Mardi 7 avril, la comédienne Cécile de France était de passage à Rennes pour l’avant-première du nouveau film de Denis Dercourt, En équilibre, dans lequel elle donne la réplique à Albert Dupontel. 

Dix ans déjà que les deux comédiens ont tourné ensemble dans Fauteuils d’orchestre, de Danièle Thompson. Actuellement – sortie en salles à partir du 15 avril – ils partagent l’affiche d’un mélodrame signé Denis Dercourt, adapté du livre de Bernard Sachsé, Sur mes 4 jambes.

Lui, se glisse dans la peau de Marc, dresseur de chevaux et cascadeur pour le cinéma, paraplégique en fauteuil roulant à la suite d’un accident sur un tournage. Elle, incarne Florence, employée d’une compagnie d’assurance gérant le dossier de Marc. Leur rencontre va les entrainer sur les cimes des passions, exacerbée chez lui, enfouie chez elle, et pourtant intactes et vives des deux côtés.

Ce pourrait être une rencontre banale, une histoire d’amour comme on en voit beaucoup. Mais le réalisateur, Denis Dercourt, qui s’attaque pour la première fois « au genre mélo », choisit la subtilité, la délicatesse, les non-dits et maintient le spectateur à l’affut de la moindre réaction permettant de percer à jour les pensées camouflées dans les esprits des personnages, brillamment interprétés par Cécile de France et Albert Dupontel.

Ils ont cette force en commun : savoir libérer puissance et douceur, laisser surgir et planer une souffrance mélancolique dans leurs regards et leurs silences. « Albert m’a dit qu’il n’avait pas besoin de jouer. Qu’il comprenait la colère de cet homme, puisqu’il a lui-même failli rester handicapé, jeune, à cause d’une maladie. », explique Denis Dercourt. Cécile de France, elle, avoue aimer la magie et l’alchimie qui se jouent dans ces moments-là, sans révéler ce à quoi elle pense sur les tournages.

« Tout va très vite quand on tourne. Mais c’est important d’être dans la retenue. Dans la tête de Florence, on imagine bien qu’il doit y avoir un milliard de questions. La retenue permet de conserver le conflit interne », dévoile la comédienne belge. Dans En équilibre, le rôle de son personnage a été inventé de toute pièce, l’histoire de Marc étant basée sur celle véritable de Bernard Sachse, cascadeur et cavalier paraplégique.

Florence, elle, a pris forme au fur et à mesure. Employée dans une compagnie d’assurance, « bon soldat », comme dira son interprète, chignon « hitchcockien » bien tiré sur le haut du crane, mère de famille et épouse paisible, peu épanouie mais investie, elle va se révéler au contact de Marc et au travers de sa passion manquée, le piano.

« La rencontre, c’est le déclic. Une porte qui s’ouvre. L’aventure avec Marc est une parenthèse mais qui ouvre une porte, qui fait bouger la vie de cette femme qui a cette passion, ce rêve d’enfant et qui en est passé à côté à un moment. »

Cécile de France, comédienne.

Pour Cécile de France, Florence aime sa famille, son mari – « et les réactions de ce dernier sont dans la délicatesse, la finesse, ce n’est pas un cocu niais » – et c’est ce qui lui plait, de se dire que l’on peut vivre cette parenthèse, cet instant de vie, « sans être obligée de tout casser, tout envoyer balader ».

Et c’est avec finesse et émotions que le film se déroule et que les spectateurs entrent dans les vies de Marc et Florence, qui se croisent, se déstructurent avant de trouver leur point d’équilibre. La mise à nue se fait crescendo, affranchie de tout jugement, et mêle douceur et force de vie, sans toutefois – malheureusement - réussir à saisir pleinement l’indomptable puissance viscérale qui permet de transcender l’esprit au-delà du raisonnable.

 Jeudi 5 mars, l’actrice Emma de Caunes était accompagnée du réalisateur Olivier Jahan afin de présenter leur nouveau film, Les châteaux de sable, en avant-première au cinéma Gaumont de Rennes. Visible en salles dès le 1^er avril.

Les châteaux de sable, un titre en référence à la chanson de Brassens, à l’image de quelque chose qui se construit et se déconstruit, à l’enfance. Parce que ce film aborde tous ces points. À travers le personnage principal, interprété par Emma de Caunes, le scénario tisse des situations émotionnellement intenses autour de différents questionnements, notamment l’après-couple, le deuil et la difficulté à faire un choix.

Au départ, l’histoire se veut simple. Éléonore, photographe à Paris, doit se rendre dans les Côtes d’Armor pour y vendre la maison de son père (Alain Chamfort) décédé deux mois auparavant. Elle demande à Samuel (Yannick Renier), son ex-compagnon, de l’emmener. Ils vont partager leur vie à nouveau, le temps d’un week-end. Ni amis, ni ennemis. Ils vont mettre les rancœurs de côté, puis les déballer, s’en libérer, jusqu’à tout presque mettre à plat pour envisager un nouveau départ, ensemble ou séparément.

Olivier Jahan joue subtilement avec les émotions toujours à vif, à fleur de peau, pour maintenir une tension soutenable, et livre ici une vision sans jugements de ses personnages. « À la base, c’est un peu mon histoire. On a tourné dans la maison de mon père, celle dans laquelle il a vécu les dernières années de sa vie. Puis j’ai connu justement les visites pour la vente, l’agent immobilier qui nous parle pendant des plombes de la fosse sceptique… Et il faut se dire qu’il y en a 2 dans la maison ! », plaisante-t-il.

Son film, il en parle avec modestie et fierté. Les yeux brillants, le sourire large et l’envie de transmettre tous les bons moments et souvenirs du tournage rapide et intense. Une aventure à laquelle il a immédiatement convié Emma de Caunes, qu’il connaît bien pour avoir travaillé avec elle à plusieurs reprises.

« Même sans lire le scénario, j’aurais pu lui dire oui, tellement je lui fais confiance. Et je savais qu’il pourrait écrire un rôle quasiment sur mesure pour moi », explique l’actrice.

UN RÔLE SUR MESURE POUR EMMA DE CAUNES

Et ce rôle, elle l’incarne avec une justesse et un naturel qui lui est propre. Puisant dans son vécu pour donner vie à son personnage, elle précise néanmoins, et à juste titre, qu’elle ne ressemble pas à Éléonore. Qu’elle rêvait simplement de cette proposition :

« J’étais tellement contente que l’on me donne un rôle de Femme avec un grand F ! De mon âge ! Éléonore est à une période charnière, elle doit faire un choix, et elle doit avancer. C’est exactement ce dont j’avais envie ! »

Pour l’actrice, le cinéma français n’offre pas suffisamment de rôles aux femmes de 40 ans et plus. Elles sont les femmes de, les personnages secondaires ou les héroïnes de films d’action, en costumes. Trop rare est le visage de la quadra porté au devant de l’écran. Ce phénomène, Emma de Caunes l’interprète de manière personnelle, en fonction de son parcours : « En France, on aime que les gens entrent dans des cadres et y restent. Moi, j’ai un peu brouillé les pistes je pense, en étant comédienne, actrice, djette et en faisant une émission de musique sur Canal +… Et j’ai connu le succès très rapidement et très jeune. Je ne regrette rien mais si je devais refaire certaines choses, je prendrais plus mon temps je pense. Mais chez les de Caunes, on va toujours là où le vent nous porte, on aime faire ce que l'on veut. »

Un point sur lequel elle s’accorde avec Olivier Jahan, absent pendant 15 ans de la réalisation de long-métrage. « J’étais catalogué sélectionneur de la Quinzaine des réalisateurs, et puis j’avais fait un premier film qui n’avait pas trop marché… À une époque, on acceptait que le premier film ne fonctionne pas très bien et on accompagnait les jeunes artistes, maintenant c’est fini. Je suis arrivé à une période où ce n’était plus possible. Donc difficile de faire un deuxième film. », confie-t-il.

UN VOYAGE INITIATIQUE, FÉMININ ET UNIVERSEL

Et à force de persévérance, et un coup de folie qui a transformé une partie de son histoire en un film, Les châteaux de sable éclosent et nous délivrent un instant de vie soigneusement pensé. D’une histoire banale, on passe à un voyage initiatique original -  « couillu et moderne » aussi nous dira Emma de Caunes en rigolant - grâce à l’apport de la narration en voix off. Un procédé qui nous emmène dans les souvenirs des personnages, qui nous renseigne sur qui ils sont et surtout qui nous accompagne dans les différentes réflexions. En laissant le soin aux spectateurs-trices d’interpréter les diverses réactions, et de s’approprier leurs émotions.

C’est ça la force du film. Apporter des pistes de réflexion sans se noyer dans des vérités absolues, banales et dangereuses. Simplement montrer cette femme adulte, déboussolée, qui vient de perdre son père, qui doit vendre la maison familiale. Encore séduite par cette Éléonore qui fait sens en tant que personnage féminin, qui interroge la place d’une femme dans son évolution, mais en tant également que personnage universel, Emma de Caunes s’enthousiasme :

« Elle est magnifique ! Au début du film, c’est une petite fille qui perd son papa et elle termine en étant grandie. Elle a fait un choix et elle avance. »

Le film aborde les difficultés relationnelles père-fille et homme-femme sans lourdeurs et sans superflu. Le talent de ce film, que l’on doit aux acteurs mais aussi au réalisateur et aux scénaristes, réside aussi dans la capacité à garder l’histoire légère tout en partageant des émotions brutes, sans viser l’apaisement que l’on finit malgré tout par ressentir.

Pour le réalisateur, « Les châteaux de sable, c’est un couple déconstruit qui va petit à petit se reconstruire ; c’est la mort d’un être aimé ; c’est l’acceptation du deuil ; le choix de rentrer dans l’âge adulte… C’est tout ça à la fois, on a voulu faire plusieurs points d’entrée dans le film. » Fait dans l’urgence, le film progresse pourtant à vitesse modérée, sans prendre de détours dans les actions montrées, mais sans oublier toutefois de nous conter une histoire intelligente et intelligible, ambitieuse et émouvante.

Pour clôturer le festival Travelling, la réalisatrice Marjane Satrapi – dessinatrice de l’affiche Travelling Téhéran en 2003 et marraine de l’édition junior en 2004 - présentait son nouveau film, The Voices, mardi 10 février, en avant-première au cinéma Gaumont de Rennes.

« Aux Etats-Unis, il y a tous les peuples du monde. On est très vite considéré comme individu à part entière. », explique Marjane Satrapi quand on lui demande pourquoi elle s’est expatriée outre Atlantique pour son dernier film, The Voices (qui a été tourné en Allemagne) présenté en avant-première à Rennes. Ce soir-là, le mardi 10 février, dans le hall de son hôtel, elle semble lassée de l’étiquette « française d’origine iranienne ». Elle ponctue alors son propos d’un « on fait du cinéma pour tous les peuples » ! Il faut dire que depuis 2007, date de sortie de Persepolis, long-métrage adapté de sa bande-dessinée éponyme, la réalisatrice s’est entourée d’un agent américain.

Depuis, elle a reçu des tonnes de scénario. Sur les enfants, sur le monde arabe et sur les femmes. « Comme si j’étais une spécialiste ! Alors que pas du tout. », s’exclame-t-elle, un brin blasée mais flattée mine de rien. On lui propose même Maléfique, avec Angelina Jolie et un gros budget. Elle refuse. Ce genre de film l’emmerde, « et quand le boulot ne me plait pas, je ne le fais pas. » Ce qu’elle veut, précisément, c’est un film indépendant, américain, qui mêle défi artistique et challenge intellectuel. Marjane Satrapi se montre exigeante et sûre d’elle :

« Là-bas, chaque décision doit être justifiée, ce qui est éreintant. Mais à l’usure, personne ne me bat dans le monde entier ! Quand je fais un film, je mets 2 ans de ma vie dedans, je suis donc convaincue de ce que je fais ! »

COMÉDIE JOYEUSEMENT MACABRE

Le jour où elle reçoit le scénario de ce qui deviendra son nouveau film, elle se laisse séduire sans réticence aucune par ce serial killer avec lequel elle compatie, pour la première fois, et avec le chat et « son air de va te faire foutre ». Ce serial killer, c’est Jerry, un psychotique aux allures de benêt bien cadré dans sa petite vie à Milton et très investi dans son nouveau boulot au service emballage d’une usine de baignoires. Le chat, c’est Mr. Moustache, un animal de compagnie arrogant et cynique, à l’accent écossais. Il est accompagné de Bosco, un chien un peu pataud et surtout très raisonnable, à la voix grave et lourde.

Car dans The Voices, les deux compagnons parlent, et discutent avec Jerry, représentant ainsi sa propre conscience dans son monde imaginaire et fabuleusement macabre. Un monde dans lequel il évolue lorsqu’il ne prend pas ses médicaments. Rapidement, il se fascine pour Fiona, du service compta, dont le désir n’est pas partagé. Le corps de la jeune femme finira dans une multitude de Tupperware parfaitement rangés en damier dans l’appartement du tueur et sa tête strictement tranchée dans le frigo.

Marjane Satrapi ne peut s’en cacher : elle a un faible pour l’esthétique dans les films et aime donner une couleur particulière à chaque histoire. Après Persepolis et Poulet aux prunes, elle soigne encore une fois le décor et l’ambiance de son œuvre, et se rapproche ici d’une mise en scène sans imperfections à la Wes Anderson. Dans nos fauteuils, on jubile au vu de cette ressemblance, et la réalisatrice en profite pour prendre l’avantage. Elle nous surprend ainsi de par la froideur et la simplicité des scènes gore et se découvre au passage une nouvelle passion :

« Je ne voulais pas trop de sang. Mais en fait dès la première giclée, je criais « Encore, encore plus ! », j’ai adoré ça ! Par contre, j’ai fixé une limite dans le film, on ne voit jamais de lame entrer dans les corps, ça c’était trop. »

FEMMES DÉCAPITÉES

L’histoire est cocasse, l’humour grinçant et le casting succulent. Ryan Reynolds se glisse avec aisance semble-t-il dans le rôle du serial killer dépassé par les événements, et surtout par ses émotions incontrôlables et son libre arbitre dont il est mal affublé. « Il a le regard inquiétant, le sourire juvénile et enfantin, on lui donnerait le bon dieu sans confession », s’exalte Marjane Satrapi.

Affranchie de tout jugement, la réalisatrice affiche un parti pris singulier en nous faisant compatir avec le personnage principal. Le spectateur, ébahi par le monde coloré et sucré, tout en restant réaliste et parfois violent, encourage au fond de lui Jerry à ne pas prendre son traitement, désireux de se maintenir dans cet univers fantastique. Pourtant, dans cet univers, les femmes en lien avec Jerry perdent vite la tête.

« J’ai voulu montrer des femmes différentes. Et pas la blonde, 40kg, victime. Il y a la délicieuse Fiona (Gemma Aterton) qui n’a pas un corps très moderne mais très beau quand même, il y a Lisa (Anna Kendrick) la petite mignonne qui le séduit et Alison (Ella Smith), très ronde, qui elle aussi le droit d’être amoureuse de lui », détaille Marjane Satrapi, qui n’oublie pas non plus la psychiatre (Jacki Weaver) qu’elle a voulu volontairement plus âgée pour contrebalancer les figures féminines trentenaires susceptibles d’intéresser sentimentalement le personnage principal.

Entre rires et émotions, le film atteint son objectif, sans jamais poser la question du réalisme absolu du scénario qui se veut possible et cohérent, sans tomber dans les travers d’une reconstitution de faits divers sordides.

Sortie en salles, le 11 mars 2015.  

Mercredi 4 févier, le ciné-TNB projetait en avant-première le deuxième long-métrage de Bernard Bellefroid, Melody. Le réalisateur, présent à Rennes ce soir-là en compagnie de la comédienne Lucie Debay, lève le tabou de la gestation pour autrui (GPA) mais pas seulement et saisit avec justesse la complexité de situations singulières.

Présenté dans le cadre du festival Travelling Oslo, le film Melody est un délice. Rien n’est fait pour mettre le spectateur à l’aise, ni même pour l’épargner. Les émotions sont indissociables des respirations haletantes de la salle qui vibre au rythme de l’histoire. Une histoire a priori simple, au départ. D’un côté, Melody, une jeune femme de 28 ans, née sous X, décidée à ouvrir son salon de coiffure mais démunie financièrement et dans l’incapacité de se voir accepter un prêt. De l’autre, Emily, une femme d’affaires, la quarantaine passée, qui vit en Angleterre, décidée à avoir un enfant toute seule mais démunie biologiquement et dans l’incapacité de tomber enceinte.

Melody envisage rapidement de devenir mère porteuse moyennant une grosse somme d’argent ; une requête qu’Emily accepte sans trop hésiter. « Mon personnage, Melody, observe beaucoup l’autre femme. Je crois qu’elle est impressionnée par cette femme. La GPA se fait parce qu’elles se plaisent l’une à l’autre. Et finalement, elle se rapproche, se méfie et sait que ce qu’elle a en elle appartient à quelqu’un d’autre », décrypte Lucie Debay, comédienne, qui interprète ici son premier grand rôle principal.

Inspirée par la grossesse qu’elle n’a pas eue, elle se plonge à bras le corps dans la tête de son personnage en lisant les différentes versions du scénario, dont la réécriture s’effectuera en Bretagne grâce à la résidence de Bernard Bellefroid au groupe Ouest.

LA GPA, AU-DELÀ DU JUGEMENT

« Le film parle aussi de liens très fort envers ces 2 femmes. Car je crois que la GPA n’est rarement qu’une histoire d’argent. Ici, Melody est une femme socialement isolée, elle est née sous X, elle évolue dans une société où il n’y a plus de travail. Elle a besoin de créer, d’offrir et de se sentir utile. », précise Lucie Debay qui insiste, approuvée par le réalisateur, sur la complexité de la situation, au-delà du rapport marchand.

Un point auquel Bernard Bellefroid ajoute la singularité :

« On nous a reproché de faire un film clivant au niveau des classes sociales. Une femme riche qui demande à une femme pauvre de porter son enfant. Car ça pourrait être parce qu’elle ne veut pas déformer son corps, par exemple, ça arrive ! Mais il s’agit ici d’une situation en particulier. On aurait pu avoir plein d’autres scénarios, tellement il y a de cas différents. »

Melody ne peut se réduire à la gestation pour autrui. Point de départ de l’histoire, elle sert de support à une série de questions philosophiques et morales. Sans jamais porter de jugement, malgré un parti pris très assumé par le cinéaste belge : « C’est la moindre des choses. C’est notre devoir de réalisateurs de traiter les sujets pas sexys, qui dérangent. On éructe beaucoup sur ce sujet mais est-ce qu’on essaye de l’approcher ? Dans ce film, on cherche à comprendre plutôt qu’à juger ! »

L’HISTOIRE, AU-DELÀ DE LA GPA

Si la Belgique est plus avancée sur les questions de PMA (Procréation Médicalement Assistée) et GPA – la PMA est autorisée pour les couples de même sexe et la GPA n’est interdite par aucune législation - que la France, l’obtention de financement n’aura pas été une mince affaire. Le film sera finalement soutenu par la Belgique, le Luxembourg et la Bretagne ; saluons non sans pointe de chauvinisme une co-production avec entre autre Mille et Une Films (Rennes) et un tournage à la Presqu’île de Crozon.

« Ça fait peur à la France ! Surtout que nous avons débarqué en pleine névrose du mariage pour tous. Mais nous ne sommes pas dans les extrêmes, au contraire, on peut se rassembler, créer du lien »

explique Bernard Bellefroid.

Au fil de son œuvre, il nous livre une trame parsemée d’histoires satellitaires empruntes d’émotions vives et brutes. La relation naissante entre Melody et Emily est un fil conducteur subtil pour dérouler la pelote du lien et de la confiance. Puisqu’il s’agit bel et bien de lien. De l’abandon d’une mère accouchant sous X découle des problématiques profondes et durables.

FEMMES ESQUINTÉES PAR LA VIE

Et de ce mal-être, Melody en est imprégnée et ne s’en sépare quasiment jamais, comme incapable de lâcher prise tant qu’elle ne sait pas d’où elle vient et qui elle est. Dans le regard maternel d’Emily, elle trouve parfois réconfort et apaisement. Pourtant, leur relation se base sur un déséquilibre et celle qui, au départ se trouve être la dominante de par son pouvoir financier, prendra le rôle de la dominée, livrée à la seule volonté de celle qui porte son enfant.

Abandonnera-t-elle à son tour cet être qui grandit en elle tout en ne lui appartenant pas ? La confiance est l’unique recours à toutes les angoisses qui nourrissent et/ou pourrissent leur quotidien commun de femmes esquintées par la vie. Les barrières tombent, petit à petit les masques aussi, et toutes les questions sont possibles. Le droit de connaître ses origines – la France étant le seul pays autorisant encore la naissance sous X – la gestation pour autrui, le désir d’être mère, le vécu de la grossesse et la découverte de l’enfant tout juste né… les thèmes sont lourds de sens et servent à questionner notre rapport à ces derniers, que l’on soit homme ou femme.

De l’immensité de la nature se heurtant à la rigidité de la morale ne subsiste que la pureté et la vivacité des émotions que dégagent les deux personnages féminins qui se reniflent et s’apprivoisent, dans la dualité douceur-résistance. La finesse du film repose sur la beauté et la justesse du jeu des deux actrices – Lucie Debay et Rachael Blake, qui ont obtenu toutes les deux ex-aequo le prix d’interprétation au Festival des films du monde de Montréal 2014 – et vice versa puisque ni l’une ni l’autre ne cède à des facilités scénaristiques ou ne sombre dans les méandres d’une relation psychologique complexe tournant soudainement à la simplicité mielleuse anti-naturelle.

L’histoire de Melody est loin d’être banale et d’être traitée de manière banale. Bernard Bellefroid, proche à ses débuts des Frères Dardenne, nous offre ici un deuxième long-métrage signé de son empreinte personnelle et malgré un sujet de départ très réaliste se détache complètement du documentaire. Il livre une fiction d’une grande beauté appuyée par la force du jeu des actrices, un joyau brut que l’on prend en pleine face.

La sortie est prévue en salles le 6 mai. Bernard Bellefroid devrait dès lors entamer une tournée bretonne.

Dans son recueil, L’Amour la poésie, Paul Eluard décrit en quelques vers l’attente, l’absence et la disparition d’un être aimé. C’est ce poème, évoquant « Le front aux vitres comme font les veilleurs de chagrin », qui a inspiré la réalisatrice Frédérique Odye pour le titre du documentaire Les veilleuses de chagrin qu’elle présentait en avant-première samedi 17 janvier, au cinéma Arvor, à Rennes.

Le front aux vitres comme font les veilleurs de chagrin
Ciel dont j’ai dépassé la nuit
Plaines toutes petites dans mes mains ouvertes
Dans leur double horizon inerte indifférent
Le front aux vitres comme font les veilleurs de chagrin
Je te cherche par-delà l’attente
Par-delà moi-même
Et je ne sais plus tant je t’aime
Lequel de nous deux est absent.

Paul Eluard, extrait du recueil L’Amour la poésie.

Elles viennent de Loctudy, Le Conquet, Saint-Malo et Cancale, et sont les veilleuses de chagrin. « Ce sont des femmes qui attendent, qui veillent le retour de leurs maris marins. Et le chagrin fait référence à la mélancolie. Et à l’expression « Femme de marin, femme de chagrin » ! », explique Frédérique Odye, rennaise d’adoption depuis 12 ans.

Originaire de Cherbourg, elle est fille de marin et a vu durant sa jeunesse sa mère attendre le retour de son époux. Elle a toujours côtoyé la poésie qui écume les bords de mer et les inquiétudes qui virevoltent dans les embruns de l’océan. « Je me souviens qu’une fois, un accident est arrivé et ils ont perdu 2 marins. Une des veuves était enceinte », se rappelle-t-elle.

UN MILIEU PUDIQUE

Être issue de ce milieu lui permet de tisser des liens avec les femmes qu’elle rencontre dans le cadre de son documentaire. Malgré tout, il lui faudra 2 ans pour trouver les cinq veilleuses de chagrin de son film, dont deux qui seront intégrées 2 semaines seulement avant le tournage : « C’est un milieu très pudique, il est difficile de les faire témoigner. C’était la première fois qu’elles en parlaient comme ça. »

Plusieurs années auparavant, Frédérique Odye avait embarqué 3 jours avec des marins pêcheurs pour le documentaire La mer qui les voit danser. En mer, elle filme, leur quotidien, rythmé par le bruit permanent du moteur. Un bruit qu’elle connaît bien.

Et c’est en voyant les familles présentes sur le port au terme de ce périple qu’elle décide de filmer celles qui attendent et restent sur la terre ferme.

Dans Les veilleuses de chagrin, on les voit femmes, amies, épouses et mères. Elles témoignent de leur quotidien, nourri par une forme d’indépendance dont elles disposent en l’absence de leurs maris mais également par la tenue de la maison, l’éducation des enfants, les infos données par la radio… Elles dévoilent avec pudeur leurs émotions quant à cette vie particulière et livrent la dualité qui s’installe entre manque de l’être aimé et envie que ce dernier reparte. Habituées de cette alternance, elles ont accepté le rythme et l’attente imposés.

UNE NATURE SANS PITIÉ

Le pire, elles l’envisagent. Mais passent outre. « Une fois que j’ai entendu le nom du bateau de mon mari à la radio, je coupe, je n’écoute pas le reste. Savoir qu’il va bien, c’est tout ce qui compte pour moi », confie l’une des deux bigoudènes de Loctudy (29). Il y a le R.A.S qui les rassure et les apaise quelques instants.

Mais lorsque le vent souffle sur les côtes bretonnes et s’embrase dans les volets et que les vagues roulent pour s’éclater lourdement sur le sable humide et mousseux, les esprits voguent sur les flots d’un imaginaire angoissant car on sait qu’au large, la tempête sévit sans concession et sans pitié. Pour Frédérique Odye :

« les marins sont des conquérants de la mer. Ils sont au milieu de rien. Et la nature est toujours plus forte. »

Et pour trois des veilleuses, leurs hommes ne rentreront pas. Elles affronteront le deuil de ce mari pris par la mer. Que l’on ait retrouvé le corps, ou non.

La réalisatrice nous saisit, entre scènes du quotidien, témoignages face caméra et paysages naturels. Entre silences et musiques mélancoliques (signée Matt Elliott). Entre poésie, solitude et force. Entre sourires et larmes. Le sujet est traité avec sensibilité et justesse, et nous transporte dans cette vie de femmes de marins, sans jamais franchir la ligne du « tire larmes ». Un joli documentaire, à la limite de l’onirisme, emprunt de tendresse, de souffrance et d’amour suspendu dans le temps.

Et si vous alliez voir un spectacle chez votre voisin dont vous avez toujours rêvé de voir l'aménagement intérieur ? C'est à peu de choses près ce que propose le concept Hors Lit. Des artistes effectuent une série de performances chez des particuliers qui acceptent, le temps d'une soirée, de prêter leur intérieur. YEGG a testé pour vous.

Par une froide soirée de novembre, une bande d'inconnus se réchauffent en tapant du pied à l'arrêt de bus Saint Yves sur la ligne 5. Le rendez-vous a été donné là, mais aucun des spectateurs ne sait exactement où nous allons nous rendre. Florence, manteau jaune assorti au bleu de ses yeux, est l'instigatrice de cette 6^ème édition rennaise. Elle prend la parole pour annoncer le départ. Suivez le guide.

Hors Lit n'est pas né à Rennes mais à Montpellier, en 2005. Créé par quelques artistes qui ont ensuite bougé et ensemé dans toute la France. Toulouse, Paris etc... jusqu'à arriver à Rennes. Cela faisait deux ans que le concept n'avait pas eu lieu dans la capitale bretonne.

La 6^ème édition vient donc combler un vide de deux années. Sur le site internet, Hors lit est défini comme s'inscrivant : « dans une démarche sensible de réécriture de l’intime en ouvrant des espaces alternatifs entre artistes, habitants et spectateurs. »

ARRÊT « LAVERIE »

Le premier arrêt se fait dans la laverie du quartier. Dans un angle de rue, elle apparaît comme un havre de chaleur au spectateur ankylosé par le froid. Nous entrons. Une jeune femme nous attend assise sur une table, jouant avec une balle en mousse. Elle indique au public où se placer puis démarre sa performance. Elle investit le lieu pour y danser et y chanter avec énergie.

Délurée, elle passe des claquettes à une chanson de Boby Lapointe avec pour seule transition une visite dans les machines. À quatre pattes sur les machines à laver, elle réalise le rêve de tout utilisateur de lavomatique : transformer l'attente ennuyante en un moment défoulant et créatif. Un jeune homme se retrouve au milieu des spectateurs alors qu'il venait juste laver son linge.

« Bon, je vais peut-être pouvoir récupérer mes affaires maintenant ! »

lance-t-il, amusé, lorsque la performance se termine.

Stupeur des spectateurs qui pensaient que la machine lancée était prévue dans le spectacle. Les rires fusent. Première étape réussie.

Tel un troupeau en transhumance, nous repartons vers le second lieu, toujours guidé par le berger Florence et une femme qui tient sur sa tête une pancarte « Hors Lit ». Les rues sont vides à cette heure-ci mais quelle image renvoyons-nous aux quelques passants égarés ?

ARRÊT « MAISON DE LOTISSEMENT »

Arrivés au second lieu, nous pénétrons cette fois-ci dans une maison de lotissement qui ne dénote pas de ses voisines. Après avoir monté une volée de marches, nous voici dans un salon inconnu, d'une blancheur impeccable. Pas de trace des maîtres de maison. Comme dans la laverie, une danseuse nous attend, muette. Sa performance est bien assortie au décor sobre de cet intérieur : très froide, sans musique et un peu plombante. Certains manquent de piquer du nez.

La technique est impeccable mais pourquoi une chorégraphie aussi triste dans un concept empli de bonne humeur ? Nous repartons tous sur la pointe des pieds, en ayant presque eu l'impression de déranger.

Les langues se délient sur le chemin qui nous mène au troisième lieu. Nous prenons plus le temps pour causer avec nos camarades d'un soir. Venus en couple ou entre amis – les plus jeunes spectateurs sont proches de la quarantaine - ils commentent les performances ou tentent de se repérer dans le quartier. Le but des performances Hors Lit c'est aussi la découverte ou la redécouverte d'un lieu de Rennes.

ARRÊT « MAISON DU QUARTIER »

La troisième étape se fait de nouveau dans une habitation du quartier. À l'entrée, la maîtresse de maison nous accueille, tout sourire. L'intérieur est nettement plus chaleureux que le précédent. Assis sur des canapés, des chaises, des tabourets, ou sur des coussins au sol, comme lors d'un dîner entre amis, nous assistons à la projection d'un film sur la vie d'une paludière.

Sans fausse empathie et avec un sens artistique certain, le réalisateur nous plonge dans les marais salants et dans l'existence hors du temps de cette femme. Le film plaît, le lieu aussi, c'est presque à regret que certains quittent la maison vers la dernière étape de notre soirée.

Le quatrième et dernier lieu est celui qui a justifié le choix du quartier du sud gare pour cette sixième édition de Hors Lit : c'est la maison de la première danseuse, celle de la laverie. Nous apprenons qu'elle s'appelle Lucie. Florence prend la parole pour expliquer :

« L'affiche que vous voyez là c'est celle qui annonce le projet immobilier qui va conduire à détruire la maison de Lucie. Ils vont raser sa maison pour construire des immeubles. C'est elle qui m'a sollicité car elle voulait rendre un dernier hommage à son lieu de vie. »

Le Hors Lit millésime 2014 a presque un aspect politique. Au vu de l'emplacement de la maison, à deux pas du pont de Nantes, avec une superficie de terrain importante, il n'est pas étonnant que l'endroit ait attiré la convoitise de promoteurs.

ARRÊT « GRANGE »

Astrid Radigue, du groupe Furie, nous attend sagement derrière son clavier sous la grange. Une odeur de vin chaud s'échappe d'une marmite et, à son invitation, nous nous précipitons pour en prendre une tasse avant que le concert ne débute.

Avec simplicité et humour, Astrid mène le public dans son univers pop. Les notes s'égrènent et résonnent sous le toit de la vieille grange, tandis que les deux lions de cirque en carton fixent le public de leurs yeux de braise. À peine le temps de quelques chansons et c'est déjà fini. Cela fait presque trois heures que nous déambulons de lieu en lieu.

Le périple s'arrête autour de la marmite de vin chaud accompagnée de quelques toasts, sous la grange. Convivialité restera le maître mot de cette soirée hors du temps. Il est maintenant temps de regagner nos lits.  

Tiens-toi droite, deuxième long-métrage de Katia Lewkowicz – qui sortira au cinéma le 26 novembre prochain – était présenté en avant-première au Gaumont de Rennes, vendredi 17 octobre. L’occasion de faire le point avec la réalisatrice, accompagnée de l’acteur Michaël Abiteboul, sur la condition féminine, des années 50 à aujourd’hui.

Au départ de l’histoire, 3 femmes : Louise, Lili et Sam, interprétée respectivement par Marina Foïs, Laura Smet et Noémie Lvovsky. Chacune incarne une vie différente. La première quitte le pressing familial pour travailler dans une grande entreprise de fabrication de poupée dans laquelle bosse son amant. La deuxième est Miss Pays Francophones et fait la rencontre d’un riche industriel.

Et la troisième accouche de deux jumeaux qui viennent compléter une famille nombreuse. Ce qui les réunit, c’est leur envie d’évolution, d’accomplissement personnel régi par une oppression des femmes par les femmes. Par leur entourage. Par leur famille. Par elles-mêmes.

Et finalement, la naissance d’un modèle unique caractérisé par toutes les normes, obligations et volontés féminines. Celles-là même qui vont tendre à la disparition des figures masculines qui les entourent. Dans un rythme effréné, dans la palpitation émotionnelle et dans une dynamique tendue, la réalisatrice Katia Lewkowicz déclenche aux spectateurs-trices un sentiment de suffocation dans une ambiance de chaos, qui lui est propre et chère, et que l’on retrouve dans son premier long-métrage Pourquoi tu pleures ? avec Benjamin Biolay, Emmanuelle Devos, Sarah Adler et Valérie Donzelli.

Dans ce deuxième opus, elle souhaite dresser une mosaïque des femmes, en multipliant les points de vue et les regards. Partie de l’image publicitaire des femmes dans les années 50 – « celle de la femme avec son gigot » – elle a alors observé la place que l’on donne aujourd’hui aux personnages de sexe féminin :

« Elles sont toujours pressées dans les pubs, elles courent partout ! Car elles doivent aller préparer le diner pour les enfants et parce qu’elles doivent en même temps se préparer pour aller diner avec leur amoureux… Les femmes ne sont devenues qu’une ! »

Katia Lewkowciz, réalisatrice et actrice.

La réalisatrice s’interroge alors sur l’évolution naturelle – ou pas – de ces dernières. Le constat n’est pas surprenant : deuil permanent d’une partie de nous même et culpabilité. « On ne sait pas d’où elle vient… Mais elle est typiquement féminine. Quand on regarde de près, on s’aperçoit par exemple que dans l’Histoire, à l’école, on apprend que tous les sauveurs sont des hommes. », explique-t-elle. La société est régie de règles que l’on transmet et véhicule de génération en génération, sans se poser de question, selon Katia.

« On avance sans savoir où on va. Je suis une fille de la ville et j’ai tout le temps la sensation de « faut y aller ! » Et au bout d’un moment, on se demande : « Mais quand est-ce que j’ai décidé de faire ci ou ça ? » », ajoute-t-elle.

Tiens-toi droite, expression au sens beau et noble qui cristallise le poids de l’héritage féminin, est retenue en titre du film au montage seulement. La réalisatrice ayant initialement choisi « État de femmes », pour souligner l’effet de catalogue. « Ce film ne donne pas la vérité car il n’y a pas qu’une seule vérité. On est plein de bouts, plein de points de vue. En voyant ce film, j’espère que le spectateur se dira « Là, je peux agir comme ci ou comme ça c’est vrai ! », ça peut commencer par des petites choses qui nous amènent à trouver des solutions concrètes. », imagine la réalisatrice qui conçoit le 7^ème art comme un élévateur de conscience, qui ne peut fonctionner que sur la complémentarité du produit et du public. « Je fais une partie du chemin, j’espère que les spectateurs feront l’autre », précise-t-elle.

POUPÉES TOUTE OPTION

Dans le film, pas de réponse pré-fabriquée, simplement un constat tissé autour d’un fil rouge qui réunira les 3 actrices sur la fin du film, celui d’une innovation : lancer une nouvelle poupée, plus proche des caractéristiques modernes de la femme. Et ce fil rouge pousse à la réflexion – la réalisatrice niant pourtant le désir d’intellectualiser son questionnement qu’elle définit non pas comme tel mais comme un constat – autour de cet objet d’admiration : est-ce la poupée qui s’adapte à la femme ou est-ce l’inverse ? Et si le personnage de Marina Foïs donnera son avis lors de la scène finale, pour Katia Lewkowicz, la fin s’interprète différemment :

« On essaye toutes de ressembler au modèle de la poupée. On termine sur la conclusion qu’il y a encore du travail. Et Louise s’en aperçoit, on imagine une réaction de sa part… Qu’elle ne nous donne pas, mais que j’imagine tellement que je le vois ! »

Katia Lewkowicz, fascinée par ses personnages.

Car, pour elle, l’important réside dans le chemin. Le chemin de l’évolution mais également le chemin des 3 femmes qui vont finir par se rencontrer, se juxtaposer. « J’ai voulu représenter la Maternité, le Travail et la Féminité, qui sont les figures les plus connues, les plus représentées. En y ajoutant la garantie de la sœur, de la nounou, etc. (D’autres personnages satellites incarnent diverses facettes de la Femme, ndlr) Et après, ce sont les actrices et acteurs qui ont apporté le reste avec leurs corps, leurs voix… Je laissais tourner la caméra pour capter les instants les plus naturels, ceux où le corps réagit de lui-même. », raconte-t-elle.

Et c’est cette manière de travailler qui a séduit Michaël Abiteboul, qui dans le film incarne le mari de Sam (Noémie Lvovsky). Pour lui, rien de plus agréable que « de s’abandonner et d’oublier que l’on joue ! J’avais très envie de tourner avec Katia et j’ai été embarqué par le scénario. »

Pourtant, à l’écran, l’acteur doit s’effacer, disparaître écraser par sa conjointe qui s’émancipe, obnubilée par son besoin d’indépendance. « Ce n’est pas désagréable de disparaître de l’écran, dit-il en souriant. C’est très intéressant ! Surtout que j’étais le seul mec dans le décor. Mais j’étais bien. Je sortais d’un film où on était dans les tranchées, qu’avec des gars et de la boue. Alors là, ça me paraissait extrêmement doux. »

L’apaisement décrit pourrait alors faire l’objet d’une seconde lecture de l’œuvre de Katia Lewkowicz qui apparaît pourtant d’une violence inouïe. Un joyeux chaos, comme elle le définit, mais qui arbore des airs de peinture sociale brutale qui prend les tripes et qui laisse entrevoir une noirceur angoissante, parmi laquelle elle dissémine des scènes ludiques de comédie venues alléger et soulager ces réalités.

La crise identitaire liée à la condition féminine tourbillonne autour de ce film et s’abat sur les spectateurs-trices dans un fracas silencieux. Chacun serre les dents, comme un miroir de ce qui transparait à l’écran. Mais de Tiens-toi droite se dégage également une grande beauté. Celle qui inspire l’envie de marcher aux côtés de ces femmes combattantes et déterminées à se trouver et à trouver une place dans la société. La poupée moderne sera-t-elle donc toute option, « avec musculation du périnée ! » incluse ? Ou ce modèle unique sera-t-il amené à disparaître

La onzième édition du festival Court Métrange, dénicheur de formats courts et insolites, prend place du 16 au 19 octobre prochain, comme à son habitude, au Ciné TNB. À cette occasion, YEGG a rencontré la co-fondatrice, Hélène Guinand-Pravong, l’une des seules directrices de festivals rennais, pour parler des femmes dans la programmation 2014.

YEGG : Quelle est la place de la femme dans le domaine fantastique ?

Hélène Guinand-Pravong : Elles ont une place de taille. C’est toujours celles qui meurent dans les films d’horreur, celles qui sont pourchassées, celles qui sont poursuivies. Celles qui sont aimées et détestées ou encore adulées. La femme est au centre du cinéma fantastique.

Mais leurs rôles secondent le personnage principal généralement masculin.

La femme représente dans l’imaginaire fantastique la peur, l’imprévu, la sensualité, la sexualité sous diverses formes et l’intuition. Le septième art, c’est aussi le troisième œil, c’est la femme qui va voir au-delà. C’est peut-être aussi pour cette raison que la femme fait peur dans le cinéma de genre, par exemple. Par voie de conséquence, on cherche à lui faire subir les pires épreuves.

Dans le steampunk, qui est le thème du festival cette année, y a-t-il cette même place ?

Non, là nous sommes plus dans un univers créé de toutes pièces. L’esthétique vestimentaire steampunk, que ce soit pour l’homme ou la femme, correspond à une période, l’époque victorienne, époque du progrès et de la vapeur – d’où le mot anglais steam – du début du siècle. Pour le punk, c’est le côté décalé et drôle. La femme va porter un corset pour mettre en valeur ses formes et des accessoires rétro-futuristes.

L’affiche du festival cette année, créée par l’agence Kerozen, représente une « femme-corset »…

Oui, le steampunk est subtilement amené ! (Rires)

Elle pourrait signifier la femme fatale, qui fait peur comme vous l’avez dit.

Vous souvenez-vous de la première affiche du studio Kerozen ? C’était une femme avec un poulpe avarié. Quand l’équipe du festival a rencontré ce studio, on a beaucoup réfléchi à la communication. Nous sommes partis d’un constat qui était que le genre du fantastique attirait moins le public féminin. Ils ont voulu mettre la femme au centre de leurs affiches, pas toujours mais elle est souvent présente, avec un côté répulsion et attraction que nous offre le cinéma de genre. La femme est là pour séduire un public féminin. La touche de fantastique est donnée par ce qu’on y voit à côté. Je ne m’amuserais pas à faire une interprétation sur l’affiche, il y a de la beauté et de l’horreur dans le fantastique. Cette affiche, c’est notre programmation : de la poésie, de la réflexion sur les films d’anticipation et de société ainsi que de l’horreur.

Dans votre programmation cette année, il y a près de 70 courts-métrages dont une projection, « Milieux sous l’Amer », le 17 octobre, assez axée sur les personnages féminins.

Effectivement, la femme est au centre. Celle qui est dans Ceux qui restent debout vient de perdre son emploi et son habitat. Elle redécouvre la vie dans la rue. C’est un film assez étonnant puisqu’en 27 minutes, le fantastique n’arrive que très progressivement, sur la fin. En fait, son regard évolue lorsqu’elle commence à perdre pied avec la réalité. Elle finit par voir les sans-abris complètement fusionner avec la rue, le béton, les murs. C’est la peur de mourir qui transpire à travers ça. Un film fort qui a beaucoup plu au comité de sélection et les a laissé en haleine tout le long. C’est un bel exemple qui utilise subtilement et intelligemment le fantastique pour parler d’un fait de société grave et de la détresse des gens.

With Time est le premier film que nous avons reçu des Emirats Arabes. Cela compte beaucoup pour nous et est une belle découverte. Le format court est tiré d’une histoire vraie, de deux petites filles qui ont été séquestrées. Il n’y a pas vraiment d’explications, peut-être à cause de la guerre ou pour les protéger. Elles ont essayé de garder de leur innocence mais une part de folie a commencé à arriver. Une fois de plus, c’est comment le monde extérieur arrive à avoir une emprise forte et nous faire perdre pied avec notre identité.

Supervenus, programmé à cette séance, a beaucoup fait parler de lui sur Internet dernièrement.

Oui, c’est carrément la caricature de la femme fatale, la femme surfaite !

Cela montre jusqu’à l’absurde ces travers de la société. À la fin, la femme explose tellement il y a de pression sur elle.

Et cela illustre comment l’apparence, finalement, va déformer notre société. C’est vraiment ça ainsi que le regard sur l’Autre et notamment sur la femme. Supervenus est une façon assez crue et directe de dénoncer l’image de la femme dans la publicité, les médias et les magazines qui doit toujours paraître sous une même forme. Elle est toujours parfaite, elle a les seins comme ça, les épaules comme ça, les jambes comme ça, le visage lisse et formaté. C’est une vraie dénonciation, très intéressante. Dans le court-métrage Trimmings, on est plus sur une psychose d’une femme qui cherche le visage parfait. Finalement, elle l’obtient en découpant des morceaux de peau de plusieurs femmes et reconstitue le visage d’une autre personne. C’est horrible puisqu’au final, elle est obligée de se masquer. Quand elle l’enlève, on voit effectivement qu’elle a été recousue de partout. C’est assez significatif de la pression qu’on peut mettre sur la beauté féminine aujourd’hui. Tout n’est que trompeuses apparences, même si c’est également l’intitulé d’une autre projection du festival ! (Sourire)

De manière générale, les personnages féminins des courts-métrages de votre programmation veulent échapper à une réalité horrible, que ce soit dans un contexte de guerre ou des pressions sociétales ?!

Elles subissent plus, elles sont un peu le jouet d’une société, d’une image qu’on veut donner. Parfois, les femmes se prêtent au jeu et créent le leur. Elles finissent presque par s’autodétruire parce qu’elles n’ont pas réussi à trouver le juste milieu entre leurs propres psychoses et la réalité. Parfois, elles en sortent dignes et belles mais c’est rare. (Rires) Dans On/Off programmé pour les séances collège, c’est une femme-robot qui a été créée pour aller dans l’espace réparer des satellites mais on ne le sait pas encore. Au départ, ce n’est qu’une astronaute qui repense à sa petite-fille, à sa famille quand elle voit la Terre de loin. Les souvenirs lui font se déconnecter. À la fin, on se rend compte que c’est un androïde à qui on a injecté une mémoire mais qui a réussi à reprogrammer une mémoire ancienne. Était-elle un être vivant ? Oui mais elle est devenue androïde entre temps. La place de la femme est toujours assez mystérieuse dans le cinéma fantastique.

Dans le court-métrage Cochemare, le 17 octobre, les constructions du féminin et du masculin sont détruites. Est-ce propre au fantastique qui joue avec les normes du monde réel ?

C’est le fantasme d’une femme qui se construit un monde onirique où elle est proche de la nature. Cela fait partie aussi des symboles féminins : la femme Nature, la femme mère, la femme « femme » qui a également des désirs. Elle va nourrir avec son lait, à travers sa bouche, des petits personnages. On est vraiment dans une sensualité très belle. Au bout du compte, ce monde qui se construit est un fantasme qu’elle est en train de vivre et c’est comme cela qu’elle en arrive à se masturber. C’est plutôt beau la manière dont c’est amené. Ce n’est pas une sexualité pornographique.

Il y a également La Bête, le jeudi 16, qui parle de la sexualité de la femme de façon très crue.

C’est pareil, c’est un fantasme de femme ! Le réalisateur cherche à raconter plutôt d’où vient notre part de bestialité. Comment s’exprime-t-elle et comment on peut la laisser s’exprimer librement ? Il va très loin. Là encore, je trouve qu’il n’y a pas de grossièreté mais un élan bestial assumé pleinement avec une belle patte de la part du réalisateur. Il utilise l’animation comme un moyen de fantasmer tout ça.

Concernant le festival en lui-même, dans votre jury 2014 du Grand Prix Court Métrange, il y a 8 hommes et 2 femmes. Dans les 10 précédentes éditions, il n’y en avait pas à peine plus. Même chose pour les réalisatrices où il n’y en a que 3 cette année. Comment expliquez-vous ces chiffres ?

Ce n’est pas fait exprès ! Nous ne sommes pas dans une urgence de mixité. Dans le jury de cette année, il y a Corinne Bernard, de la société Beaumarchais-SACD, une très grande habituée qui remet un grand prix du festival depuis l’origine. Au départ, la personne de la société Beaumarchais était un homme, Paul Tabet, mais elle lui a succédé. Mélanie Fazi est une auteure du genre fantastique, qu’on a voulu la contacter parce qu’on cherchait un jury éclectique. Nous ne voulions pas seulement des réalisateurs et des comédiens mais aussi, si possible, des auteurs. Quand on cherche les membres du jury, on cherche des gens qu’on a envie d’avoir.

Il y a malgré tout de plus en plus de femmes réalisatrices dans la programmation du festival.

On reçoit beaucoup de films, oui ! Beaucoup de femmes réalisent, ce n’est pas nouveau. Il se trouve que cette année, dans notre programmation, il n’y en a que trois ou quatre. Elles sont très présentes dans ce métier. Dans nos choix, on ne fait pas attention si c’est un homme ou une femme qui réalise. On s’en fiche. Au départ, c’est le film qui importe. On s’est rendus compte notamment qu’après avoir fait notre programmation, il y a trois ou quatre réalisateurs qui reviennent. Nous sommes très contents de les suivre à Court Métrange. Bien sûr, il y a quelqu’un derrière qu’on mettra en avant par la suite mais c’est le film qui est mis à l’honneur, ce qu’il raconte et ce qu’il véhicule.

Vous avez expliqué toute à l’heure que l’agence Kerozen conçoit ses images pour attirer un public féminin. Pensez-vous l’avoir conquis ?

De plus en plus, oui ! Kerozen a gagné son pari puisque dans la communication qu’ils ont mis en place, le public féminin est de plus en plus présent. Donc oui ! Chaque année, des étudiant-e-s du GEPAM [formation qui fait partie de l'IUT Gestion des entreprises et des administrations Rennes, ndlr], de la gestion événementielle et des productions multimédias, font un audit du public. Ils regardent la proportion de femmes : il y a 40% de femmes, 60 d’hommes. Nous avons essentiellement des moins de 30 ans dans notre public et la seconde proportion se concentre sur les trentenaires. C’est grâce à ces audits que nous pouvons le savoir. C’est un retour très chouette !

Le premier long métrage de Jeanne Herry sort aujourd’hui, mercredi 24 septembre, au cinéma. Pour présenter Elle l’adore, la réalisatrice est venue à Rennes, vendredi 19 septembre, accompagnée de l’actrice Olivia Côte.

Passer à côté de Jeanne Herry et de son premier long métrage serait une erreur. Le pari de ce film est risqué, « casse-gueule » nous dira même la réalisatrice, mais joliment et brillamment relevé. C’est un coup de cœur qui nous frappe lors de la projection. C’est un coup de foudre lors de la rencontre avec les deux professionnelles. Fille de Miou-Miou et de Julien Clerc, Jeanne Herry est une véritable passionnée.

Passionnée de cinéma, de musique, de ce qui l’entoure et l’interpelle. Elle prouve dans Elle l’adore qu’elle possède le soucis du détail, le sens du possible et non du probable, l’envie d’exprimer une vision des choses, l’habileté pour manier les genres en jouant entre la comédie et le polar. La réalisatrice a travaillé plus de 10 ans sur son scénario dont la vingtième version est portée aujourd’hui à l’écran.

« J’ai fait d’autres choses entre temps quand même, je ne suis pas mono maniaque, plaisante-t-elle. Mais c’est un travail de longue haleine avec une histoire très charpentée, très exigeante. » Elle établit alors la liste de ses péripéties de manière non anachronique :

« J’ai mis autant de temps parce que je suis une peu lente. Il fallait se lancer, trouver une façon d’écrire, le faire lire, relire, trouver une productrice, faire un premier court-métrage (Marcher avec Miou-Miou et Olivia Côte), trouver une idée, faire des enfants, trouver des financements, trouver le bon casting… »

LA FACE A ET LA FACE B

Le bon casting en effet. Sandrine Kiberlain, Laurent Lafitte, Olivia Côte et Pascal Demolon incarnent sans fausses notes et avec une extrême justesse, respectivement, une fan, un chanteur et un couple de flics. « J’avais cette volonté là depuis le départ. Je connais bien le milieu des célébrités et des fans, j’avais envie de partir de là. Et j’avais la volonté de montrer un film très sérieux mais ludique dans chaque recoin du scénario. De toute manière, je ne sais pas écrire une histoire d’une autre manière que ça… », précise la réalisatrice.

Murielle (Sandrine Kiberlain) est esthéticienne, bavarde, mythomane et fan de Vincent Lacroix (Laurent Lafitte), un chanteur populaire. La vie de Murielle prend une autre tournure lorsqu’une nuit, son idole débarque chez elle pour lui demander de cacher le corps de sa femme, morte accidentellement assommée par une victoire de la musique. Une enquête policière est alors ouverte et est confiée à un duo de flics en pleine rupture.

Loin d’un polar traditionnel, Jeanne Herry se saisit du genre pour raconter l’histoire « d’un mec bien qui découvre ses côtés sombres ». Et à travers ce scénario, la réalisatrice révèle à la fois la banalité et la beauté de la vie. La normalité d’un homme connu, la personnalité insolite d’une femme normale, l’explosion d’une relation amoureuse…

« La face A et la face B de tout le monde… Moi, je suis raide dingue de mes personnages même quand ils se comportent mal. J’adore écrire sur un personnage mytho, c’est du bonbon pour moi ! »

Jeanne Herry, réalisatrice.

Elle dépeint alors une femme qui vit dans l’extrême de sa passion qui prend trop de place dans sa maison : « Je trouve que ça interroge mais que c’est touchant. On montre souvent des fans qui deviennent intrusifs et qui sont pathétiques de solitude. Je n’en ai jamais croisés des gens comme ça ! Murielle a une fêlure, une petite dinguerie, mais n’est pas pathétique. »

« JE N'AI PAS ABORDÉ CE RÔLE SOUS L'ANGLE DE LA GROSSE SALOPE ! »

Et sa façon de décrire ses personnages, de leur donner vie, enthousiasme Olivia Côte, son amie depuis 15 ans, sa première lectrice et sans aucun doute une de ses plus grandes fans.

« Jeanne accorde beaucoup de crédit aux autres, elle est dans l’observation de ce qui l’entoure et dans l’humanité. J’ai lu 153 fois le scénario, j’étais épatée dès la première lecture. C’est facile d’être l’amie d’une meuf qui écrit un super truc depuis le début ! »

Olivia Côte, actrice.

À l’écran, Olivia incarne le personnage de Coline, flic un brin nympho : « Jeanne a créé
ce personnage à la suite d’observations de certaines femmes de son entourage je pense. Coline, c’est une femme qui a besoin d’être rassurée, qui aime séduire et qui ne peut pas résister à la tentation. C’est comme ça que je l’ai pris. Je n’ai jamais abordé ce rôle sous l’angle de la folie ou de la grosse salope. » Avec son partenaire, Pascal Demolon, ils affichent une parfaite fusion. Complicité, difficultés, craquage… Les spectateurs vivent les épreuves personnelles des deux personnages simultanément.

Lors de sa venue, l’actrice raconte que leur duo était une évidence : « Je l’avais rencontré une seule fois avant le tournage. Mais c’était facile. Il ressemble à mon père ! Et il a fait de la danse classique, comme mon père. Ça a été un coup de foudre. Pas amoureux mais un coup de foudre. Une évidence. »

De là nait un seul personnage, le couple. « Au début, je pensais à une histoire d’amour naissante. Puis j’ai trouvé ça plus intéressant que l’on commence par la rupture. Dans les films, on saccage tout le temps la vie des flics. Ils n’ont jamais le temps d’avoir une vie perso. Ici, l’enquête est menée par un couple en craquage. Quand on sait qu’une enquête de disparition est déjà très compliqué à gérer en France… », ajoute Jeanne Herry. Elle l’a dit et le redit, ce qui l’intéresse, c’est explorer le possible. Inspirée par le film de Dominik Moll, Harry un ami qui vous veut du bien, elle souhaite porter à l’écran un film avec une vérité, « ce qui ne signifie pas que ce soit crédible. »

Pas question d’imiter Maïwenn ou Tavernier avec un autre Polisse ou L.627, deux films qu’elle aime beaucoup. Pour Elle l’adore, elle préfère se placer dans la veine de Garde à vue (Claude Miller) ou encore de Crimes et délits (Woody Allen).

Elle signe ici un premier long métrage soigné et soigneux. À son image, sérieux et drôle. Elle pourrait en parler pendant des heures, et on pourrait l’écouter pendant tout ce temps. Celle qui a passé 10 ans à travailler son œuvre, après avoir été actrice puis figurante, prouve ici son talent dans un film minutieusement pensé et bien rythmé, entre histoires étoffées à la Kiberlain, situations comiques et tensions dramatiques.

Ces dernières étant amenées par les silences détonnants. « Au départ, le film devait s’appeler, Elle l’aime, elle l’adore, en référence à la chanson « La groupie du pianiste ». Mais nous n’avons pas eu les droits. J’aime la chanson en générale, c’est ma culture, mais là je n’en avais pas envie », explique-t-elle. Elle ajoute en conclusion :

« Le silence annonce le début du drame. J’ai travaillé sur la sensation de silence, avec des bruits très simples. J’ai même enlevé certains bruits du quotidien au montage. La nuit, on est protégés, on peut faire des choses folles dans la vie. Le jour, les ennuis commencent… »

« J’ai fait ce film pour présenter une enfant qui a une liberté rare qu’on ne retrouve pas chez nous, les « normaux ». On a beaucoup à se reprocher sur notre liberté, les limites de notre normalité » explique la réalisatrice Eugénie Bourdeau dont le documentaire, Sa normalité a été projeté vendredi 4 avril aux Champs Libres dans le cadre de la troisième édition du festival Zanzan, « Cinéma des arts et des différences » dirigé par Philippe Thomas, qui se déroulait du 3 au 6 avril à Rennes.

Ce documentaire de vingt-six minutes compile dix années de moments d’intimité de la vie d’Eugénie Bourdeau et de sa fille Lucile, 12 ans, diagnostiquée autiste à 4 ans. À la maison, en région parisienne puis à Avignon, en voiture sur un air de Francis Cabrel, lors d’une fête de la musique où l’enfant danse dans la foule ou bien à l’école, tant de moments de la vie quotidienne capturés par la caméra et le smartphone de cette mère, ancienne scripte pour le cinéma, qui décide, lorsqu’elle se retrouve seule avec Lucile à l’âge de un an de passer à la réalisation afin de filmer celle qu’elle considère comme « passionnante ».

Monté en une semaine, ce film l’a été à l’occasion d’un décrochage d’une des expositions des travaux de Lucile, « La Tribu de Lulu »*.

Parce que oui, Lucile dessine. Elle dessine frénétiquement au stylo noir, presque compulsivement, sur des centaines de feuilles par jour, des corps enlacés, en mouvement, dans un style qui, s’il est très naïf, n’en est pas moins vif et précis. Sur la vingtaine de minutes du documentaire, beaucoup de plans se concentrent sur cette activité qui accapare une grande partie du temps de l’adolescente.

Le dessin pour Lucile « c’est sa lecture des choses, une manière de traduire ce dont elle est témoin » selon sa mère. Cette voie prise par Lucile leur a ouvert de nombreuses portes explique la réalisatrice, qui déplore la succession de mauvaises expériences qu’elles ont connu dans ce système d’école ou avec des personnes qui n’ont pas su comprendre ou s’adapter à la singularité de l’enfant.

« Pour eux, nous sommes les handicapés »

En voyant ces images, on ne peut que sentir l’émotion, les moments de joie et d’amour de cette relation fusionnelle entre une mère et sa fille. C’est un documentaire joyeux, lumineux, sur un air du groupe Islandais Sigur Rós, que réalise Eugénie Bourdeau, qui a fait le choix de ne pas intégrer les colères de Lucile au montage par souci d’intimité.

C’est ainsi un film très positif qui nous est donné de voir, mais c’est en discutant avec la réalisatrice que l’on comprend en quoi le faire a été pour elle, un travail sur soi. Outil de mémoire, ce film lui a permis, en visionnant les images, de prendre du recul sur Lucile, leur relation et de s’approprier une seconde lecture des choses.

Pour la mère, le problème avec l’autisme, c’est les autres. « On fait subir à ces enfants notre propre incompétence à ne pas les comprendre. Être face à l’autisme demande un vrai travail sur soi et de revoir sa façon d’être. Les gens ne s’adaptent pas et pourtant, il faut respecter les autistes en tant que personnes », explique la réalisatrice qui garde un œil sur sa fille qui joue au soleil et s’adresse à des inconnus de manière spontanée.

Sa normalité accompagne ainsi les expositions de Lucile Notin-Bourdeau et devait tout d’abord s’adresser à un public restreint de proches. Or, si Eugénie Bourdeau n’envisageait pas sa diffusion au grand public de prime abord, l’idée de pouvoir engager des débats autour de l’autisme l’a conquise et ce fut le cas après sa projection aux Champs Libres, en sous-titré et en audio description pour ceux qui le souhaitaient.

Dans la salle certains connaissent et comprennent l’autisme, d’autres sont moins sensibilisés et posent des questions. Lucile monte sur l’estrade et commence à chanter Highway to Hell du groupe ACDC ou Down On My Knees de l’artiste Ayo sous le regard bienveillant des spectateurs qui s’amusent de son énergie et de sa liberté dont nous parle tant sa mère.

« J’ai voulu montrer une autre façon d’être, la beauté dans sa liberté », conclut Eugénie Bourdeau qui parle de « singularité » pour l’autisme plutôt que de handicap; cette singularité qui encore aujourd’hui reste compliquée à comprendre, à expliquer mais qui cette fois, rime avec légèreté et sourire.

* Pour voir les dessins de l’artiste Lucile Notin-Bourdeau : latribudelulu.com