Son énergie est communicative et libératrice. La chanteuse Olivia Ruiz était en concert à Rennes, dimanche 2 avril, au parc du Thabor. À l’occasion du festival Mythos, elle présentait son nouvel album, À nos corps aimants.

Elle se tient droite, chignon serré sur la tête et regard franc. Elle a la rigidité et la tête haute d’une danseuse de flamenco. Elle interprète « La dame-oiselle », chanson figurant sur son dernier album en date, À nos corps aimants. Le désir en est le fil rouge et elle chante en ouverture son envie d’être mère.

Le frisson parcourt le magic Mirror, suspendu aux lèvres de la chanteuse qui enchaine rapidement sur des sonorités plus rock, quittant sensuellement son haut, dévoilant la robe choisie par les internautes.

Avec ses cheveux qu’elle détache, elle lâche les chevaux. L’énergie est explosive, sa voix maitrisée à souhait, sans surprise.

Elle a ce talent que possèdent les grandes chanteuses de cabaret, qui proposent un show parfaitement rythmé. On ne la quitte pas des yeux et on la laisse nous embarquer dans ces folles histoires qui s’avèrent teintées de sombre extravagance.

Une manière de conter la société et la condition des individus, qui n'est pas sans rappeler Thomas Fersen (qui sera en concert à Mythos le dimanche 9 avril, au parc du Thabor également). Mais Olivia Ruiz a un univers et un style propre et singulier.

Elle s’affiche en femme dangereuse, flirte avec le mystère et envoute son public. Le genre de personne qui vous hypnotise pour pouvoir vous manipuler selon ses désirs et intentions, avant de doucement vous empoisonner.

Elle joue sur les facettes multiples qui se dévoilent une fois la nuit tombée, parle des instincts primitifs que la noirceur nocturne provoque et des retours à la norme une fois le jour levé.

Et sa manière de mettre en perspective le décalage entre sa voix, son parlé franc et bobo-populaire et son camaïeu de sensualité en est presque jouissive.

Elle oscille entre poésie, candeur et assurance mature. Et dégage un sentiment d’épanouissement et d’accomplissement. Elle aborde dans ses textes le désir.

Le désir de réaliser des choses, de fantasmer librement, de ressentir son corps et la chaleur de l’Autre, de s’exprimer sans détour. Et surtout sans tomber dans les travers des clichés.

Interprétant aussi bien ces nouvelles chansons comme ces classiques, dont « La femme chocolat », « Les crêpes aux champignons » ou encore « Elle panique », Olivia Ruiz se montre multiple à l’instar de son titre « Le tango du qui », véritable défilé de personnalités diverses, aussi loufoques que fantasques.

« Je suis qui bon me semble », chante-t-elle. Mère depuis l’année dernière, elle fait part de son vertige face à ce petit être et entame avec le public une berceuse pour Nino « qui dort juste à côté » en espagnol avant de nous emmener dans « les rues de Barcelone, de La Havane ou de Bogota, avec une fiole de rhum pour se lâcher parce que c’est comme ça que ça se passe ! »

Femme fatale aussi, ou encore femme fragile, femme en prise à la peur d’être oubliée, femme déjantée, femme posée, femme forte, avec un penchant pour le cannibalisme… Elle est une femme libre sur scène, généreuse et entrainante. Son venin est mortel et dans ces conditions, on aime se faire piquer.

La nouvelle édition du festival Mythos – arts de la parole – revient à Rennes du 31 mars au 9 avril. Ici, des places sont à gagner en envoyant votre nom et prénom et le spectacle souhaité, à l’adresse suivante : redaction@yeggmag.fr

° Sandre – Collectif Denisyak – 2 places

Solenn Denis, jeune auteure, se met à l’écoute d’une femme qui se raconte : jeune fille amoureuse, épouse puis mère. Une vie passée entre la cuisine, le ménage, les enfants, le sempiternel repas dominical, le travail… Dans un flot maladroit, celle qui fut belle dit l’amour, les promesses faites et trahies, le mari qui l’ignore, la trompe. Elle, cherche sa place. Alors, cet enfant qu’elle porte dans son ventre, le troisième, elle n’en veut pas.
C’est un homme, Erwan Daouphars, acteur puissant et rare, qui incarne cette femme brisée et nous plonge au plus profond de l’intime féminin. Un voyage sous tension dans les blessures de l’âme humaine, une ode aux folies anodines ou grandiloquentes comme lieu d’humanité pure et théâtrale.

Théâtre de la Parcheminerie – mercredi 5 avril – 15h 

° Doreen – David Geselson – 2 places

« Tu vas avoir 82 ans. Tu as rapetissé de 6 centimètres, tu ne pèses que 45 kilos et tu es toujours belle, gracieuse et désirable. Cela fait 58 ans que nous vivons ensemble et je t’aime plus que jamais. » Ainsi débute Lettre à D. écrite par André Gorz à sa femme. Lui a notamment participé à la fondation du Nouvel Observateur et jeté les bases de l’écologie politique. Elle, il en fait le portrait dans cette lettre, à travers l’histoire de leur amour qui aura traversé le siècle, entre vie intime et engagement public. David Geselson a choisi d’imaginer dans Doreen des moments de vie et de souvenirs de ce couple qui décidera dans ses vieux jours de s’éteindre côte à côte. Leurs voix s’entrelacent avec celle de la lettre qui tente, comme l’écrit superbement André Gorz, de « reconstituer l’histoire de notre amour pour en saisir tout le sens ». Car c’est bien cette histoire « qui nous a permis de devenir qui nous sommes, l’un par l’autre et l’un pour l’autre. »

TNB – Salle Parigot – jeudi 6 avril – 18h30

° You’re gonna get love - Keren Ann – 2 places

Les albums de Keren Ann se feuillettent et se dévorent comme les pages d’un grand livre. Comme un journal intime mais universel, ce septième volume, représente aussi bien la continuité que la nouveauté. On y retrouve ces mélodies à l’évidence limpide, ces atmosphères sensuelles à la beauté mélancolique mais cet album reflète aussi les expériences et le vécu d’une auteure-compositrice au faite de son art. Une saga captivante.

Théâtre de l’Aire Libre – jeudi 6 avril – 22h30

° Le fils – David Gauchard – 2 places

La mère est pharmacienne. Ses enfants sont grands. Sa vie est tranquille… Jusqu’à sa rencontre avec des catholiques traditionalistes. Elle sort plus souvent, se rend plus assidument à la messe, retrouve une vie sociale, lutte contre des spectacles jugés blasphématoires, s’engage dans des groupes anti-avortement ou anti-mariage homo… Elle s’épanouit dans ce militantisme et tente d’embrigader ses proches et ses enfants dans ce qu’elle considère comme l’aventure la plus excitante de sa vie.
Teintée d’humour et d’émotions, la parole sincère de cette femme incarnée par Emmanuelle Hiron, nous fait prendre conscience des mécanismes qui font basculer dans la radicalisation.

Théâtre de l’Aire Libre - vendredi 7 avril – 20h30

° Journal d’une création – Claire Diterzi

L’avantage avec Claire Diterzi c’est qu’elle crée en bousculant la musique. Et comme elle a de la voix et davantage, il fallait bien qu’un jour elle retourne le monde de la musique. C’est le cas avec 69 battements par minute, son dernier album. La genèse de ce projet n’aura pas été de tout repos et c’est ce qu’elle raconte dans le Journal d’une création. Entièrement produit par l’auteure qui vole désormais de ses propres ailes, ce nouveau projet libère la juste mesure d’une énergie dévastatrice.

Cabaret botanique (parc du Thabor) – vendredi 7 avril – 20h30

Envoyer nom et prénom avec le spectacle souhaité à l'adresse suivante : redaction@yeggmag.fr

Elle s’était fixée l’objectif d’un concert seule-en-scène avant ses 25 ans. C’est chose faite depuis le 13 février dernier, date à laquelle elle a donné sa toute première représentation de Lumières, un ciné-concert dévoilé lors du festival Travelling, au Tambour à Rennes.

De son museau le loup fait rouler la lune dans la forêt, les plaines et les montagnes pour qu’enfin jaillisse la lumière. À Buenos Aires, un homme tente d’avoir une idée bien éclairée pour que la vie ne soit plus rythmée uniquement par la lumière du jour. Et tandis que quelque part sur la planète bleue, un petit bonhomme astique le soleil tâché, un écureuil et une chauve-souris se disputent une luciole dans les entrailles de la terre, là où s’activent les rouages du jour et de la nuit.

Durant l’été 2016, la chanteuse et musicienne Ellie James s’est attelée à la sélection de quatre courts-métrages destinés à sa première création solo, proposée par L’Armada productions. Un projet qui a ensuite rejoint l’envie de l’association Clair-Obscur de présenter un ciné-concert au jeune public, à l’occasion de leur festival annuel, Travelling.  

« J’aime beaucoup le cinéma mais l’animation, j’avais plus de mal. Donc j’ai été un peu pénible, plaisante Ellie James. Mais j’étais trop excitée, je n’ai jamais fait un concert toute seule, sur des films en plus. Clair Obscur m’a passé des DVD des films jeune public qui ont concouru les années précédentes à Travelling. Et j’en ai cherché plein de mon côté. Fin septembre, début octobre, on a choisi définitivement, et le thème de la lumière est venu comme une évidence. »

LA MUSIQUE EN INTRAVEINEUSE

Si le cinéma d’animation n’est pas sa spécialité, en revanche la musique oui. Elle baigne dedans depuis toujours. Parce que sa mère est chanteuse et musicienne et son père, ingénieur du son et fabricant de cool drum. Parce qu’elle a été nourrie à la maison par les chansons des Beatles, des Who ou encore des Beach Boys.

Petite, elle a pris des cours de chant et de piano. Puis a arrêté. Avant de s’y remettre au lycée avec des amis de son frère (membre du groupe rennais Totorro). « On a joué à la fête de la musique de Saint-Brieuc et c’est là que j’ai été repérée par les gars de Bumpkin Island qui cherchaient une chanteuse. C’était intimidant car ils avaient 10 ans de plus que moi, je devais réussir à prendre ma place, tout en rentrant dans le moule mais en gardant mon univers ! », se souvient-elle.

Elle intègre le groupe en 2011, en parallèle de sa licence en génétique et de ses cours de chant lyrique au Conservatoire de Rennes. Quelques années plus tard, elle entre dans la formation de Mermonte qui a alors besoin de voix. Et participe également au projet de Florian Jamelot, Mha. Prendre la route pour partir en tournée, enregistrer en studio (Bumpkin Island vient de sortir son nouvel album, début février, et Mermonte devrait en faire autant au début de l’automne 2017), assurer au micro, au clavier et aux percussions, elle gère.

À LA DÉCOUVERTE D’UN UNIVERS MULTIPLE

Face au projet de ciné-concert, la musicienne ne recule pas devant le défi d’une composition intégrale à réaliser seule. Et dans un temps plutôt court. « Fallait que j’utilise la MAO ce dont je n’ai pas l’habitude, que j’achète du matériel et que je fasse la musique. J’ai passé des journées entières à tester des choses et c’est marrant à quel point les différentes versions musicales créent des lectures très différentes du film. Finalement, je me rendais compte que je revenais souvent à mes premières versions. Tant mieux, ça m’a montré que je pouvais me faire confiance. », s’enthousiasme-t-elle.

Ellie James, elle est pétillante. Pleine d’entrain. Sur scène devant ses instruments comme autour d’une table de café, elle transmet une joie de vivre, d’expérimenter et de partager. Parmi les courts-métrages projetés dans Lumières, elle démontre sa sensibilité, son humour et sa poésie. Un univers qu’elle retranscrit en musique, à travers des ambiances planantes, mêlant de la pop à de l’électro, des percussions à des sonorités organiques.

Et évidemment, sa voix. Qu’elle considère comme un instrument à part entière. Qu’elle sample et boucle. Qu’elle répète et harmonise. Qu’elle libère en anglais et en français. C’est rond et chaleureux. Hypnotisant et doux. Une invitation à s’envoler et à voyager au fil des animations, dessinées ou réalisées en stop motion, mais aussi à travers son histoire familiale.

« Je voulais absolument avoir un hang drum, instrument qui a fasciné mon père lorsqu’il l’a découvert, et d’un cool drum. Et puis j’ai un harmonium indien aussi que ma mère m’a ramené d’Inde. Je voulais faire profiter les autres de cet instrument et trouver des manières de le faire sonner autrement. », commente Ellie James.

L’ABOUTISSEMENT PERSONNEL

Mais ce n’est pas uniquement pour des raisons intimes qu’elle s’entoure de tous ces instruments et de ces baguettes lumineuses. Elle évoque également leur aspect ludique à regarder et instinctif à jouer. Des arguments importants pour la création d’un spectacle jeune public (à partir de 3 ans) : « Il fallait penser à attirer l’attention et l’œil, surtout pour les plus petits. Et surtout qu’entre les films, il y a un écran noir. Il faut alors pouvoir leur dire « coucou, je suis là, c’est pas fini ». »

De cette expérience, elle tire une grande satisfaction. Celle d’avoir osé et d’être aller au bout du processus : « Ça me faisait peur mais ça me trottait dans la tête. Je m’étais fixée de faire un concert seule avec mes 25 ans. Je n’avais encore jamais été complètement moi ! Être seule sur scène, c’est un réel apprentissage. C’est comme une chorégraphie, faut que ça devienne mécanique et avoir des roues de secours en cas de problème. »

Elle est déterminée, bosseuse et passionnée. Talentueuse, solaire et tenace. Lumineuse et créative. La preuve que les femmes ont leur place sur scène, ça, elle en est convaincue, elle qui a souvent pu constater qu’en festival, elle était souvent une des rares artistes femmes.

« Vous n’avez pas vu cette affiche sur laquelle les noms des hommes étaient enlevés ? Il ne reste plus grand chose… », scande-t-elle (dans un registre plus global au niveau des arts, HF Bretagne révélera les chiffres 2016/2017 concernant la place des femmes dans le spectacle vivant en Bretagne, le 3 mars, à la Maison Internationale de Rennes, à 17h45).

Pour la suite, elle jouera Lumières le 30 avril à Bruz et le 15 juin à Paris. Et espère qu’en septembre, d’autres dates s’ajouteront à son agenda déjà bien rempli (à noter également que Bumpkin Island sera aux Embellies, à Rennes, le 10 mars) : « Tout foisonne en ce moment, je suis trop contente ! »

Les courts-métrages présentés lors du ciné-concert Lumières :

• Lunette de Phoebe Warries
• Luminaris de Juan Pablo Zaramella
• Le trop petit prince de Zoïa Trofimova
• Tôt ou tard de Jadwiga Kowalska

La légende des Trans Musicales voudrait que le vendredi soit le meilleur soir du Parc expo. Pour la rédaction, c’est pourtant la programmation de ce samedi 3 décembre qui a révélé les sensations les plus puissantes.

AISHA DEVI – HALL 9 – 23H

Après une dizaine d’années à se produire sous le nom de Kate Wax, la voilà de retour sous son vrai nom, Aïsha Devi. Dans le hall 9, devant ses platines et son ordinateur, elle est plongée dans le noir. Seul un grand écran l’éclaire, diffusant images et vidéos à l’esthétique psychédélique subjuguante.

La programmation parle même de « créations psychédéliques et transhumanistes du photographe et vidéaste Emile Barret ». On ne savait pas réellement à quoi s’attendre, on se réservait la surprise pour le live. À l’écran, ce sont des images détourées de statuettes égyptiennes et incas et des gravures bibliques qui défilent avec en fond un homme au visage entièrement maquillé et au look tribal, qui danse une sorte de trans.

Au fur et à mesure du concert, les clips évoluent. On voit alors passer des têtes de mort, des dessins d’hommes éventrés, des dessins anatomiques ou encore des formes démultipliées à la manière d’un kaléidoscope. Aucun doute, l’œil est accroché.

Il est même fait prisonnier de cet étrange dispositif qui tend à dévoiler des images de plus en plus trash, laissant apparaître des scènes de domination, d’asservissement, quasiment de torture, ainsi que des corps déchiquetés et mangés par des humains avant de laisser place à des images de nains indiens.

Et malgré la violence de certains visuels, il est difficile d’en détourner le regard. Comme s’il s’agissait là d’un acte volontaire pour se laisser guider vers une hypnose certaine, clef d’un état de transe à venir. Car la musique que produit Aïsha Devi est plus qu’une incantation. Elle est un rite initiatique au chant chamanique.

Ces influences népalaises et orientales, qu’elle puise dans ses origines, résonnent dans les percussions mais aussi dans sa voix. Une belle voix amplifiée qui inonde par vagues récurrentes le hall 9. Ce sont surtout des vocalises qu’elle développe et qu’elle enveloppe de quelques paroles qui sonnent comme une langue ancienne et morte.  

Les modulations de sa voix impressionnent. Et viennent se fondre dans les sonorités techno et robotiques. Aïsha Devi nous plonge dans un univers plutôt angoissant dans lequel on avance très lentement, prudemment, face à une lumière aveuglante. On est comme happé-e-s par ce halo imaginaire hypnotisant et intriguant.

On est pris-es dans la toile de cette chimère envoutante. Notre esprit voudrait changer d’air mais notre corps s’y refuse. Il faut affronter les notes stridentes qui déraillent comme des cris. Des sons insupportables et intenables, comme si on nous cisaillait les tympans. Mais le hall 9, pas encore bondé, semble suspendu. En attente d’une explosion électro et post dubstep, qui arrive sans trop languir.

La foule se met doucement en mouvement, synchronisé et cadencé. Elle répond présente et partante à l’univers infernal et chaotique d’Aïsha Devi qui finit ces morceaux en atteignant le sublime à travers des a cappella surnaturels et purs, bruts. L’artiste soprano crée la déroute et on accepte rapidement cette expérience insolite.

Sa voix puissante et magnifiée nous hisse au sommet d’une chaine de montagnes népalaise, où la neige et la roche, divines, s’entrelacent, comme les mandalas et les dessins d’enfants qui s’enlacent sur le grand écran qui trône sur la scène du hall 9.

REYKJAVIKURDAETUR – HALL 8 – 2h10

On les attendait avec impatience depuis la découverte de la programmation. Les filles de Reykjavik – traduction littérale de Reykjavikurdaetur – sont nombreuses. Plus d’une dizaine foulent la scène du hall 8 pour y mettre le feu nourri de leur talent de rappeuses et leur féminisme exacerbé.

Elles arrivent vêtues chacune d’une chemise blanche et d’un dessous type body ou t-shirt et shorty et donnent le ton d’entrée de jeu. Elles assument tout. Elles ont la pêche, des choses à dire, des messages à faire passer et du plaisir à (se) procurer. Et surtout, elles affichent une véritable envie de faire ce que bon leur semble.

S’allonger, vapoter, danser ou autre, tout est permis pour ces Islandaises qui alternent entre l’anglais et leur langue maternelle. Leur rap est métissé. À la fois tranchant, il peut être également langoureux comme festif et joyeux, bestial comme combattif et cru.

Si elles chantent en solo, en duo ou en trio, les autres restent présentes. Ensemble, elles font poids, elles font corps, et cette unité massive donne la sensation que les membres du collectif possèdent la scène et la maitrisent.

Autant que les discours qu’elles diffusent. « Cette chanson parlait de moi et mon mec, qui est un naze. Donc appelez-moi ! », lance l’une à la fin d’une chanson. « Celle-là est dédiée à mon ex : FUCK YOU ! », scande une autre quelques minutes plus tard, ajoutant en conclusion : « Il va brûler en enfer, je vous le jure. »

Armées de leurs voix et de leurs textes cinglants, elles optent également pour une attitude terriblement rafraichissante. Une attitude rap parée de grands sourires qu’elles conserveront jusqu’au bout du concert. Sans oublier la fraicheur de leur jeunesse revigorante qui claque sur leurs visages enjoués.

Elles font rapidement tomber la chemise, mais pas forcément la serviette que certaines ont sur leurs épaules, telles des boxeuses prêtes à mettre leurs adversaires KO, à coups de palabres bien senties. Elles assument leur corps, leurs formes, leur féminité, leur masculinité, leur humanité, leur sensualité, etc. Elles sont inspirantes.

La musique, travaillée par la DJ derrière ses platines au fond de la scène, est rythmée, puissante, changeante et évolutive. Elle peut être déstructurée par moments, ronde sur d’autres temps mais toujours pleine de vibrations et de profondeurs. À cela s’ajoute une diversité des voix qui tirent parfois sur de la soul et du r’n’b.

Elles s’affichent libérées, n’hésitent pas à mimer des branlettes, faire des gros doigts d’honneur, se mettre la main sur le sexe ou encore à onduler le corps. Affranchies des assignations qu’elles combattent dans leurs chansons, elles se font du bien et nous font du bien. Nous donnent la hargne tout en nous apaisant l’esprit.

Et quand elles demandent qui a envie d’un doigt dans le cul, tout en interprétant une chorégraphie lascive en mode « chevaucheuses », le public s’emballe. Leurs sourires ne les quittent pas. Au contraire, ils s’agrandissent. Tout comme leur énergie mordante et enthousiaste. Elles parlent de sexualité, de sodomie, de plaisir. Car le droit de parler de sexe n’est pas l’apanage des hommes.

« Nous pouvons faire ce que nous voulons. Je peux porter ce que je veux porter, boire autant que je veux et ne pas demander l’autorisation. », lâchent-elles vers la fin du set. Reykjavikurdaetur a quelque chose de contagieux. Et on espère que le message girl power, d’émancipation, pour le droit à disposer de nos corps et de nos vies, sera entendu de tou-te-s.

SAUROPOD – HALL 3 – 2H30

C’est sur les chapeaux de roue donc que l’on déboule dans le hall 3, pour la deuxième moitié du concert de Sauropod. Le trio norvégien a déjà bien réchauffé le public de son rock saisissant qui nous embarque instantanément dans son univers, qui n’est pas sans rappeler celui de Nirvana.

Ou du moins le temps d’une chanson. Car lorsque Jonas Royeng (guitare et chant) et Kamilla Waal Larsen (basse et chant) donnent de la voix en chœur, l’ensemble fait davantage écho aux Pixies. Leurs influences rock alternatif des années 90 ne sont pas dissimulées.

Elles planent au dessus du groupe, sans toutefois tomber dans des imitations caricaturales ou lassantes. Au contraire, Sauropod propose une énergie nouvelle, renforcée par un jeu de batterie puissant et la rapidité du guitariste dans l’exécution des notes et accords, produisant un rock déjanté.

Les chansons passent comme des éclairs. L’effet est fulgurant. On n’en a jamais assez et on ne s’ennuie pas une seconde.

Le trio fait naitre un sentiment d’urgence. De celui que l’on aime voir aux Trans Musicales. De celui qui puise dans des guitares saturées et des chants viscéraux.

On se laisse alors complètement subjuguer par les créations de Sauropod, qui nous bringuebalent à toute berzingue dans des courses poursuites psychotiques. Lui a la mâchoire serrée, une voix nasale et la gorge striée de veines prêtes à éclater. Elle, a une voix aérienne, sécurisante et marquée de simplicité. Sans artifices.

Et quand ils allient leurs voix, l’osmose de leurs contrastes est sublime. Le trio renvoie le sentiment d’un besoin vital de s’exprimer. Une nécessité à être là et envoyer ce rock acidulé, qui ne manque pas de piquant, et s’emplit au fil des chansons d’émotions authentiques et communicatives.

C’est une évidence. Un plaisir qu’ils partagent entre la scène et le public et qui se voit sur leurs visages. Dans un bien autre style que les rappeuses islandaises, les punks rockeurs norvégiens apportent une touche rafraichissante à la musique et à la soirée, à travers une proposition forte et joviale.

L’opportunité de terminer la 38^e édition des Trans Musicales par deux véritables coups de cœur. Dommage que les deux projets aient été superposés dans la programmation. Quoi qu’il en soit, on retiendra ces artistes parmi les révélations du cru 2016.  

Deuxième soir au Parc expo pour cette 38^e édition des Trans Musicales. Retours sur les concerts de The Barberettes, Nova Twins et No Zu, trois propositions riches et intéressantes, néanmoins pas toujours à la hauteur de nos espérances.

THE BARBERETTES – HALL 8 – 00h10

Toutes les trois alignées, bandeaux de couleur dans les cheveux et robes pastel avec petit col Claudine blanc, pas de doute, le trio venu de Corée du Sud entend nous faire voyager dans le temps. Et nous plonger dans les années 40 à 60.

Et même un peu avant puisqu’elles puisent la base de leur formation sur le style barbershop, issu du début du siècle dernier, reposant sur des harmonies vocales a cappella. Ici, elles sont accompagnées par des instruments mais conservent l’esprit d’un style né chez les barbiers qui influencera par la suite le doo-wop.

Les Barberettes ont un air malicieux, une tenue et une coiffure impeccables et un sourire large. Leur manière de chanter et d’exécuter quelques mouvements synchronisés de danse n’est pas sans rappeler les trios ou quatuors féminins de la première moitié du 19^e siècle, à l’instar des Ronettes qu’elles reprennent parmi les premières chansons du set.

Et Be my baby est d’office un succès. Le public n’hésite pas à joyeusement le reprendre en chœur avec les trois vocalistes qui s’inspirent également des Chordettes, de The Andrew Sisters ou des Kim Sisters pour ne citer que quelques unes de leurs influences. Dans la foule, ça danse et ça twiste même à certains moments.

La musique choisie pour les reprises coïncide évidemment avec l’univers choisi. L’univers de la culture populaire des années 50 et 60.

Les chanteuses coréennes alternent entre titres pop venus des Etats-Unis et de Corée. Et c’est là sans doute leur atout, de nous faire voyager et découvrir une culture peu connue en France (et même de nous faire découvrir notre propre répertoire en reprenant la chanson française Pop art de Tienou).

Car en dépit du fait qu’il est fortement appréciable de bouger son corps sur des morceaux aussi identifiés à une époque ou à des films pour certains, il est parfois difficile de comprendre ce que le trio apporte de différent et de singulier par rapport aux versions originales.

Les reprises sont parfois trop fidèles aux morceaux que l’on connaît déjà bien et on finit par se lasser.

Le trio garde malgré tout l’attention du public grâce à l’esthétique sonore des harmonies vocales qui s’adaptent parfaitement à leur voix soul, leur musique jazzy et leur côté un peu gospel.

On aimerait entendre leurs arrangements, leurs adaptations personnelles. Heureusement, la fin du concert laisse place à des compositions du trio qui semble alors plus à l’aise et ose davantage se lâcher. Les trois membres des Barberettes se révèlent alors dans une plus grande liberté que celle qui les confinait jusqu’ici dans l’ombre de leurs idoles.

Les sonorités, naturellement, sont plus modernes en cela qu’elles échappent au mimétisme de l’époque adulée et correspond plus à une réalité actuelle.

Le plaisir est présent et on se sent embarqué-e-s dans un univers simplement créé et non recréé. Dommage qu’il ait fallu attendre les dernières minutes du concert.

NOVA TWINS – HALL 3 – 1H10

Amy Love et Georgia South ne sont pas réellement sœurs mais peut-être âmes sœurs de cœur. À la manière de Thelma et Louise, à qui elles font référence dans une de leurs chansons. De véritables acolytes dans la musique et dans le besoin d’exprimer leur intériorité.

Et ça, elles ne s’éterniseront pas à nous le faire comprendre. Arrivées sur scène, munies d’une guitare et d’une basse, elles envoient dès les premières notes, soutenues par la puissance de la batterie, un avertissement : ici pas de chiqué, ce sera féroce et viscéral ou ça ne sera pas.

Le flow est lancé et il se déverse à vive allure, signe d’une contestation depuis longtemps nourrie de hargne et de volonté.

La volonté de ne pas se taire. Au contraire, de se battre, la tête haute et le bras en l’air. Le phrasé hip hop de la chanteuse impressionne, se confrontant frontalement à une musique agressive et puissante.

Cinglante et rock. Les britanniques de Nova Twins qualifient leur style de punk urbain. Et ça fonctionne.

Pas étonnant donc pour ce duo avide d’explorations et d’expérimentations de puiser dans différents genres composant l’underground londonien. Et de se laisser glisser par conséquent vers le grime, qui mêle au garage de la dance et de l’électro.

Le public est instantanément séduit et se fait embarquer dans des lignes électro avec un panache incroyable.

Leur énergie paraît sans limite. Des deux musiciennes se dégage un esprit rebelle, provocateur et guerrier. Sans forcer. Sans bouger dans tous les sens, elles captent l’attention, intègrent leur dynamisme et leur message à leur corporalité et savent les partager.

Le hall est rapidement blindé et de tous les côtés, ça danse, ça bouge, ça scrute. Personne ne semble rester indifférent à la proposition.

La performance des Nova Twins est sans faille. Elles démontrent toutes les deux, dans leur domaine, que ce soit par le chant ou à la basse, une maitrise totale de leur instrument. Elles savent où elles vont et savent où elles veulent en venir.

L’envie d’y aller et la verve combattive apparaissent comme l’essence même du projet musical et cet esprit se propage comme une trainée de poudre entre les rangs serrés et bouillonnants de la fosse.

Quarante minutes ne suffiront pas à les rassasier et nous non plus. On aurait voulu continuer une partie de la soirée à les regarder contrôler la scène.

Mais on se contentera d’un show dément complètement subjuguant dont la musique et l’attitude des Nova Twins résonneront dans notre tête et notre corps encore plusieurs heures après leur passage dans le hall 3.

NO ZU – HALL 9 – 2H

C’est donc l’esprit prêt à recevoir de nouvelles sensations et énergies que l’on se dirige vers le hall 9 qui accueille alors l’octuor australien No Zu. Un enthousiasme qui retombera comme un soufflet.

Pourtant, leur projet serait plutôt du genre intéressant et carrément transcendant s’il n’était pas répétitif et interminable…

Dès leur installation, le groupe s’affiche en tribu déjantée prise entre sonorités orientales, percussions, cuivres et chant ou incantation, peut-être plus. Ils appellent ça du heat beat et à ce niveau-là on leur fait confiance.

La scène est alors assiégée de sonorités très riches et mouvements incessants des musiciens qui bougent et dansent de manière viscérale.

Ça sonne jazzy et ça groove pas mal. Mais les morceaux sont longs et tournent en boucle. Les vocalises syncopées de la chanteuse, alliées à la voix samplée d’un des percussionnistes, dérangent l’oreille et percent les tympans.

On est alors assailli-e-s d’un sentiment de malaise, d’insécurité. Un sentiment désagréable qui nous donne envie de prendre la poudre d’escampette.

Malgré tout, on reste le cul vissé dans notre fauteuil. Car No Zu propose quelque chose d’unique, d’intriguant. Une techno tribale, un funk chamanique.

Sur le papier, on adhère aisément au projet. Mais en live, l’effet est perturbant.

Et au-delà de la déroute, la répétition des boucles, le peu de présence au micro de la chanteuse - qui passera plus de temps à se dandiner derrière - et la voix d’outre-tombe interfèrent avec notre enthousiasme initial. On aurait voulu apprécier l’instant mais au lieu de sauter au milieu de la foule, on reste hermétique aux créations présentées.

La nouvelle édition des Trans Musicales a investi le Parc expo de Rennes pour le premier des trois soirs, jeudi 1^er décembre. Deux groupes ont retenu notre attention : Anna Meredith et Marta Ren & The Groovelvets.

ANNA MEREDITH – 22H45 – HALL 8

Les notes graves du violoncelle viennent rejoindre la mélodie entamée par le tuba et accentuer l’ambiance angoissante du début de concert. Et lorsque la batterie et les percussions s’y ajoutent, l’ensemble sonne puissant et annonce un spectacle saisissant. Et surtout ne laisse pas entrevoir ce qui attend les festivalier-e-s.

Rapidement éclatent les sonorités électro qui rythmeront quasiment l’intégralité du set de Anna Meredith. Compositrice et musicienne, elle est avant tout une créatrice. Elle raconte que la révélation fut le jour où elle relia une pédale à distorsion à un basson. Depuis, elle ne cesse d’expérimenter et de jouer des styles pour les modeler à sa manière et les affranchir de toute étiquette.

Et c’est une musique classique réinventée qu’elle nous propose, avec son premier album Varmints, sorti au premier trimestre 2016, après avoir écrit un opéra au final électro, Tarentula in Blue Petrol, un concerto pour un beatboxer et un piano et enregistré plusieurs EP. En véritable touche-à-tout, la britannique Anna Meredith se livre à de nombreuses expérimentations et les partage avec le public sur scène.

La magie opère. De la grandeur s’en dégage. Et du sublime s’installe. C’est un spectacle instrumental que nous proposent les cinq membres du groupe qui ne chanteront que très rarement. Les symphonies se marient à des lignes groovy et des sonorités rétro, quasi robotiques avant de croiser des beats rock et puissants, et plus tard des notes disco.

Le tout est un joyeux bordel, minutieusement organisé en boucan incessant qui devient presque essentiel et psychédélique par moment. Le rythme est rapide, et la puissance des morceaux se veut en permanence crescendo. L’accélération uni à l’augmentation de l’intensité de la musique nous embarquent dans un tourbillon fracassant qui finit par s’éclater dans les applaudissements déchainés des spectatrices et spectateurs.

Puis, le calme après la tempête. La violoncelliste se fait plus romantique, la mélodie plus paisible. Mais avec Anna Meredith, on apprend rapidement à se méfier de l’eau qui dort.

Car en parallèle, elle convoque à l’aide du xylophone ou d’instruments à vent des sonorités plus expérimentales qui viennent souffler sur les cordes du violoncelle comme pour les amplifier et les déformer, et l’on pense distinguer en tendant l’oreille comme un bruit sourd d’aspirateur.

Le set est pensé pour explorer toutes les facettes de l’univers du groupe, soutenu par un écran diffusant l’apparition de plusieurs animaux dessinés à l’aquarelle dans des tons clairs et des traits incertains, oscillant entre un côté enfantin et un côté abstrait.

Anna Meredith nous plonge hors du temps et nous capte entièrement de par son esprit accrocheur et stimulant.

On s’accroche à des appuis imaginaires en attendant avec un mélange d’impatience et d’appréhension le décollage. L’implosion. Ou l’explosion. On ne distingue plus. On passe par tous les états, baladés entre l’électronique très poussé, le rock, les percussions et les respirations contemplatives.

D’une chanson à l’autre, qui semble toujours reprendre la dernière partie de la précédente pour la poursuivre et lui donner une nouvelle direction, un nouveau souffle, plane toujours dans le hall une once d’angoisse. Qui sait ce qui va nous arriver.

Sur scène, l’ambiance est détendue, les musicien-ne-s souples et souriants. Ce sont les instruments qui prennent le contrôle du concert, inversant les rôles, utilisant les moyens humains dont ils disposent pour raconter leur propre histoire à travers l’extension de leur propre musique et de leur propre mélodie. Avec toujours, le soutien de la surpuissance de la batterie et des percussions.

On aurait pu attendre un final digne de l’apothéose et là encore Anna Meredith en a décidé autrement. La polyphonie dont elle use avec son petit orchestre est cette fois mise au service du chant dans leur « morceau disco de Noël ». Alors que le groupe explorait les chemins d’un style indie singulier, il prend un tournant inattendu et aborde une pop très vaste qui nous projette tout à coup à la fin d’un film de Noël des années 90.

Un virage détonnant qui ne colle pas au reste du concert mais s’affiche finalement en parfaite adéquation avec les capacités du groupe anglais à nous trimbaler d’un genre à un autre, ou dans un genre nouveau de musique classique expérimentale et rock qui du côté de Rennes pourrait ressembler au terrain escarpé et brillant du musicien et compositeur Olivier Mellano.

MARTA REN & THE GROOVELVETS – 1h05 – HALL 3

C’est ensuite au tour de l’ancienne chanteuse de The Bombazines de nous enchanter lors de cette première soirée au Parc Expo. Marta Ren envoie une énergie qui nous cloue sur place mais ne nous empêche pas de danser au rythme de sa soul/funk rafraichissante et fascinante.

Sur scène, elle n’est pas seule. Elle est accompagnée de ceux qui vont rendre son groove percutant grâce au talent du saxophoniste, du trompettiste, du pianiste, du batteur, du guitariste et du bassiste.

Ensemble, ils balancent une musique entrainante, dansante et explosive. Le groupe portugais dépoussière la soul et d'une performance vocale ils en font un véritable spectacle hypnotisant.

Elle, elle attire le regard. Difficile de la quitter des yeux tant son dynamisme est envoutant. Marta Ren s’affiche combattante, conquérante, nourrie d’une énergie rock, limite punk. En tout cas, bestiale. Sa voix puissante, perchée, parfois nasillarde, est parfaitement maitrisée et assumée.

Elle chante l’amour, la déception et la désillusion mais sans fatalisme. Elle invoque les grands noms de la soul et flirte parfois avec l’esprit d’Amy Winehouse, sans pour autant essayer de l’imiter ou dénaturer son œuvre, et prend sa place, bien méritée auprès de ces talents. La chanteuse portugaise démontre dans son attitude et les textes qu’elle interprète une personnalité entière.

Elle réclame le respect et la dignité. Chanter les histoires d’amour et les sentiments, oui, mais pas à n’importe quel prix. Elle n’est peut-être pas la « regular woman » de l’homme dont elle parle mais elle n’est pas prête à tout accepter. Et elle sait faire la différence entre les « two kinds of men ». Elle a l’esprit vaillant, le sourire et l’énergie positive des grandes femmes. De celles qui assument la globalité de leur être et explorent toutes les facettes d’un être humain. Sans barrière.

Marta Ren & The Groovelvets font de la soul en 2016 mais ne renient rien ni personne. Et adaptent même « Light my fire » des Doors, que la chanteuse admire depuis longtemps. Le regard frétillant, elle se tourne vers ses musiciens : « Light my fire babies » et entame avec eux une version arrangée très jazzy, sensuelle et langoureuse.

Elle délivre son instinct félin et derrière son faux air de Jane Birkin jeune dévoile une dark lolita un peu rock qui ne tombe pas dans le travers d’une diva soul. Au contraire, elle joue avec le public d’attitudes aguicheuses et provocatrices et joue avec ses musiciens pour qu’ils l’émoustillent de touches très funk, mélangés à un côté rétro, type années 50 et 60.

Et ça groove dans le hall 3 pendant plus d’une heure, envoyant sur la fin une énergie sauvage et animale. L’effet est fulgurant et transcendant. Marta Ren & The Groovelvets laisse le souvenir d’une expérience bouleversante et nous marque de son empreinte de guerrière de la soul.

Les quatre musiciennes russes d’Iva Nova ont offert au Grand Soufflet une soirée de clôture dynamique et puissante. Leur énergie rock et girl power s’est propagée rapidement sous le chapiteau du festival, installé dans le parc du Thabor, samedi 15 octobre.

L’Argentine est le pays mis à l’honneur cette année mais ce sont les russes d’Iva Nova qui clôturent cette édition du Grand Soufflet. Mélange de rock, d’électro et de musiques slaves, c’est un spectacle psychédélique et festif que proposent Anastasia Postnikova (chant, clavier, percussions), Natalia Potapenko (accordéon, percussions), Galina Kiselesa (guitare, basse, percussions) et Ekaterina Fedorova (batterie, percussions).

Elles dégagent quelque chose de rock. Quelque chose de fort et de saisissant. Quelque chose qui s’apparente à de l’empowerment. La batterie cogne, les percussions accentuent la brutalité des sonorités et à cela s’ajoute la festivité du piano à bretelles.

Un joyeux mélange qui caractérise bien la proposition musicale de ces quatre musiciennes de St Pétersbourg, qui balancent une énergie viscérale et entrainante.

Le folklore de la musique slave s’exprime à travers le chant, la voix d’Anastasia Postnikova vibrant et résonnant dans l’ensemble du chapiteau. Les percussions marquent l’intensité des chansons influencées par des airs pop rock russes et sublimées par un univers novateur et futuriste, appuyé par l’harmonium et une modification vocale proche de celle d’un robot.

Chaque morceau est intense. Un grain de folie habite les musiciennes qui le partagent en toute générosité avec le public qui montre rapidement son enthousiasme. « Vous pouvez vous relaxer, on est russes mais pas des méchantes ! », plaisante la chanteuse en s’installant au clavier, pour y exécuter la partie calme du concert. Là encore, Iva Nova démontre sa capacité et son aisance à nous embarquer dans une aventure sensorielle incroyable.

Après plusieurs chansons dédiées à des femmes célèbres, ou non, elles nous content leurs vécus personnels. L’expérience de quatre musiciennes en tournée dans toute l’Europe. Et comme les paroles nous sont inaccessibles, elles nous invitent à laisser voguer notre imagination.

Guidé-e-s par les sons, les ambiances et les interprétations, festivaliers et festivalières se livrent à un lâcher prise réconfortant, suivant simplement les émotions délivrées par le spectacle.

Car il s’agit ici d’un véritable spectacle musical. Dans lequel chaque musicienne campe un rôle essentiel. Chacune se pare de son instrument mais aussi de percussions différentes. Et ensemble, elles recréent des mondes, des atmosphères et des histoires qu’elles interprètent sobrement devant les micros, qu’elles habitent par des danses sautillantes ou qu’elles théâtralisent avec intensité. Toujours avec des pointes d’humour qui apportent une habile légèreté.

Leur proposition est brillante, pleine de dynamisme et d’inventivité. Gratter les cordes de la basse avec une baguette de batterie instaure une ambiance imposante et quelque peu angoissante. Nous sommes dans un lit, endormi-e-s. « On ne vous promet pas d’être un bon rêve, peut-être un cauchemar… », murmure la chanteuse. Le rythme des instruments est plus lent, la voix de la chanteuse plus grave et son phrasé plus court, les sonorités plus psychédéliques.

Puis on se réveille, c’est le matin, « et le matin, c’est café, cigarette et exercices ! » Le tambourin résonne, l’accordéon se gonfle et se dégonfle à vive allure, les festivités joyeuses sont de retour. Avec leurs sourires s’entremêle un esprit sauvage et libre. Sans crier leur indépendance, celle-ci est flagrante et bouleversante.

Elles montrent, sans trop en faire, l’étendue de leurs talents et leur ingéniosité à s’emparer de tout ce qu’elles trouvent pour le transformer en arme musicale au service de leur univers et de leurs envies.

Elles puisent dans tout ce qu’elles sont et connaissent pour nous bringuebaler dans les contrées russes reculées, dans le bouillonnement de St Pétersbourg, sur les routes de l’Europe qu’elles traversent en bus avec leur équipe technique mais aussi dans l’intime et le quotidien.

« On dédie notre prochaine chanson à toutes les femmes ici, toutes les femmes dehors, toutes les femmes qui sont dans votre cœur messieurs, mais aussi toutes les femmes qui sont en vous si vous le sentez. La chansons s’appelle « The Witch » ! », scande Anastasia Postnikova avec ardeur. Si nous étions déjà convaincu-e-s par Iva Nova, le groupe finit de nous envouter par ce que les musiciennes transmettent avec poigne et sincérité.

Le Grand Soufflet boucle son édition 2016 sur un gros coup en présentant ces artistes complètes et détonantes dont on retient l’incroyable énergie communicative, la puissance musicale et la créativité artistique.

Maria Dolores n’aime pas seulement le tango… Elle aime également se donner en spectacle et divaguer entre une milonga et une reprise surprenante de la Compagnie Créole, façon Argentine. Accompagnée de l’Amapola Quartet, elle était sous le chapiteau du Grand Soufflet, au parc du Thabor, mercredi 12 octobre.

Elle avait juré de ne plus jamais chanter le tango. À cause des relations douloureuses qu’elle a vécu avec des musiciens argentins. Pourquoi ? « Parce que l’homme argentin est un condensé de tous les hommes de la terre ! », lâche-t-elle naturellement en arrivant sur la scène, vêtue d’une longue robe moulante noire et parée de ses longs gants et hauts talons rouges.

Elle fait référence au XIXe siècle, période durant laquelle l’Argentine connut d’importantes vagues d’immigration donnant lieu à un grand métissage.

« Il faut remettre les choses dans le contexte : ce sont des hommes seuls, sans femmes et enfants, qui ont débarqué dans le port de Buenos Aires. Résultat de ce métissage ? Le tango ! Et c’est un joyeux bordel car là où commence le tango, c’est dans les bars à puputes ! », s’exclame Maria Dolores, provoquant les rires du public.

Car à l’essor du tango entre 1890 et 1930, elle associe celui de la prostitution. Une manière d’introduire la chanson suivante, un hommage vibrant aux « femmes que l’on paye », « ces virtuoses de la cuisse ». Avant d’aller s’installer sur le côté de la scène se préparer un sandwich, nourrir son chien et se servir - au cubis - un verre de vin blanc.

C’est certain, Maria Dolores est un sacré personnage. Échappée de la compagnie Femmes à barbe, avec laquelle elle a remporté le Molière de la Comédie en 2016 pour la pièce Les faux british, Lula Hugot incarne aux côtés des musicien-ne-s de l’Amapola Quartet, une diva excentrique et délurée, « espagnole de souche, argentine de couche et rennoise de cœur ce soir », biberonnée au tango et aux joies de l’amour par une tante pleine de dictons, phrases toutes faites et théories plus ou moins fumeuses.

Elle joue les clichés, force l’accent et outrepasse les limites du social. Elle n’a pas de filtres, est impulsive, bavarde, envahissante et séductrice. Elle nous conte ses histoires d’amour et de sexe avec candeur, fraicheur et liberté. Maria Dolores aime les hommes.

De tous les âges, de toutes les tailles, de toutes les morphologies, de tous les pays, de tous les milieux sociaux. Et chante aux femmes son admiration et son féminisme qui s’écarte légèrement de celui de sa tante qui disait : « Quand on est une femme, on apprend à conjuguer le verbe supporter ».

Épaulée par Sandrine Roche au piano, Ariane Lysimaque au violon, Michel Capelier au bandonéon et Christophe Dorémus à la contrebasse, la chanteuse nous traine dans les caniveaux et sur les trottoirs de Buenos Aires, jusque dans les bars et salons de la capitale argentine.

La voix de la diva alliée à la musique et aux talents des musicien-ne-s de l’Amapola Quartet nous transportent et démontrent l’universalité du tango, en interprétant un Besame mucho aux couleurs internationales.

Emblématique de l’amour et de la sensualité, le tango s’illustre à travers une large palette de rythmiques et de variations d’intensité. Maria Dolores chante les liens indéfectibles entre deux amant-e-s, l’infidélité, les filles de joie ou encore les drames de la vie, qu’elle voit bien en couleurs. Et par plusieurs stratagèmes – aller chercher un cornichon en loge ou encore partir au milieu d’une chanson – s’extirpe de la scène pour la laisser au quartet.

Une alternance qui donne à découvrir cette musique métissée, plurielle et riche, en cassant par l’humour la tension dramatique qu’on lui attribue, notamment à travers sa danse envoûtante et poignante. « Mais ça rend fou le tango ! Après l’initiation que vous avez fait en début de soirée, vous êtes foutu-e-s. Maintenant, ça va être tango et toilettes sèches à toutes les fêtes ! », s’esclaffe Maria Dolores, qui ironisera régulièrement lors de la représentation sur l’installation des toilettes sèches sur le lieu du festival.

Pour preuve que le tango fait perdre la tête, le quintet se lance dans des reprises surprenantes et farfelues, voulant prouver que cette musique serait à l’origine de toutes les autres. Ainsi, Sabine Paturel (Les bêtises), Mickael Jackson (Billie Jean), Madonna (Like a Virgin) et la Compagnie Créole (Au bal masqué) s’en seraient inspiré-e-s.

Avec beaucoup de dérision, et d’auto-dérision, Maria Dolores recoud dans nos esprits l’histoire de la musique tango ainsi que de sa danse.

« L’homme est au bar et regarde la femme avec qui il veut danser. La femme, elle, est assise et attend. Forcément, c’est une femme. L’homme lui fait un signe de la tête. Elle acquiesce, ils se rejoignent au milieu de la piste, ou elle fait mine de ne pas le voir. Je trouve ça bien. Ça offre le choix à la femme de refuser ou d’accepter. Et à l’homme de ne pas se prendre un râteau, comme vous dites en France, avec vos expressions agricoles. », plaisante-t-elle.

Pour autant, l’humour n’envahit pas la quintessence du propos. Il le sublime, lui donnant une toute nouvelle dimension. Musique et danse de caractère, de passion, d’amour, de sensualité, de tension, d’agitation, de nostalgie et de solitude, le tango vibre et résonne comme une essence vitale.

Des tenues étincelantes, un groove électro disco et une forte signature années 80, le groupe Minuit a proposé un flash musical ambiancé et enthousiaste dimanche 24 avril, dernier jour du festival Mythos, au Cabaret botanique.

Dès les premiers mots que la chanteuse prononce, elle ne peut tricher sur son héritage familial. Fille de Catherine Ringer et de Fred Chichin, Simone Ringer a développé la même voix et manière de chanter que sa mère. Avec son frère, le guitariste Raoul Chichin, elle monte le groupe Minuit, accompagné de quatre autres musiciens.

Ensemble, ils sortent un EP en septembre 2015, Minuit, dans lequel ils perpétuent le son d’un des couples mythiques du rock français. Mais sans la prétention de reproduire les chansons des Rita Mitsouko. Non.

Malgré le clin d’œil et les influences clairement puisées dans la musique des années 80, le groupe Minuit travaille à son propre grain de folie.

Et de cette époque vieille de 30 ans, ils s’imprègnent des histoires et de la manière de les raconter. Avant chaque chanson, Simone Ringer délivre une phrase, une exergue, poétique qui pose le décor de ce qu’elle va nous conter. L’exil, l’envie d’ailleurs, l’appel des racines, le manque du ciel gris de Paris, les routes, la brume, le vertige…

C’est un road trip musical que nous propose Minuit ce dimanche dans le parc du Thabor. Et si le concert commence à 18h et que le règne du jour ne s’achèvera que quelques heures plus tard, l’ambiance instaurée sous le chapiteau nous fait oublier l’extérieur. On visualise la nuit qui tombe, le champ des possibles qui s’étend à perte de vue devant nous.

À présent, tout est envisageable. On peut passer d’une nuit de défonce avec « Caféine » à une résolution psychique vitale dans « Recule ». La chanteuse conte le quotidien, réaliste ou psychédélique, et nous invite à l’évasion mentale.

Ici, pas de fatalité, pas de noirceur qui assombrit le présent et l’avenir. Mais de l’émotion simple, spontanée, transposée dans une écriture qui nous emporte au cœur de leur univers.

L’instant est agréable. Pas transcendant mais bon. Tout simplement. On se laisse prendre par le déhanché qui nous titille sur les sonorités électro du synthé et les notes aigues des guitares.

Minuit nous emmène dans un road trip non linéaire. On y prend parfois des virages, on y fait parfois des arrêts. On se prend une caisse la veille, et on repart au petit matin, quand le jour commence à peine à se lever. On croise des personnages mythiques comme la sensuellement dangereuse Poison Ivy.

La musique est alors plus lascive, les rythmes lancinants, les accords plus tendus. Une passion électrique, un charme évident. On est séduit-e-s instantanément et pendu-e-s aux lèvres de l’interprète qui se glisse avec talent dans la peau de cette femme fatale. Elle a un côté théâtral, Simone Ringer, une lueur de folie dans le regard. Mais elle aborde sa théâtralité et sa sauvagerie avec justesse, finesse et retenue.

Ce qui lui permet de jouer entre les niveaux de lecture des textes qu’elle dévoile. Une sorte de détachement à la Philippe Katerine se note lorsqu’elle chante sur « le mal de crâne ». L’étincelle Minuit n’est pas encore la flamme Mitsouko mais certains morceaux sont déjà des succès comme « Flash » ou « Caféine », preuves que le groupe s’est imposé sur la nouvelle scène française.

En nous embarquant dans leur périple d’aujourd’hui et d’hier, aussi rock qu’électro pop teinté de disco, Minuit crée l’événement et parcourt surement et sagement son chemin coloré, entrainant et séduisant. On veut entendre davantage de récits, trainer quelques heures de plus avec eux dans les rues parisiennes quand le jour débarque une fraiche journée d’été ou encore croiser d’autres figures mythiques.

Et une dernière figure emblématique d’une époque musicale surgira de leurs instruments pour un hommage à un artiste adulé par le groupe, décédé quelques jours plus tôt : celle de Prince et de son tube « Kiss ». Un clin d’œil qui clôture le concert sur une note emplie d’émotions et de sourires.

Après le phénomène électro cosmopolite Jain, c’est au tour d’Izia de monter sur la scène de Mythos, au cabaret botanique samedi 23 avril. Electrisante et grisante, la chanteuse ne s’épargne pas et ne nous épargne pas. Un show à couper le souffle.

En arrivant sur scène, elle attaque directement par d’anciennes chansons en anglais. Pleines d’énergie et chargées d’esprit rock. Les chevaux qu’elle lâche se cabrent, hennissent et partent au galop en écrasant tout sur leur passage. Plus redoutable qu’une éruption volcanique, Izia est une déferlante magistrale de coups de tonnerre.

« Vous êtes des putains de Bretons ! (…) J’aimerais te voir te secouer la Bretagne ! », scande-t-elle, dégoulinante de sueur après trois chansons. Elle a besoin d’une réponse du public à la hauteur de ce qu’elle lui donne.

Sa musique sans compromis ni complexes nécessite une folie partagée. Il n’est plus question ici de lâcher prise mais de dépassement de soi.

De son franc parler, elle s’impose : « Je ne veux pas voir ton putain d’Iphone, de putain de bout de plastique qui pourrit la vie alors tu ranges ça, tu te le carres où tu veux, ça ne me regarde pas et tu sors tes putains de mains et tu les joins ensemble. »

Et là dessus entame les chansons de son dernier album sorti en 2015, La Vague. Après deux disques de rock acerbes en anglais, voilà que la fille Higelin se baigne dans l’électro pop en langue de Molière.

L’opus est critiqué, sévèrement réprimé, la jeune chanteuse est comparée à Christine and the Queens, coup dur pour celle qui est entrée dans le milieu de la musique depuis pas moins de 10 ans…

On pensera ce que l’on veut de ce virage opéré peut-être par facilité ou volonté de coller à la tendance musicale des jeunes groupes français, toujours est-il qu’en live elle fait l’unanimité, dans une pop déchirante et envoutante et ne s’économise pas, au contraire. Elle impressionne de par sa posture sûre d’elle et rentre dedans. Et on se demande par moment comment distinguer le vrai du faux, l’authentique de l’artificiel.

Syndrome de l’électron libre, elle bouscule son environnement avec brutalité et tombe parfois dans le too much.

Sa voix rocailleuse flirte de temps à autre avec un filet nasillard qui agace et perturbe mais on ne lui en tient pas rigueur tant elle partage avec le public son besoin vital de se défouler et d’exulter.

Elle explore sans contraintes ni limites son côté sauvage et animal et propose aux festivalières et festivaliers d’en faire de même.

« Je voudrais que tu essayes de renouer avec ton animal totem, que tu visualises très précisément ton animal total. Je veux que tu sentes ces poils, ces écailles, que chaque partie de ton animal devienne toi et que tu deviennes lui. Tu sens la chaleur dans ton ventre, tu sens ton corps en ébullition. », lâche-t-elle avant d’interpréter « Reptile », dans une explosion sonore et émotionnelle.

Izia joue de sa sensualité et de la tension animale qu’elle dégage. Il y a de la férocité dans son regard de prédatrice qui observe sa proie et s’amuse à l’épuiser avant de la dévorer.

Il y a du feu dans ses yeux et de la combustion dans son corps qui s’anime dans une danse effrénée. La musique comme exutoire et la scène comme défouloir.

Elle bouge dans tous les sens, passe derrière la batterie pour un instant à 4 baguettes et tape de toutes ses forces sur les caisses de l’instrument. Le Magic Mirror est en ébullition, l’ensemble du chapiteau tremble, les enceintes crachent et la mue opère.

Les enveloppes charnelles humaines tombent, dévoilant crinières, queues écailleuses, échines et flancs massifs. Le safari et la jungle que Jain avait instaurés en décor musical le temps d’une chanson, Izia l’accomplit et transforme le public en redoutables prédateurs d’un univers terrifiant, intriguant et déroutant. La tension est maximale, la pression quasi insoutenable.

Et quand tout s’arrête, que le silence s’installe, ne serait-ce qu’un dixième de seconde, c’est le soulagement. Les battements du cœur ralentissent et retrouvent l’apaisement nécessaire à notre survie. La bourrasque Izia laisse des séquelles. Et nous vide de toutes les tensions.