Cœur de Pirate dévoilait son nouvel album, Roses, et c’est avec ce dernier, composé principalement de chansons en anglais, qu’elle est revenue, le 20 avril dernier, sur la scène du festival Mythos pour la 3^e fois.

Pour ce nouvel opus, la chanteuse québécoise tire un trait sur son côté vengeresse et conte l’Amour, son thème de prédilection, avec plus de positivisme et de recul. Une distance qui s’opère grâce à une écriture désormais plus internationale, dans la langue de Shakespeare.

Elle entre dans une ère plus pop, qui se détache de la poésie enfantine qu’elle avait l’habitude de proposer, devenue sa marque de fabrique, et qui lui permet de prendre de la hauteur.

Une élévation qui s’accompagne d’une gestuelle chorégraphiée orientée danse contemporaine. Mais qui tourne vite à la répétition. Comme si elle ne savait pas comment placer son corps lorsqu’elle s’extirpe de devant son piano.

Alors qu’en 2013 elle proposait, sous le Magic Mirror également à l’occasion d’une édition de Mythos, un piano/voix très sobre pour présenter son album Blonde, elle revoit ici sa copie et dévoile une nouvelle formule live qui fonctionne mieux.

Entourée de 4 musiciens à la guitare, à la basse, à la batterie et au synthé - dont les arrangements ont été réalisés par le trio Bjorn Yttling (Lykke Li, Franz Ferdinand, The Hives), Ash Workman (Metronomy) et Robin Ellis (PJ Harvey) - l’ensemble sonne dorénavant plus pop rock et plus aérien.

Et le live donne de l’amplitude et de la volupté à sa musique. Elle n’en oublie pas les classiques comme « Golden baby », « Pour un infidèle », « Adieu » ou encore « Comme des enfants », dont le refrain est repris en chœur par le public lors du rappel.

La nouvelle esthétique, faite de sobriété et de projections d’ombres, silhouettes et formes sur le fond de la scène, leur donne une nouvelle dimension. Les rythmes sont plus rapides, l’énergie est boostée, la batterie plus puissante.

Cœur de Pirate explore une nouvelle facette de sa personnalité. Peut-être plus sombre, sans toutefois s’attarder à nous dévoiler tous les recoins tarabiscotés de son âme. Peut-être plus mystique, aussi, sans pourtant oser le lâcher prise libérateur et libertaire.

On ressent encore de la timidité, qui s’entend particulièrement dans sa voix après la soirée de la veille réunissant sous le chapiteau d’abord Mansfield.TYA puis Jeanne Added, dont les organes vocaux sont majestueux, magnifiés, bruts. On la sent encore coincée, Béatrice Martin, dans une pudeur et des complexes dont elle commence tout juste à se délivrer.

Le contraste avec les chansons écrites en français sur des mélodies plus naïves et des textes plus (trop) jeunes dans la réflexion aux relations amoureuses est grand.

Le pont entre les dynamiques électro-pop et les poésies candides noie l’émotion dans une confusion face à cette évolution peut-être mal construite dans le set. On est secoués entre le passé et le présent dans des fractures maladroites qui finissent par nous lasser.

L’instant partagé n’est pas désagréable mais manque de saveurs inoubliables. Elle commence par nous happer et nous séduire de par sa nouvelle fraicheur annonçant une noirceur intérieure plus authentique, apaisée et conscientisée.

Puis nous suspend au dessus d’un précipice de doutes et de fragilité plus très assumée. Elle nous frustre de ce désir de la voir exploser, de la voir se frotter aux épines qu’elle revendique dans les roses noires qui figurent sur la pochette de son album. Ça manque de piquant.

Avec Mansfield.TYA, on prenait une claque, dans le Magic Mirror, installé dans le parc du Thabor à Rennes à l’occasion du festival Mythos, mardi 19 avril. Puis est venu le tour de Jeanne Added de monter sur scène. Sans broncher, on a apprécié de prendre une deuxième claque.

L’esprit du duo nantais règne encore sous le chapiteau à 22h30. Il est emprunt de rage, de force et de liberté. Jeanne Added n’a qu’à souffler sur les braises pour faire jaillir les flammes de la foule qui s’entasse et l’acclame dès que les lumières s’éteignent. Elle est une révélation des Trans Musicales 2014, où elle s’était produite à L’Aire Libre – à St-Jacques-de-la-Lande – et ne va pas démériter son titre ce soir-là, au Thabor.

D’entrée de jeu, l’artiste rémoise entame « Be sensational », également titre de son album. De par sa voix, elle impose la fascination. De par l’ensemble instrumental, composé d’une batterie, de percussions, d’un clavier et d’une basse, elle fabrique un climat sombre et inquiétant. Le tout résonne profondément dans tout l’espace du lieu.

Ses chansons sont puissantes, mélodiques, et dégagent un sentiment de plénitude. Lorsque sa musique atteint notre corps, elle nous pénètre, nous imprègne et on y succombe rapidement. Sans présenter aucune résistance. L’album de Jeanne Added et sa prestation scénique sont hypnotiques, planants et électrisants. Quasi mystique.

La noirceur des textes sonne comme une évidence à l’écoute du disque. En live, les morceaux prennent une autre dimension. La puissance de la pop électro est magnifiée, la voix, toujours aussi maitrisée, est amplifiée, l’émotion est décuplée. Les vibrations de la batterie et les sonorités organiques du clavier viennent augmenter les sensations de frisson que Jeanne Added procure à travers sa puissance et son empreinte vocale mais aussi son énergie incroyable qu’elle délivre sans concession.

L’explosion est immédiate. Ça boue et ça éclabousse tous les recoins du Magic Mirror. La chanteuse, également auteure-compositeure, maintient son public dans une envie de la suivre, de l’accompagner dans son univers qu’elle a bâti durant de nombreuses années et qu’elle a su inventer pour trouver son chemin et sa place. Une envie de sortir tout ce que l’on a à l’intérieur. Assortie d’une furieuse nécessité de délivrer cette urgence de nos viscères.

Parce que chez elle, ça sort des entrailles. Noirceur et douceur s’entremêlent et s’enlacent dans un savant mélange à vous émouvoir aux larmes.

À l’instar du titre « Look at them » durant laquelle la voix vous hypnotise pour mieux vous percuter de manière incisive et frontale. Brutale. Tout comme sa chanson « A war is coming ».

On passe alors d’une impression de flotter dans les airs sans avoir jamais envie de remettre un pied à terre à une sensation de danger imminent.

Ça déraille, sa voix s’éraille, l’énervement surgit comme un cri d’alarme, un cri des tripes, un cri impulsif. Mais peu importe la chanson qu’elle interprète, elle crée avec talent et maitrise des fractures dans les ambiances, les rythmiques et les émotions.

On passe d’une décharge d’électro acidulé à une explosion post punk qui asperge tout sur son passage. On convulse, on transpire et on sue. Pourtant rien y fait, la musique de Jeanne Added s’incruste dans la peau jusqu’à atteindre le cœur de notre âme et de notre esprit. Elle lâche les chiens et transforme la scène du Cabaret botanique en scène de fin du monde. Tout est en mutation, le son, la voix, les lumières. Jusqu’à ne plus résister du tout afin d’être élevé-e-s par la pureté de « Suddenly » chantée en chœur avec ses musiciennes.

On finit comme on a commencé. En complet lâcher prise, guidé-e-s par l’énergie bouillonnante de la chanteuse et de son groupe. Bercé-e-s par un sentiment de plénitude.

Jeanne Added : La rencontre et le chemin vers soi

YEGG : Les médias parlent de renaissance artistique, de musique de la réinvention. La bio sur votre site indique le parcours d’une émancipation artistique. Est-ce que vous êtes d’accord avec ces définitions ?

Jeanne Added : Pas tout à fait. Je dirais que c’est un chemin vers soi. Ça prend du temps, ça demande de la confiance pour aller à sa propre rencontre. Mais je ne parlerais pas de renaissance ou d’émancipation. Plutôt de chemin qui dure toute la vie, qui se précise au fil du temps.

YEGG : Vous avez étudié au Conservatoire de Paris puis à la Royal Academy de Londres. Vous avez toujours eu cette envie de musique ?

J.A. : Oui, c’est quelque chose de mouvant. J’ai eu accès à la musique dès 5-6 ans. J’ai une chance immense. J’ai appris à lire quasiment en même temps que la musique. Après, ça vient doucement. Quand on est enfant ou ado, le conservatoire c’est un peu « rien à foutre ». Puis le désir est né. J’ai eu la chance d’avoir des parents intelligents qui m’ont laissée partir à Paris après le bac et m’ont laissée faire pour voir où ça allait. C’est un désir un peu fou à suivre quand il arrive. J’ai une grande chance, j’y suis allée et après 2 ans à Paris, j’étais conquise, je ne me posais plus la question.

YEGG : Aux Trans 2014, vous dites « lever le voile sur une personnalité trop corsetée dans des univers trop polis ». Puis affichez la volonté d’arrêter de chanter les chansons des autres, de chanter autrement. Pas poliment. Y a souvent la notion de politesse…

J.A. : C’est pas poli dans le sens de politesse vraiment. C’est qu’au fur et à mesure, je change. C’est normal, on bouge tous. À un moment donc je ne correspondais plus à ce que je faisais (jazz et reprises, ndlr).

YEGG : Vous exprimez également l’envie et le besoin de prendre la parole. On peut parler de la musique comme moyen d’expression, vous, vous insistez sur la prise de parole. Pourquoi ?

J.A. : Ce n’est pas la prise de parole en soi, dans le sens ce n’est pas dans ce que j’ai à raconter que ça a une importance. Mais c’est un circuit très court, de moi à moi. J’avais ce besoin d’ouverture et l’écriture me permettait ça. J’ai écrit ce que j’avais à l’intérieur. J’avais besoin de cette énergie.

YEGG : Le fait d’être une femme a-t-il été un frein ?

J.A. : On a tous des histoires différentes mais personnellement je dois dire que je n’ai pas eu de difficulté par rapport au fait d’être femme. Ou alors c’est si bien intégré et ancré en moi que je n’y ai pas fait attention… Mais je ne suis pas naïve, je vois bien le système patriarcal, je ne me fais pas d’illusions. Moi, je dois dire que je n’ai pas souffert de ça ou alors je ne m’en rends même pas compte.

YEGG : Jamais lors de votre parcours ou d’une interview par exemple vous avez senti une différence de traitement parce que vous êtes femme ? Certaines artistes ont parfois la question de « l’écriture féminine », pas vous ?

J.A. : Je n’ai pas de réponse à ça. Je ne sais pas ce que veut dire féminin ou masculin et encore moins l’écriture féminine. Après, je sais qu’au niveau technique musicale, on demande plus aux femmes qu’aux hommes. Ça c’est certain.

YEGG : Votre album Be sensational est composé d’électro dark et d’espoir. Quel message souhaitez-vous faire passer ? Le titre est très parlant…

J.A. : Ce n’est pas le même sens pour le titre de l’album et le titre de la chanson. Le graphiste a posé ce titre sur la pochette pour essayer. J’ai trouvé que c’était le bon titre. Il me correspond. Pas parce que je suis merveilleuse. La question, c’est celle de comment s’autoriser à aller plus loin, la question de l’exigence envers soi. Dans ce monde en particulier. Je sens que l’on est dans une ère où on nous demande de nous en foutre, on nous endort beaucoup. Dans un monde tel qu’on l’a détruit…

YEGG : C’est un peu « la guerre approche » ?

J.A. : Elle est déjà là dans plusieurs pays ! Mais dans ma chanson, je parle d’autres guerres. Les guerres intérieures car je pense qu’il ne faut plus faire l’économie de ça. Ça peut paraître tristoune dit comme ça sur l’album mais c’est l’inverse. Je pense que c’est par la responsabilité dans la façon de vivre, de consommer, que l’on découvre beaucoup de joie, de liens de l’humain. Ça donne de la valeur aux choses. C’est de rester assis dans son coin qui est source de tristesse.

YEGG : Après un long parcours, un long cheminement pour trouver le courage d’être soi, de trouver sa place et de prendre la parole, le succès est arrivé et la critique vous encense. Comment le vivez-vous ?

J.A. : Ça ne change pas ma vie au quotidien. Ça change des petites choses sympas, ça me donne des moyens pour bien bosser et continuer mon chemin. Je me dis que les choses fonctionnent peut-être quand on s’aligne à soi. On est fait de plein de strates. Je suis très musicale dans ma façon de penser mais quand on est aligné, ça résonne plus.

YEGG : Pour terminer, un petit mot sur Rennes. Une ville sentimentale pour vous j’imagine…

J.A. : Oui, c’est très fort. J’ai pas arrêté d’en parler lundi soir. J’ai gavé Jean-Louis Brossard en le remerciant. C’est incroyable ce qui s’est passé ici pour moi. Donc c’est vrai que c’est très important.

Des contrastes francs, un sentiment d’ulcération, une musique électro baroque… Mardi 19 avril, à l’occasion du festival Mythos, les artistes nantaises de Mansfield.TYA ont dévoilé un concert poignant et viscéral, dans le parc du Thabor, à Rennes.

Duo basé sur la voix et le violon, Mansfield.TYA conte la rage au ventre les humeurs profondes et les tourments de l’existence. Avec franchise et poésie. A cappella, toutes les deux, elles chantent : « Seulement voilà je me fais chier / La vie est triste sans bourreaux / (…) Dans le monde du silence, je m’emmerde. » Et nous, on est ravi-e-s qu’elles brisent le silence et qu’elles l’ouvrent.

Dès la première chanson, introduite par une partie instrumentale qui unit le violon à une puissante électro anxiogène, les deux artistes donnent le ton. Ce qui se traduit par une grosse claque dans la gueule.

Les notes aigues de l’instrument à cordes, joué par Carla Pallone, mêlées à la voix singulière de Julia Lanoë, parfois amplifiée, et juxtaposées aux boucles musicales, traduisent un sentiment d’urgence, d’ulcération. Un besoin de sublimer l’indicible, d’exprimer l’ineffable et de le transposer dans un langage qui leur est propre.

Le grain de folie qui les nourrit a poussé en une dizaine d’années et continue d’être cultivé. Par une forme de désillusions, de désespoir, de mélancolie, de blessures. Mais aussi de joie, de désir de fuir, de craintes, de constats, d’espoir, etc. Et tout cela a été cristallisé sur des disques et notamment leur dernier album, Corpo inferno.

Sur scène, elles voguent entre les émotions brutes, les balades hypnotiques et les atmosphères apocalyptiques, passant des unes aux autres de manière totalement assumée, un brin facétieuse et jouissive, sans toutefois malmener le public qui se laisse bringuebaler les yeux fermés, démontrant une complète confiance en le talent des deux musiciennes emprises de liberté et poussées par une fraicheur rock à couper le souffle.

Adeptes des musiques minimalistes, elles ouvrent leur art à ce qui existe de plus noir, de plus beau comme de plus fragile. L’être humain dans toutes ses complexités, ses paradoxes et ses failles, le rapport à l’autre, à l’espace et au temps.

Et au-delà de l’écriture onirique et franche d’écorchée vive de Julia Lanoë mise en perspective et valorisée par les compositions musicales et les arrangements live, elles laissent transparaitre entre elles des regards profonds qui dénotent une complicité véritablement émouvante et puissante. Et imposent une présence scénique magnifique.

De cette synergie jaillit une déferlante d’énergie rebelle et transcendante. On pourrait craindre un arrière-goût de morosité et de dégoût d’un quotidien trop fade. Mais non, c’est tout le contraire. Mansfield.TYA dégaine sa musique acide, sans nuance et sans fausseté. Dans la retenue, néanmoins.

Ça donne envie de se lâcher, de se libérer, d’exploser. De se saisir de l’esprit clubbing instauré par la chanson « Jamais jamais », suivie de l’impétueuse et insaisissable « Bleu lagon », pour retourner à l’état sauvage avant l’apothéose du final qui monte en crescendo vers un univers post apocalyptique sur « La nuit tombe ».

Elles livrent bataille avec férocité, envie et plaisir, et partage avec le public leur victoire. Celle de sublimer l’horreur sans jamais transmettre une fausse émotion. Tout est dans les tripes et la poésie. La pureté.

Mansfield.TYA : « Les femmes sont sous-représentées »

YEGG : Être femme dans le secteur de la musique est difficile. Est-ce que vous avez déjà pâtit d’être un duo de femme ?

Julia Lanoë : On pâtit d’être qualifiées de duo féminin alors qu’on ne le préciserait pas pour des hommes.

Carla Pallone : C’est tellement rare qu’il faut le préciser…

J.L. : C’est très important que les petites jeunes se décident à arriver dans le secteur et osent. Car les femmes ont leur place. Faut les aider, les encourager.

C.P. : Pour notre premier concert, on nous a proposé un concert non mixte. Je ne suis pas à l’aise avec ça.

J.L. : La non mixité, ça fait un peu ghetto. Après, on comprend par exemple le festival Les femmes s’en mêlent. Les femmes sont sous-représentées. Si on prend les festivals de l’été et que l’on gomme les hommes, ils restent quoi ? Même pas 4 groupes… C’est vrai !

C.P. : Y en a marre des groupes de mecs qu’avec des mecs. Mais je n’ai pas envie de tomber dans des trucs très radicaux. On adore Les femmes s’en mêlent et en fait ce qu’il y a c’est que c’est triste que ce soit nécessaire encore aujourd’hui. C’est vrai que la création féminine n’est pas bien représentée. C’est très long de faire changer les mentalités. Par exemple, les femmes ne sont jamais productrices. Les hommes sont les super producteurs. Nous, on fait notre album toutes les deux, on dira jamais de nous qu’on est productrices. Un autre exemple : on a fait un album remix en faisant attention à mettre aussi bien des hommes que des femmes. Résultat : seuls les hommes sont cités, on ne nous parle que d’eux, aucune femme... (Elle s’adresse à Julia) Tu te souviens de l’Italie ? (Elle se tourne vers nous) On faisait une tournée en Italie. Julia parle bien anglais, moi italien. On était avec des potes qui eux ne parlaient que français. Et bien pour la technique, ils allaient voir nos potes. Ils ne nous parlaient pas !

YEGG : Est-ce que c’est un sujet qui vous inspire pour vos chansons ?

J.L. : Faut exister, faut qu’on existe. Mais on a envie de parler d’autres choses que de ça dans nos chansons.

YEGG : Entre deux albums, vous dites prendre le temps. Prendre le temps de vivre, de faire de la musique avec d’autres projets, de ne pas vivre au rythme de l’industrie musicale. Vous tenez à votre indépendance, vous êtes d’ailleurs dans un label indépendant, Vicious cercle. C’est encore possible aujourd’hui de prendre le temps et de ne pas correspondre au rythme de l’industrie de la musique ?

J.L. : C’est une autre forme de combat de prendre le temps. Pour le bien-être, c’est essentiel.

C.P. : Je dirais que c’est là une question d’honnêteté.

J.L. : On ne court pas derrière la célébrité ou l’argent. Y a plein d’autres choses dans la vie.

C.P. : On se donne le luxe du temps.

YEGG : Pour aborder votre nouvel album, Corpo Inferno, la pochette montre le visage de la déesse Hygie. L’album précédent, Nyx, faisait référence à la déesse de la nuit. Pourquoi cet attachement à des figures mystiques ?

J.L. : Parce que Dieu est une femme. Et en même temps, à mort Dieu. (Rires) Et vous avez vu, la femme est encore déesse du ménage et déesse de la nuit. La nuit, c’est moins bien vu que le jour. Faudrait regarder les fonctions des dieux et les fonctions des déesses. Nous on a encore une fois les fonctions nulles. Le ménage !

C.P. : C’est pas le ménage, c’est l’hygiène ! (Rires) Ça montre une certaine intemporalité dans nos albums et nos visuels en réalité.

YEGG : Concernant cet album, vous dites assumer de passer d’une chanson plus calme à une chanson plus violente, sans forcément fil conducteur. Pourquoi ce choix ?

C.P. : Pourquoi faudrait toujours se priver et se restreindre ? On est libres !

J.L. : On a fait ce qu’on aimait en fait.

YEGG : Qu’est-ce qui a évolué dans votre manière de travailler depuis le début de votre formation ?

J.L. : Les méthodes d’enregistrement ont changé. On peut maintenant tout faire soi-même. On a aimé pouvoir composer et enregistrer en même temps. C’est agréable, c’est un luxe.

C.P. : On a notre studio, c’est pratique. Je nage mieux maintenant, c’est ça qui a évolué. (Rires)

YEGG : C’est votre fameuse manière de fonctionner : travail matin et soir et entre-temps, vous nagez…

J.L. : Oui, c’est ça. Ça nettoie l’esprit de nager. Quand on a trop le nez dans le guidon, c’est pas bon pour la création.

C.P. : Ça nous épargne de certaines nervosités.

YEGG : Comment définiriez-vous votre formation ?

J.L. : Un duo basé sur le violon et la voix. On a mis du temps à s’en rendre compte mais c’est vraiment ça.

Elle a été la choriste de Mary J. Blige, d’Andrea Bocelli ou encore de Damon Albarn. C’est ce dernier, le chanteur de Blur et Gorillaz, qui va l’encourager à poursuivre sa route en solo. Après 4 EPs saisonniers, elle réunit ses compositions sur son album You & I, et après avoir passé le week-end au Printemps de Bourges, la musicienne londonienne s’est installée sous le chapiteau du Cabaret botanique, lundi 18 avril, le temps d’un concert à l’occasion du festival Mythos.

C’est une ode à la douceur, une balade entre les époques, que propose Ala.ni. Une berceuse d’hier à la sauce d’aujourd’hui. Ou l’inverse. Sans ringardise ni fioriture ou artifice. Au contraire, sa musique est épurée. Pour un rapport intimiste à son instrument privilégié, la voix. Un guitariste et une harpiste l’accompagnent, alternant trio et duo, en toute simplicité.

Avec « Cherry Blossom » et « Ol’ fashioned kiss », elle donne tout de suite le ton de son univers si singulier et inattendu. Sa voix, limpide et soprano, sonne jazz et blues. Elle qui admire Billie Holiday et vénère son défunt grand-oncle chanteur de cabaret dans l’entre-deux-guerres, s’inscrit aujourd’hui dans la lignée des figures jazz des années 40. Et va même jusqu’à cacher de moitié son visage derrière un micro allemand des années 30, dont elle ne se sépare jamais en tournée.

Mélodieuses et rétro, les berceuses que nous conte Ala.ni oscillent entre légèreté,  douceur et puissance. La londonienne, dont les parents sont originaires de Grenade, petite île des Caraïbes, sourit, virevolte, exécute quelques pas de valse, rit beaucoup et adopte tantôt une attitude d’enfant survolté, tantôt une gestuelle théâtrale style Broadway un peu timide. Au départ seulement. Ses bras prennent rapidement leur envol, et les arabesques fantasques se dessinent dans l’air des mouvements effectués.

Et quand elle prend une posture de pin-up, debout, appuyée sur son haut tabouret, une jambe pliée, le talon vers le ciel, ce n’est pas un flash back qui se présente à nous, ni une réincarnation de Marylin. C’est elle. Ala.ni. Chemise blanche et auréoles sous les bras (« Ce n’est pas attirant du tout mais au moins vous savez que je bosse dur », plaisante-t-elle), jean troué, chaussettes roses montantes et baskets. Pas d’apparat de diva. Juste une femme généreuse et authentique qui chante l’Amour.

Elle impose le silence dès lors qu’elle délivre les premières notes des chansons. Seul un léger filet de voix transperce ce silence apaisant. Elle ne suspend pas le temps, elle le rend supportable, gai et mémorable. Même quand elle entame la partie plus sombre et néfaste du sentiment amoureux et du romantisme mutilant.

Viennent alors les sublimes « Roses and wine », « Darkness at Noon » ou encore « Suddenly », des chansons qui se rapprochent dans leur intro et leur substance dramatique du célèbre titre de Nancy Sinatra, « Bang bang – My baby shot me down ». Et de par les complaintes vocales dont elle démontre la puissance, Ala.ni invente une manière de pleurer en chantant et crée une langue bien à elle, saisie de cet univers rétro qui tend pourtant vers une véritable modernité.

Et même quand le soufflet retombe, quand l’ennui désire s’installer, elle relance la sauce, redonne du rythme. Elle s’illustre alors dans un registre différent, nettement plus rock, avec une reprise de Richi Havens. « Freedom » insuffle un sentiment particulier qui tourbillonne sous le chapiteau. « Je prends de sa liberté pour la mettre en moi et pour vous en donner un peu », explique-t-elle. Et ça marche. On apprécie le retour à son propre style, scintillant et élégant, fragile et fortifiant.

Rien de surprenant à ce qu’elle clôture cet instant délicieux par une chanson des années 30 en français, « Parlez-moi d’amour » de Lucienne Boyer, reprise en chœur par le public qui apprécie l’effort, paroles devant les yeux, sur un pupitre placé devant l’artiste rétro-moderne aux berceuses envoutantes.

Qui sont les misanthropes d’aujourd’hui ? Ces individus qui, selon la définition, détestent et méprisent le genre humain, Nicolas Bonneau nous les raconte avec son écriture et sa singularité, entouré de deux musiciennes, Fannytastic et Juliette Divry, et en compagnie du plus fascinant des misanthropes que la langue de Molière ait connu. Et c’est au théâtre de l’Aire Libre, à St-Jacques-de-la-Lande que l’artiste a dévoilé sa nouvelle création, Looking for Alceste, les 2 et 3 mars.  

De son enfance durant laquelle il jouait avec un copain dans une cabane à sa fête d’anniversaire pour ses 41 ans, en passant par sa rencontre avec Molière à l’atelier théâtre du lycée, par la chute du mur de Berlin et la ZAD de Notre-Dame-des-Landes, Nicolas Bonneau tricote un spectacle puissant, aussi personnel qu’universel. Le conteur, comédien et auteur nous livre, à travers ses yeux d’enfant, d’adolescent et d’adulte quadra, un sujet qui traverse le temps et les sociétés.

Looking for Alceste, sa nouvelle création, est adaptée de l’œuvre de Molière Le Misanthrope ou l’Atrabilaire amoureux. Ça pourrait être chiant de replonger dans les classiques. Ça ne l’est pas. Car Nicolas Bonneau transpose la problématique posée par le dramaturge, dénonçant l’hypocrisie des hommes et femmes de la Cour, à notre époque actuelle, cherchant à comprendre qui sont les misanthropes modernes. Correspondent-ils encore à la définition philosophique qui en a été faite ?

Il semblerait que oui. La misanthropie survenant à la suite de désillusions profondes, et souvent violentes, de l’être humain, cet art n’est sans crainte pas en voie d’extinction. Le conteur ne se réfère pas à Platon et Socrate mais préfère moderniser la comparaison à l’amitié telle qu’elle est portée par les films de Claude Sautet, cinéaste des années 70.

« Je me méfie des petites lâchetés, des mesquineries, des manquements, des moqueries… », déclare-t-il, incarnant un personnage souvent blessé et trahi par ses ami-e-s. Mais je ne suis pas un ami irréprochable non plus. Pour mes 40 ans, j’ai décidé de prendre de la hauteur. »

À LA RECHERCHE DES ALCESTE

De là nait le misanthrope, au départ bercé d’illusions et d’espoirs en une Humanité qu’il voudrait voir blanche, la noirceur apparente le portant à la haine envers le genre humain. Bonneau, dans Looking for Alceste, ne va alors ni copier le personnage de Molière ni singer Luchini qui l’incarne et le modernise dans Alceste à bicyclette. Il part à la rencontre des personnes marginales, isolées de la société.

Tout comme dans Ali 74, le Combat du siècle, le comédien-auteur-conteur révèle sa force dans une écriture singulière, composée de tableaux et très proche du documentaire. L’artiste nous propose un sujet qui le touche et le fascine et nous embarque avec lui, nous guidant face aux divers personnages qu’il présente, que ce soit l’ancien reclus chez lui entre ses cartes, ses bouquins de philo et ses carnets intimes, l’ermite solaire et solitaire en symbiose avec la nature ou encore l’activiste investie dans la vie de la ZAD (zone à défendre) de Notre-Dame-des-Landes contre le projet d’aéroport.

Sans jugement ni leçon de morale, il raconte leurs modes de vie, leurs états d’esprit et des bribes de leurs parcours. Loin de l’image de l’être monstrueux qu’a pu attribuer la philosophie à la misanthropie, Nicolas Bonneau apporte un discours nuancé de gris dans cette vision manichéenne de la société et de l’humanité. Et on ne peut résister à dire que son spectacle est grisant.

LES FAIRE RÉSONNER

Et le créateur de Looking for Alceste ne se contente pas de nous restituer le contenu des entretiens réalisés lors de son enquête. Avec une pointe d’humour, il les met en scène, les incarne, les poétise, les met en parallèle des mots de Molière, ceux-là même qui « ont résonné en moi », qui ont rejoint « les mots que j’écrivais dans mon journal intime ».

Il crie alors son envie de liberté, d’être soi-même, d’oser être libre, en passant par le divan de la psychanalyse tout comme en s’asseyant dans un pré au cœur d’une société éphémère créée entre misanthropes qui bougent pour un monde supposé meilleur plutôt que de broyer du noir sans agir.  

Pour soutenir cette structure ambitieuse et insolite, Nicolas Bonneau s’entoure de deux musiciennes : Fannytastic, au piano et au chant, et Juliette Divry, au violoncelle. Et c’est là que la création tend à s’envoler vers le grandiose. Si la presse insinuait que le conteur passait dans la cour des grands avec Ali 74, il prouve ici que son talent ne s’arrête pas à une seule pièce et se déplace dans des formes qu’il ne cesse d’inventer.

PRÉSENCES IMPOSANTES

Les deux artistes imprègnent la scène de leur présence particulière, quasi divine, emprunte d’une aura aussi envoutante qu’intrigante et angoissante. Comme une mauvaise augure. Mais aussi comme une bouffée d’air frais, une respiration chaude. Signes de la tension dramatique, elles instaurent un climat baroque sur cette nouvelle œuvre de par le talent de la violoncelliste dont les notes graves flirtent avec la voix puissante et inattendue de la chanteuse.

Fannytastic dévoile son organe vocal que l’on pourrait comparer à celui de l’auteur-compositeur-chanteur américain Tom Waits et manie aussi bien les graves que les aigues à la manière d’une poupée désarticulée et automate. Et son souffle est comme le vent qui s’engouffre doucement dans les branches des arbres peuplant une forêt mystique et mystérieuse dans laquelle règne le calme et la solitude. L’accompagnement musical des cordes frottées ou pincées par Juliette Divry renforce cette atmosphère et fait résonner le texte de Nicolas Bonneau, écrit en collaboration avec Cécile Arthus et Camille Behr, comme une exergue.

Les artistes féminines travaillent de concert avec le conteur, formant ainsi un trio indissociable et indispensable à la beauté et force de la pièce. Chaque personnage est pourvoyeur d’une dose de misanthropie, plus ou moins exacerbée. L’œuvre est éclatante de vérités et Nicolas Bonneau le souligne au commencement de sa création : « Je dis toujours la vérité mais je ne dis pas toute la vérité. »

Nicolas Bonneau et Fannytastic présenteront une version acoustique de Ali 74, le Combat du siècle, le 22 avril (Ali acoustique : spectacle d’ores et déjà complet) à l’occasion du festival Mythos, qui se déroulera du 15 au 24 avril 2016.

Dans le cadre des Divas du monde, l’Opéra de Rennes accueillait mardi 23 février la chanteuse et oudiste syrienne Waed Bouhassoun. En toute simplicité, l’artiste a livré émotions personnelles fortes alliées à la poésie de grands auteurs arabes d’antan.

La Syrie a marqué de son empreinte la musique arabe, notamment grâce à sa tradition de poésie écrite et orale. Waed Bouhassoun s’en saisit pour son deuxième disque et premier projet solo. La configuration du seule en scène, avec son oud ou a cappella, assise devant son micro, instaure une relation intimiste.

Du oud, elle en joue depuis ses 7 ans. Initiée à cet instrument par son père, elle commence les concerts en Syrie dès l’âge de 10 ans. « Quand je fais des concerts, c’est pour chanter pour le plaisir. Et pour le partage de moments de plaisir entre nous tous. Mais j’ai toujours 2 personnes à l’esprit. Mon père déjà. Malgré la situation difficile en Syrie, il me demande toujours comment va l’oud. Et je lui réponds que ça va, je travaille avec lui. Mon père, c’est celui qui me donne le courage de continuer. », raconte-t-elle à la fin du spectacle, en français.

Si la jeune syrienne maitrise la langue française, c’est qu’elle connaît bien le pays,  la capitale bretonne notamment qu’elle a découvert pour répéter une pièce de théâtre, puis Paris là où elle a poursuivi ses études en ethnomusicologie. Au sein de l’Opéra de Rennes, c’est à sa terre natale qu’elle songe et à qui elle dédie ses chansons, composées autour de textes de grands poètes, dont Adonis, un des plus célèbres auteurs de son pays.

MAITRISE DE SES INSTRUMENTS

Avec le oud, elle joue sur les rythmes et les ambiances. Douce et sereine dans sa première intro, elle va ensuite accélérer le tempo pour faire ressurgir l’urgence ressentie et développer la tension dramatique. Et de sa voix grave et chaude, elle maitrise les moindres recoins. Variant l’intensité de son organe vocal avec beaucoup de simplicité et d’authenticité.

Waed Bouhassoun manie sans artifice les modulations du chant arabe, ce qui lui vaut d’être assimilée à des grands noms de la chanson arabe des années 30, comme l’artiste égyptienne Oum Kalthoum. Et de sa musique, la chanteuse syrienne dégage émotions vives et blessures profondes. Parmi lesquelles s’entremêlent nostalgie, douleurs, souffrances, pureté et profondeurs de l’âme.

PARTITION SENSIBLE

Elle chante la passion, extraite d’un poème de l’andalou Ibn Arabi (XIIe – XIIIe siècles), met en musique l’esprit mystique du persan Djalâl ad-Dîn Rûmî (XIIIe siècle) et incarne la poésie libératrice de l’andalouse Wallada Bint al-Mustakfi (Xe et XIe siècles). Et s’inspire également du poète bédouin Qays Ibn al-Mulawwah dit « le fou de Layla » (VIIe siècle) pour déclamer son amour à Damas, ville qu’elle chérit pour y avoir vécu sa jeunesse.

L’atmosphère intimiste de ce concert renforce la transmission des émotions. Le public, attentif, est suspendu aux lèvres de la musicienne. L’instant est intense, la concentration est de mise. Et le tout se décuple lorsque l’artiste se détache de son oud. Les silences, les respirations et les souffles haletants qui surviennent à la fin d’une phrase, deviennent des éléments musicaux à part entière de la partition a cappella, les corps se crispent, tendus par les expressions faciales de la chanteuse et se délassent.

VOYAGE SENSORIEL

Elle marque solennellement des temps de pause entre les chansons. Mais ne parle pas. L’échange briserait l’instant cristallin qui semble ne tenir qu’à un fil. La tension est palpable, fragile. Waed Bouhassoun nous happe et nous enveloppe dans un cocon chaleureux dans lequel on ressent tous les frémissements d’un voyage mouvementé. Si la frustration de ne comprendre les paroles nait au début du concert, elle en fait son alliée pour nous guider de ses émotions pures. Comme une découverte sensorielle, les yeux bandés.

On s’imprègne alors d’ambiances, de sensations et de sons. On s’enivre de la musicalité d’une langue syrienne ancienne, modernisée par la jeunesse de son interprète. Les vibrations des cordes résonnent dans tout le corps et la voix qui joue d’intensités diverses provoque une bulle qui vient nous entourer le crâne et les oreilles.

Lorsque sonne la fin du concert, Waed Bouhassoun salue également, après avoir parlé de son père, un couple rencontré à Rennes. « J’ai ma famille en Syrie et ma famille ici », déclare-t-elle avant d’entamer sa première chanson en français en demandant au public de fredonner le refrain.

La langue française s’associe aux rythmiques arabes, formant deux âmes qui s’entrelacent et virevoltent dans les airs. Les fredonnements montent et s’élèvent pour aller côtoyer les cieux bretons de l’Opéra. La chanteuse et oudiste conclut sur une dernière composition qui braque les pensées vers les terres syriennes à qui elle chante son amour et l’Amour.