Vendredi 18 avril, Christine and the Queens faisait son diva-show, une expérimentation théâtrale et musicale aussi burlesque que travaillée. Dans le Cabaret botanique, le public de Mythos a profité d’un concert original et décalé.

Héloïse Letissier a rapidement été remarquée et suivie par les médias. En 2010, la jeune nantaise partie à Lyon faire ses études de théâtre à l’ENS décide de lancer son projet musical. Elle a alors en tête de bâtir un show à l’américaine avec des musiciens et des danseurs.

Trois EP à son actif depuis 2011 – dont deux auto-produits – elle assure les premières parties de Woodkid, The Do ou encore Lykke Li et marque chacun de ses passages télévisés ou prestations scéniques de sa patte et sa singularité. Ce qui l’a amenée à signer avec le label français indépendant Because, qui devrait rapidement produire son premier album – dont elle nous dévoile lors du concert le titre Saint-Claude – à la suite de son EP, Nuits 17 à 52, sorti en 2013.

Celle qui a débuté seule sur les planches et incarné plusieurs personnalités sur scène peut maintenant se vanter d’emprunter le chemin d’un succès bien au rendez-vous. Dans le Cabaret botanique, en cette fin d’après-midi d’un vendredi ensoleillé, la chanteuse fait son entrée, entourée de ses Queens. Car Christine and the Queens, c’est la rencontre entre Héloïse Letissier et des musiciens travestis, une nuit à Londres.

Pour la jeune femme, c’est là son inspiration, sa source d’énergie et de création, son graal pour un projet abouti. Elle foule alors les planches du Magic Mirror derrière ses deux danseurs vêtus de noir, l’air concentrés et protecteurs. Elle, en pantalon et veste bordeaux, lookée à la Michael Jackson et la mine facétieuse. Des divas viennent d’apparaitre. Ensemble, ils effectuent des mouvements lents et sensuels.

« Bonsoir, nous sommes Christine and the Queens. Christine et les reines, à Rennes. On va bien rigoler ce soir…, lance la jeune femme. Je vois très bien tout le monde. Je vois ceux qui dansent… et ceux qui ne dansent pas. Je vois ceux qui sourient… ceux qui ne sourient pas. » Elle est à l’aise sur scène, à l’aise dans l’échange avec le public.

C’est là son plaisir d’ex-étudiante en théâtre qui alimente toutes ses phrases et tous ses mouvements par un second degré assumé et poussé à l’extrême. Sur des airs de r’n’b old school, elle libère ce qu’elle définit comme de la « freakpop », une musique populaire qu’elle agrémente à sa sauce électro-délurée et sensible dans laquelle elle soigne l’esthétique et le message.

Ainsi, avec les Queens, elle se lâche et effectue des chorégraphies calquées sur celles du King de la pop, elle interprète des chansons à la Whitney Houston et Beyonce – exclusivement dans les mimiques – et surtout elle joue avec les codes et les genres. Le féminin au masculin et inversement.

Ce sur quoi elle a bâti l’identité de Christine and the Queens. Le mélange entre les sexes, la présence des drag-queens, sa façon de se travestir dans ses clips, les diverses facettes qu’elle dévoile dans ses textes et dans sa façon d’être… « Si je ne veux pas être une grande fille, je serais un petit garçon », chante-t-elle. Elle aime flirter avec la poésie de la langue française et la classe de l’anglais pour en faire un objet unique qui résonne dans chaque texte sur lequel elle pose sa voix ronde et profonde. Et les notes qui en sortent semblent simples, légères ou parfois tortueuses et endolories.

Christine and the Queens, c’est une expérience et une expérimentation musicale et scénique qui nous emporte et nous transperce à travers plusieurs émotions. Le public est aussi bien suspendu à ses lèvres lorsqu’elle délivre intimement son titre Nuits à 17 à 52 – « composé dans ma toute petite chambre et que j’ai fini par chanter à la télé (le soir des 29èmes Victoires de la musique, ndlr)… Can you believe it ? » – que entrainé inlassablement par la rythmique de The loving cup, qu’elle chantera également lors du rappel.

Héloïse Letissier incarne le projet qu’elle étoffe et perfectionne de mois en mois et se transforme en personnage féminin/masculin à chaque pas exécuté, à chaque note lâchée et à chaque texte dévoilé. On ne doute pas qu’elle accomplira très bientôt son rêve de véritable show à l’américaine, dissimulé derrière son côté indé bien français.

Jeudi soir, c’est le groupe franco-américain Moriarty qui se produisait sur la scène du Cabaret botanique, installé au Thabor dans le cadre du festival Mythos. Un voyage dans de lointaines contrées remplies de fugitifs.

C’est un road trip musical que nous propose Moriarty en cette 3^e soirée de Mythos. Une virée apaisante et planante guidée par la voix pure de Rosemary Standley, dont les Rennaises et les Rennais se souviennent de son passage lors de l’édition précédente. Les arts de la parole, les membres du groupe les maitrisent.

Folk et blues se mélangent pour nous faire voyager sur les traces des grands noms de ces genres musicaux dont s’inspirent Moriarty. Tout est parti d’une commande passée par la Cité de la musique en 2012, à l’occasion de l’exposition sur Bob Dylan. Le quintet propose alors un concert reprenant non pas les chansons de ce monstre sacré qu’est Robert Zimmerman mais celles de ceux qui ont marqué sa musique et inspiré son imaginaire, qui se trouvent être également leurs influences.

De Woody Guthrie (chanteur et guitariste folk américain) à Hank Williams (compositeur américaine, icône de la musique country) en passant par Blind Willie McTell (chanteur et guitariste blues américain), ce sont les icônes de la première moitié du XXe siècle auxquelles la formation franco-américaine emboite le pas. Sur la route et en tournée, ils continuent de jouer leurs reprises et finissent par enregistrer Fugitives, leur troisième album, sorti au début de l’année, « entre deux concerts, dans des chambres d’hôtel… », précisait la chanteuse dans une interview accordée aux Inrocks, en janvier 2014.

Et pour aiguiser et étoffer cet opus empreint de souvenirs de leurs ancêtres spirituels et musicaux, ils s’entourent de fins connaisseurs comme Wayne Standley, Don Cavalli ou encore Mama Rosin qui apportent leur touche rock et leurs influences transcontinentales.

Fugitives, c’est donc un retour aux sources, un voyage dans le temps et l’espace. Sous le Magic Mirror ce soir-là, les spectateurs sont transportés loin de la capitale bretonne. En quelques minutes, la voix chaude et modulable de Rosemary Standley et les notes folk des différents instruments nous embarquent dans un road trip au cœur du désert américain.

On traverse les zones arides mais aussi les plaines verdoyantes qui s’etendent à perte de vue. On s’arrête dans des bars à première vue miteux dans lesquels s’adonnent des bandes de potes réunis pour taper un bœuf. On reprend les routes escarpées, étriquées et tournicotantes qui semblent n’en plus finir. Tout cela au son des instruments à cordes – guitare électrique, guitare acoustique, basse, violoncelle – des percussions – batterie modifiée, maracas – et de la guimbarde.

En chemin, on croise des fugitifs, des personnages en fuite, des amants assassins, des bandits de grand chemin, des mères abandonnées par des hommes accros au jeu, des cowboys exploités ou encore des femmes adultères… Les fantômes du passé ressurgissent, les incontournables des histoires fantastiques répondent présents, et ensemble, viennent envahir le Thabor. Les esprits vagabondent.

On se surprend à imaginer la rencontre entre Moriarty et Fabrice Murgia, auteur et metteur en scène de Ghost Road qui nous plonge dans un périple aux Etats-Unis le long de la route 66. Quand on revient à la réalité et à l’instant présent, on se laisse tantôt bercer par les chansons plutôt calmes qui appellent à la quiétude et tantôt emporter par les chansons plus rythmées et entrainantes.

La chaleur de la musique monte dans le Cabaret botanique. Allié à la douceur des mélodies, c’est une ambiance enivrante qui se dégage de ce concert. Toutefois, 1h30 suffisent à nous rassasier et si les festivaliers réclament encore quelques prolongations, on éprouve le sentiment d’avoir atteint les limites de cet univers pourtant si riche. Moriarty réussit tout de même le pari de marcher dans les pas de grands pontes du blues et de la folk américains et confirme son talent de narrateur d’histoires nourries d’imaginaire et de passé réinventé.

La fragile brunette découverte dans les années 2000, Jeanne Cherhal, livrait un nouveau spectacle plus rock que les précédents jeudi 17 avril à l’Aire Libre dans le cadre de Mythos. Elle n’a plus rien de la femme « pas solide » de ses premières chansons. Au contraire, solide comme un roc, elle est devenue une pierre angulaire de la chanson française.

Jeanne Cherhal est accompagnée pour ce nouveau spectacle de plusieurs musiciens: un batteur, un guitariste et un bassiste avec lesquels elle a enregistré l’album Histoire de J., sorti le 10 mars dernier. Ils se connaissent bien et cela s’entend. Lorsqu’un imprévu vient perturber la chanteuse, ils savent rebondir sur les notes qu’elle égraine joyeusement.

Elle accueille le public toute de blanc vêtue, assise derrière son piano. La salle est comble et enthousiaste, le succès ne se dément pas. La voix particulière de la chanteuse, fine et mélodieuse, résonne entre les murs de la salle de l’Aire Libre.

Des textes plus engagés

Jeanne Cherhal, plutôt connue pour l’ambiance intimiste de ses textes, a travaillé sur de nouvelles thématiques. La cause des femmes à travers le monde semble l’avoir inspirée. Sa chanson en hommage à Noxolo Nogwaza, lesbienne violée et assassinée en Afrique du sud à cause de son orientation sexuelle, est très émouvante.

Dans la même lignée, elle aborde le thème du viol en criant sa détermination : « Quand c’est non, c’est non! »,  scande-t-elle au refrain. Elle confie à son public : « J’ai écrit cette chanson un jour où j’étais furieuse, mais je ne sais pas si ça s’entend… » Par petites touches d’humour et grâce à une énergie virevoltante elle entraîne les spectateurs dans ses révoltes. Elle garde néanmoins un goût pour les mélodies douces et mélancoliques. Lors du rappel elle interprète le titre qui fit son succès « Je suis liquide ».

Un public conquis

Conquérir le public n’était pas bien difficile à atteindre tant les personnes présentes étaient déjà sous le charme de la chanteuse. La salle de l’Aire Libre était remplie d’admirateurs. La taille humaine de la structure a permis un véritable échange avec le public. La chanteuse s’est donc lâchée, disant aimer particulièrement le public rennais et le festival Mythos. Esquissant des pas de danse qui prenaient parfois des allures de défi acrobatique, n’hésitant pas à converser avec des spectateurs, la chanteuse a livré une performance endiablée et bien rythmée.

Elle s’éclipse un instant, le temps d’enfiler une robe à paillette et de revenir pour un moment « Cabaret ». Seule, avec sa voix et son piano, elle entreprend des mélodies douces et intimistes, plus proches de son univers de prédilection. Sa reprise de « Les nuits d’une demoiselle » version 2.0 a particulièrement enchanté: « Je me fais vibrer le sans-fil, je me fais exporter le point com… » chantonne-t-elle sous les rires de l’assistance.

Décidément connectée avec son temps tout en apportant une touche de mélancolie, Jeanne Cherhal a de nouveau rayonné sur les planches de Mythos qu’elle foulait pour la quatrième fois. La jolie romance entre le festival rennais et la chanteuse peut continuer, on en redemande.

 Chloé Rébillard

Jeanne Cherhal : « Je me sens solidaire des femmes et je me sens féministe »

Mythos est un festival que vous connaissez bien puisque vous étiez présente en 2001 puis 2004 et 2010. Que ressentez-vous aujourd’hui à l’idée de vous produire devant le public rennais ?

J’en suis très heureuse ! J’adore jouer en Bretagne et dans le Nord. Ce sont deux régions que j’affectionne particulièrement. C’est un peu cliché de dire ça mais ce sont des régions très chaleureuses, les gens sont très accueillants. Je chante d’ailleurs une chanson qui s’appelle « Finistère ».

Justement, cette chanson « Finistère », racontez-nous…

Cette chanson, c’est une déclaration d’amour à la Bretagne. Je chante un état d’esprit. C’est un lieu qui se mérite un peu, qui paraît aride au premier abord, mais quand on connaît…. Souvent j’y loue une maison, jamais la même, et j’y reste pendant 5 jours pour travailler. J’y vais avec mon clavier numérique, mon ordinateur, et je m’isole, et l’inspiration vient. Je me sens bien là-bas.

Histoire de J., comme Histoire de Jeanne. C’est un album autobiographique ?

Complètement. C’est un album très personnel, j’y livre beaucoup de choses sur moi-même, sur ma vie. J’ai fait le choix de l’initial J pour garder une part de mystère, et en même temps pour que l’on comprenne qu’il s’agit de moi, de mon histoire. Si j’avais décidé de l’appeler Histoire de Jeanne, ça aurait fait trop mégalo !

Est-ce un hommage à Véronique Sanson ?

Non, non pas du tout ! Ce n’est pas un hommage à Véronique Sanson mais plutôt à l’époque où est sorti son album « Amoureuse ». Mon travail est né d’une expérience autour de cet album. C’est un hommage au groove des années 70, aux sonorités de cette époque. J’ai d’ailleurs enregistré l’album dans les mêmes conditions qu’à l’époque, en analogique pour reproduire ce son si propre au 70’s. C’est une période qui me donne une impression de liberté totale.

Vous évoquez le viol (Quand c’est non c’est non) et l’homophobie (Noxolo). Vos textes sont plutôt engagés.

À partir du moment où l’on chante quelque chose c’est une démarche engagée. Une chanson est un engagement pour soi et aussi pour les autres. Je parlerai d’ailleurs de chansons « concernées » plus qu’engagées. Je me sens solidaire des femmes et je me sens féministe. Je chante très simplement un message qui est dirigé vers le sexisme ordinaire.

Qu’est-ce qui vous inspire au quotidien ?

Tout et n’importe quoi ! Enfin surtout les rapports humains qui sont une source d’inspiration inépuisable, que ce soit positif ou négatif. Je ne serai pas capable d’écrire quelque chose sans me sentir émue ou bouleversée. J’ai besoin de me sentir concernée pour écrire.

Après un album rock (Charade), vous revenez au piano. Un retour aux sources ?

Oui, bien sûr, encore une fois orchestré par « Amoureuse ». C’était un travail de remise en selle sur mon instrument, le piano voix. Je ne me suis pas occupée d’autre chose que de mon piano voix. Je n’ai pas eu l’envie de faire autre chose, ni eu l’envie de prendre une guitare ou une batterie.

Quels sont vos futurs projets ?

Pour l’instant je n’ai rien d’autre à faire que de me concentrer sur ma tournée qui va durer un peu plus d’un an, et de penser au prochain album.

Comment vous sentez-vous quelques heures avant la scène ?

C’est un peu tôt pour ressentir le trac (l’interview se déroule à 18h et Jeanne Cherhal se produira en concert à 22h30, ndlr). Par contre je l’aurai une heure avant. Mais je suis vraiment contente de faire partie de la programmation de Mythos encore cette année. Parce que c’est un festival qui met en avant la parole et le verbe sous toutes ses formes. Là, je me sens hyper francophone et francophile, et je trouve qu’il est très important que ce genre de festival existe.

Justine Gourlay

Mercredi 16 avril, Plaza Francia se produisait sous le Cabaret Botanique, installé dans le parc du Thabor, à l’occasion du festival Mythos. Un voyage franco-suisse-argentin au pays du tango nourri à la musique électro.

L’album A new tango songbook n’était pas encore sorti (le 7 avril dernier) que Plaza Francia bénéficiait déjà d’un vent très favorable dans les médias. Et pour cause, cette nouvelle formation unit la voix mythique des Rita Mitsouko, Catherine Ringer, aux musiciens Eduardo Makaroff – à la guitare – et Christoph H. Müller – au synthé (connus pour être deux membres du groupe Gotan Project). À 22h30, les spectateurs se pressent et s’agglutinent à l’intérieur du Magic Mirror, dressé pour le festival Mythos.

Dans les rangs, on murmure que Catherine Ringer flânait cet après-midi sur les pelouses du Thabor, on exprime sa joie de retrouver la chanteuse des Rita Mitsouko et on trépigne d’impatience en attendant l’entrée des artistes sur la scène du Cabaret Botanique. À croire que sans Catherine Ringer, le projet n’aurait pas lieu d’être. Aurait beaucoup moins de saveurs. Attiserait certainement moins la curiosité.

Et pourtant, les musiciens portent aisément et brillamment l’essence même de cette formation. Accordéon, contrebasse, basse électrique, synthé et guitare, Plaza Francia allie et conjugue différents univers : celui, entre autre, du compositeur argentin, Astor Piazolla – considéré comme l’un des plus grands musiciens spécialistes du tango de la seconde moitié du XXe siècle – et celui de deux des musiciens du Gotan Project qui mêle tango et musique électronique. Une rencontre originale déjà expérimentée au début des années 2000, réunissant Brigitte Fontaine et Gotan Project sur une musique de Piazolla – qui donnera son nom à l’album de la reine des zazous, Rue Saint Louis en l’Île (2004).

On peut alors affirmer que Edouardo Makaroff et Christoph H. Müller aiment à rechercher et à combiner expérimentations musicales, personnalités déjantées et originalité. On assiste, ce mercredi soir, à un instant puissant et intense avec, au centre de la scène et de l’attention, une Catherine Ringer souriante, enthousiaste et tout en contrôle.

Elle impose sa présence de par sa prestance singulière et de par sa carrure d’abord rigide et gracieuse aux élans de danseuse de tango. Plaza Francia alterne les trois formes traditionnelles du genre musical. Entre tango, milonga et valse, le groupe y ajoute de la musique électronique donc mais aussi du swing et joue avec les variations de rythmes et de tempos.

La voix de Catherine Ringer se marie pleinement et rondement aux formes musicales proposées par les musiciens. Force, fragilité, parlé, émotion… celle qui a marqué les esprits à l’époque des Rita Mitsouko n’hésite pas à jouer de sa théâtralité pour se mouvoir et émouvoir.

Elle danse, tout en retenue dans les premiers instants avant de se laisser submerger par le brin de folie qu’on lui connaît et embarque même Eduardo Makaroff dans un début de tango. Mais elle n’hésite pas non plus à se tapir dans l’ombre pour laisser la lumière éclairer les musiciens dont les notes produites par le quatuor envoûtent et embarquent les festivaliers qui commencent timidement à bouger les hanches et taper dans les mains.

Ringer balance la sauce

La salle sera particulièrement chauffée lorsque la chanteuse remontera sur la scène, vêtue d’une nouvelle tenue. Parée d’une robe orange à paillette dorée, d’un châle dans les mêmes teintes couvrant ses épaules avant de rapidement les dénuder et coiffée d’un chignon soigneusement plantée sur le sommet du crâne, elle incarne son rôle avec sérieux et légèreté.

La musique de Plaza Francia est électrique, électrisante, lascive et dynamisante. Sans être révolutionnaire ou même novatrice et innovante, elle emporte le public sur les traces des grands airs argentins qui enlassent et embrassent le style très personnel de la chanteuse française délurée, qui reste malgré tout dans la maitrise et l’interprétation de l’art du tango. Plaza Francia termine le concert sur un hommage aux Rita Mitsouko en reprenant la célèbre chanson « Marcia Baila », l’histoire d’une chorégraphe argentine emportée par le cancer, marquant ainsi l’influence déjà présente dès le début de la formation – lancée avec son compagnon Fred Chichin, décédé en 2007 – du mélange des musiques et des rythmes d’ailleurs, teinté de rock français, à la sauce Ringer.

En 2002, lors de l’édition sur Lisbonne, elle était venue présenter son long-métrage Capitaines d’avril, un film sur la révolution des Œillets au Portugal. Pour Travelling Rio, la franco-portugaise, « brésilienne de cœur », revient à Rennes sous de multiples casquettes : réalisatrice, chanteuse et marraine de la 25^e édition.

Maria de Medeiros, c’est la sensibilité et la chaleur d’une bossa nova. Dimanche dernier, à l’occasion des Premiers dimanches, elle présentait son nouvel album Passaros Eternos (Nu.Age dans sa version française). De quoi envouter les visiteurs confortablement installés dans la salle de conférence pour l’occasion, dans une ambiance confinée et intimiste.

Mais Maria de Medeiros, c’est aussi une sacrée comédienne, actrice et réalisatrice. De Bigas Luna (Macho) à Serge Moati (Des feux mal éteints), en passant par Marjane Satrapi (Poulet aux prunes, La bande des Jotas) et Quentin Tarantino (Pulp Fiction), la marraine de Travelling affiche une filmographie riche et variée qu’elle continue d’allonger.

L’an dernier, elle était au Brésil pour la pièce de théâtre « À nos enfants » (sur l’adoption dans un couple lesbien) qu’elle devrait prochainement adapter au grand écran. Pour l’heure, elle présente son dernier documentaire Les yeux de Bacuri, articulé autour de 3 femmes brésiliennes ayant eu un lien avec le guérillero Bacuri – Eduardo Leite – mort sous la dictature en 1970, après 109 jours de torture.

« C’était une suggestion de la Commission d’Amnistie et Réparation – du ministère de la Justice du Brésil – qui m’a présenté cette famille, ces trois générations de femmes qui ont survécu », explique Maria de Medeiros. Une commission que l’on verra, à la fin du documentaire, demander pardon aux victimes de la dictature brésilienne. « Une aide est proposée pour une reconstruction juridique et administrative. Mais ils ne pourront jamais réparer les souffrances et l’angoisse de ce qu’elles ont vécu, et ils le disent dans le film », poursuit la réalisatrice.

Cette dernière s’embarque alors dans une aventure express et intense, pour un « tournage rock’n’roll », plaisante-t-elle. Trois jours à Rome, deux jours à Sao Paulo, à la rencontre de Denise Crispim – fille de Encarnacion, grande résistante qui fuira au Chili, et femme d’Eduardo Leite – et deux jours en Hollande pour rencontrer Eduarda Crispim Leite – fille d’Eduardo Leite et Denise Crispim. C’est le travail de montage qui sera plus long et compliqué « puisqu’il fallait remettre en ordre cette parole qui était très difficile au départ. Il y a eu des confusions dans les dates, des longs silences par moment et des paroles très chaotiques à d’autre ».

La réalisatrice se souvient de certains témoignages qui ont conduit toute l’équipe « à sangloter derrière la caméra ». Mais elle tient son objectif en tête : libérer la parole, sans utiliser d’images d’archives, simplement des archives personnelles et familiales, ainsi que des souvenirs, des réflexions et des anecdotes de Denise Crispim et sa fille, Eduarda, qui n’a jamais connu son père.

Et pour libérer cette parole, Maria de Medeiros s’efface « pour laisser les femmes dans la lumière ». Elle pense alors au réalisateur Claude Lanzmann qui, dans le film Shoah, laisse entendre sa voix en déclarant : « Tu dois le dire ». « C’était ça, il fallait le dire ! Si on connaît un peu l’histoire de Bacuri, pour les 109 jours de torture endurés, en revanche on connaît beaucoup moins l’histoire de ces femmes qui se sont battues, ont survécu et ont essayé de vivre après cela », explique-t-elle.

Tout comme pour son documentaire Je t’aime moi non plus – mettant en lumière la relation entre artistes et critiques de cinéma lors du festival de Cannes – elle n’a posé qu’une seule question, voire deux, afin de les laisser dérouler leurs histoires difficiles à se remémorer, difficile à restituer. C’est à travers les différentes émotions qu’elle vont ressentir lors de leurs récits et de leurs réflexions que la réalisatrice embarque les spectateurs, qui oscillent entre plusieurs émotions, telles que l’empathie, la douleur, la tristesse et la force suscitée par les parcours de ces femmes – de la grand-mère à la petite fille.

De l’emprisonnement de la mère, alors enceinte de plusieurs mois, à leur reconnaissance en tant que victimes de la dictature, elles nous présentent ce qu’a été leur vie. Une longue série d’exil, de combats et de questionnements.

Au deuxième jour du festival Travelling se déroulait, hier soir, au Liberté à Rennes, le « live » de la Roda de Choro. Un bœuf improvisé par les musiciens du Club de la ville, avec à leur tête, une femme : Karine Huet.

Dès 21h, 4 hommes et 1 femme prennent place sur scène avec la ferme intention de faire danser le public, venu en nombre pour les écouter ! Il s’agit des musiciens du Club de Choro de Rennes, qui ont pris l’habitude de se rassembler toutes les semaines depuis sept ans.

Accompagnés de leurs instruments, pour certains au nom exotique, pour d’autre plus classiques : c’est ainsi que s’accordent pêle-mêle pendeiro (tambourin), cavaquinho (petite guitare), rebolo (percussion plus basse), guitare à 7 cordes et accordéon. Leur prestation démarre. « On ne sait pas ce qu’on va jouer, c’est le principe de la roda », explique au micro, Karine Huet, la fondatrice et coordinatrice de ce rassemblement de musiciens.

Tous passionnés de choro, ils entament leur première improvisation. C’est sous ce nom que l’on désigne la plus ancienne musique populaire du Brésil. « Créé à la fin du 19^ème siècle, elle est issue d’un métissage : à la fois des rythmes de la musique africaine, mais aussi des sonorités plus européennes, comme la polka », raconte Karine Huet.

Un style difficile à jouer, selon elle, « qui demande de la variation, des improvisations autour de thèmes variés et un répertoire énorme de grands compositeurs, tel que Pixinguinha ou Jacob do Bandolim ».

L’ambiance d’un bar à Rio

Dans la salle, la foule se rassemble et quelques pieds commencent à battre la mesure. Un sixième musicien rejoint le groupe et commence à jouer du triangle. « Faites comme si vous étiez dans un bar à Rio, ce n’est pas un concert ! », s’exclame  Karine Huet. Ici, on peut danser, boire et personne ne s’en prive !

On peut ainsi profiter du spectacle en sirotant une petite cachaça (eau de vie traditionnelle brésilienne). Au bout d’une heure de célébration, certains hommes claquent des doigts, certaines femmes se déhanchent et les couples de danseurs se forment. La chaleur de Rio est entrée à l’Étage du Liberté. Karine Huet est à l’accordéon, elle chante aussi au micro, les musiciens permutent et les applaudissements résonnent.

Hier soir, le club de choro de Rennes avait un objectif : faire connaitre sa musique  – qui se danse traditionnellement – et sortir des clichés associés régulièrement à la tradition musicale brésilienne. « Parce qu’il existe autre chose que la samba et la bossa nova », explique Ronan Maguet, percussionniste.

« Le choro est très lié à Rio. On sort des sentiers battus et c’est bien que le public découvre un nouveau style de musique » ajoute Karine Huet.

Pour faire durer le plaisir et danser jusqu’au bout de la nuit :  Notez que dès le 11 mars 2014, le Club de Choro de Rennes jouera à la Cave de l’Opéra, à Rennes, tous les mardis, à 21h.

Les femmes étaient à l’honneur pour la 2^e édition de Migrant’scène, organisé par La Cimade, samedi 23 novembre. Deux groupes ont répondu à la thématique imposée – la migration au féminin – au Bar’Hic de Rennes : le chœur de La tête à l’est et Mariana Caetano.

Aux alentours de 21h, le Bar’Hic est déjà rempli de monde ce samedi soir. Beaucoup sont venus pour assister au concert de La tête à l’est. Créée en 2009, l’association a pour vocation de promouvoir la musique et la danse d’Europe de l’Est dans la région Bretagne. Elles sont sept femmes ce soir-là à unir leur voix qui résonnent dans le bar aux sons des Balkans.

En chœur, parfois à l’unisson, elles interprètent des chansons traditionnelles de Roumanie et de Bulgarie, accompagnées par deux accordéons, des percussions, du violon et parfois des voix de quatre hommes. Certains morceaux sont doux et légers, similaires à des berceuses. D’autres sont nuancés et naviguent sur les flots de plusieurs voix qui jouent sur les intensités, agitant le chœur qui oscille entre chuchotements et notes très fortes et puissantes, qui font danser les spectateurs, qui pour bon nombre d’entre eux prennent des cours de chants avec l’association Tête à l’Est, entrainés à plusieurs reprises dans des rondes traditionnelles.

Après une courte pause, c’est au tour de Mariana Caetano, entourée de ses musiciens, de prendre place sur la scène, située au fond du bar. La chanteuse qui vient « d’un pays du soleil, très loin d’ici », arrivée en France depuis 2004, inonde ce lieu festif de la place des Lices des sons brésiliens qui rythment son deuxième album « Mé Ô mond », sur fond de guitares et de percussions.

Plaisir, solitude, amour, consommation… autant de thèmes abordés que de mimiques développées sur scène avec humour et singularité. Sa voix est envoutante, douce et grave. Sa musique est poétique et décalée, avec des influences rock, chanson française et pop. Mariano Caetano joue avec les mouvements musicaux de son pays, alterne entre MPB (Musica popular brasileira) et tropicalismo (mouvement culturel de la fin des années 60 qui contestait la musique populaire brésilienne), ne prenant que les particularités de chaque genre, sans se préoccuper des étiquettes.

En moins d’une heure, cette artiste originale nous dépayse à travers un voyage expérimental unique, nous baladant tranquillement d’un pays à un autre, d’un continent à un autre.

Les deux concerts nous offrent chacun un instant musicalement opposé. Une invitation au voyage dans les deux cas qu’on aimerait concrétiser plus longuement, à la rencontre d’autres cultures qui s’expriment à travers les voix de ses femmes.

Papa Noël et Viviane A ont soufflé un vent de magie et de pureté, sous le chapiteau du Grand Soufflet, vendredi 18 octobre à 18h. Un moment chaleureux et convivial qui s’est déroulé hors du temps, mais pas de l’espace.

Lui est à la guitare. Elle à l’accordéon. Ensemble, ils forment un joli duo dont la musique est synonyme de douceur, de quiétude. Assis sur les gradins ou sur le sol, les spectateurs, dociles, se laissent envoûter par la magie de ce moment, par la magie du voyage dans lequel nous entrainent les deux compagnons.

Dans le parc national de Virunga, en République du Congo et dans les environs de l’Ouganda et du Rwanda, Papa Noël et Viviane A nous promènent amicalement et partagent leurs sentiments avec le public. « La première fois que je suis allée chez Nono, il m’a parlé de ce lieu en me disant : Virunga, c’est la jungle, les senteurs, le chant des oiseaux, les crapauds, les lions, la montagne… », dit-elle, avant de le laisser ajouter « qu’aux pieds des volcans, en Afrique, les animaux vivent et produisent des chants magiques ».

Une atmosphère ineffable et surnaturelle envahit le chapiteau, qui semble comme plongé dans un songe. L’instrument à bretelles produit des cris d’animaux et le son harmonieux de la guitare nous berce tandis qu’on imagine à Virunga la nature prendre vie, le jour se lever, la faune et la flore s’éveiller.

Puis c’est la rumba qui rythme notre périple dans cette Afrique qui prend parfois des airs de Cuba. Si « la rumba se joue normalement à plusieurs guitares et avec des percussions », les spectateurs participent, en frappant des mains, pour pallier leur absence de ces instruments. L’ambiance est familiale, l’humeur joviale.

Les lumières oranges et rouges, ainsi que le décor épuré de la scène, participent à nous baigner dans l’environnement décrit par la musique. Les deux musiciens, jusqu’à présent assis l’un à côté de l’autre au milieu de la scène, se lèvent, se laissant entrainer par leurs propres mélodies, et nous embarquent avec eux dans les nuits chaudes et sèches de La Havane. Jusqu’à nous amener à Brazzaville pour danser une rumba congolaise.

Timide, le public reste lové dans son petit havre de paix et ne semble pas pressé de sortir de son cocon. Seuls, quelques enfants s’agitent sur le plancher du chapiteau. « La rumba congolaise s’appelle Maziba. Car Maziba, c’est la source. La source, c’est la femme. C’est le sein qui nourrit et fait grandir l’enfant. Maziba, chez nous, c’est la vie ! », explique Papa Noël, d’origine congolaise.

La musique est pure, douce et belle. Le duo est harmonieux et généreux. La rencontre est simplement magique.

Cette nouvelle édition du Grand Soufflet nous invite à voyager à travers la musique mexicaine. Après avoir présenté plusieurs spectacles de cumbia, le festival a proposé aux Rennais un autre style : la musique tejano, dite aussi Tex-Mex.

C’est un autre registre, la musique tejano. Rien de comparable avec la cumbia, de Captain Cumbia ou celle d’Amandititita, qui nous entraine sur la piste de danse sans hésitation. Mardi dernier, à 20h30, la tendance est toute autre, le style est différent, permettant ainsi de découvrir une autre facette de la musique mexicaine.

Avec Los Aztex, l’accordéoniste Joel Guzman s’entoure d’un percussionniste, d’un guitariste et d’une chanteuse, Sarah Fox. Ensemble, ils forment un groupe harmonieux et mettent à l’honneur cette musique Tex-Mex créée par les populations hispaniques du Texas, dans laquelle se mêle folk et pop.

Douceur, sourire et plaisir partagé sont les maitres mots de ce concert qui a du mal à attirer la foule. Pourtant, les festivaliers qui ont répondu présents sont bel et bien sous le chapiteau, prêts à danser, gentiment, dans la fosse ou simplement à apprécier les rythmes et le lyrisme latin dont nous font part les quatre musiciens de Los Aztex.

En ce 15 octobre, la soirée se déroule paisiblement sur les airs emprunts de l’histoire forte d’une communauté hispano-américaine qui lie la musique à la question de l’identité et de la fierté.

Mardi 15 octobre, à 18h, Amandititita se produisait sur la scène du Grand Soufflet. Sous le chapiteau, installé place du Parlement, la chanteuse mexicaine rencontrait, pour la première fois, son public français.

Elle a un visage poupon, angélique et une voix aigüe, voire criarde, et perçante. Une frange bien coupée, un joli serre-tête rose. Sous ses airs angéliques et kitsch, Amandititita se révèle être un véritable électron libre. En effet, elle a déjà prouvé par le passé sa spontanéité, sa soif de scène et son envie de liberté. Sous le chapiteau, ce soir-là, la jeune chanteuse transmet une énergie presque surnaturelle.

Sa présence scénique impressionne et se partage dans le public, déchainé dans les premiers rangs d’une fosse qui semble électrisée. Amandititita nous fait franchir la barrière de la langue en s’exprimant directement en espagnol et ainsi, nous embarque dans son univers, nous fait comprendre ses paroles, son quotidien qu’elle décrit si bien. Elle mêle énergie contestataire, rage et humour, bonne humeur et légèreté.

Musicalement, elle nous emmène dans un milieu underground qui mêle cumbia et électro. Surnommée, la « reina de l’anar-cumbia », elle est une artiste controversée dans son pays natal, le Mexique.

Censurée à la télévision et à la radio, elle ne se décourage pas, poursuit sa route en défiant quiconque de se mettre en travers et utilise Internet et les réseaux sociaux pour faire entendre sa voix et son message. Une chanteuse à la personnalité bien affirmée qui nous envoute et nous déstabilise en quelques minutes.

La jeune femme, qui écrit ses textes, puise son inspiration dans le quotidien du Mexique, qu’elle définit comme une « réalité surréaliste », dans un article publié sur le site Internet de Libération, le 13 octobre dernier.

Elle nous dévoile quelques une de ses chroniques urbaines mordantes et trépidantes en se mettant dans la peau d’un chauffeur de bus, d’un métrosexuel – chanson sur laquelle elle fait monter un homme et une femme sur scène pour danser et chanter avec elle – d’un tueur de personnes âgées, etc. Sur des musiques rythmées, des sonorités latinos, la reine du politiquement incorrect offre un spectacle généreux, engagé et original. Une belle première rencontre entre le public français – breton précisément – et cette toute petite petite Amanda.