Célian Ramis

Les veilleuses de chagrin, bercées par l’attente et l’espoir

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Arvor, Rennes
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La réalisatrice nous saisit, entre scènes du quotidien, témoignages et paysages naturels. Entre silences et musiques mélancoliques. Entre poésie, solitude et force. Entre sourires et larmes.
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Dans son recueil, L’Amour la poésie, Paul Eluard décrit en quelques vers l’attente, l’absence et la disparition d’un être aimé. C’est ce poème, évoquant « Le front aux vitres comme font les veilleurs de chagrin », qui a inspiré la réalisatrice Frédérique Odye pour le titre du documentaire Les veilleuses de chagrin qu’elle présentait en avant-première samedi 17 janvier, au cinéma Arvor, à Rennes.

Le front aux vitres comme font les veilleurs de chagrin
Ciel dont j’ai dépassé la nuit
Plaines toutes petites dans mes mains ouvertes
Dans leur double horizon inerte indifférent
Le front aux vitres comme font les veilleurs de chagrin
Je te cherche par-delà l’attente
Par-delà moi-même
Et je ne sais plus tant je t’aime
Lequel de nous deux est absent.
Paul Eluard, extrait du recueil L’Amour la poésie.

Elles viennent de Loctudy, Le Conquet, Saint-Malo et Cancale, et sont les veilleuses de chagrin. « Ce sont des femmes qui attendent, qui veillent le retour de leurs maris marins. Et le chagrin fait référence à la mélancolie. Et à l’expression « Femme de marin, femme de chagrin » ! », explique Frédérique Odye, rennaise d’adoption depuis 12 ans.

Originaire de Cherbourg, elle est fille de marin et a vu durant sa jeunesse sa mère attendre le retour de son époux. Elle a toujours côtoyé la poésie qui écume les bords de mer et les inquiétudes qui virevoltent dans les embruns de l’océan. « Je me souviens qu’une fois, un accident est arrivé et ils ont perdu 2 marins. Une des veuves était enceinte », se rappelle-t-elle.

UN MILIEU PUDIQUE

Être issue de ce milieu lui permet de tisser des liens avec les femmes qu’elle rencontre dans le cadre de son documentaire. Malgré tout, il lui faudra 2 ans pour trouver les cinq veilleuses de chagrin de son film, dont deux qui seront intégrées 2 semaines seulement avant le tournage : « C’est un milieu très pudique, il est difficile de les faire témoigner. C’était la première fois qu’elles en parlaient comme ça. »

Plusieurs années auparavant, Frédérique Odye avait embarqué 3 jours avec des marins pêcheurs pour le documentaire La mer qui les voit danser. En mer, elle filme, leur quotidien, rythmé par le bruit permanent du moteur. Un bruit qu’elle connaît bien.

Et c’est en voyant les familles présentes sur le port au terme de ce périple qu’elle décide de filmer celles qui attendent et restent sur la terre ferme.

Dans Les veilleuses de chagrin, on les voit femmes, amies, épouses et mères. Elles témoignent de leur quotidien, nourri par une forme d’indépendance dont elles disposent en l’absence de leurs maris mais également par la tenue de la maison, l’éducation des enfants, les infos données par la radio… Elles dévoilent avec pudeur leurs émotions quant à cette vie particulière et livrent la dualité qui s’installe entre manque de l’être aimé et envie que ce dernier reparte. Habituées de cette alternance, elles ont accepté le rythme et l’attente imposés.

UNE NATURE SANS PITIÉ

Le pire, elles l’envisagent. Mais passent outre. « Une fois que j’ai entendu le nom du bateau de mon mari à la radio, je coupe, je n’écoute pas le reste. Savoir qu’il va bien, c’est tout ce qui compte pour moi », confie l’une des deux bigoudènes de Loctudy (29). Il y a le R.A.S qui les rassure et les apaise quelques instants.

Mais lorsque le vent souffle sur les côtes bretonnes et s’embrase dans les volets et que les vagues roulent pour s’éclater lourdement sur le sable humide et mousseux, les esprits voguent sur les flots d’un imaginaire angoissant car on sait qu’au large, la tempête sévit sans concession et sans pitié. Pour Frédérique Odye :

« les marins sont des conquérants de la mer. Ils sont au milieu de rien. Et la nature est toujours plus forte. »

Et pour trois des veilleuses, leurs hommes ne rentreront pas. Elles affronteront le deuil de ce mari pris par la mer. Que l’on ait retrouvé le corps, ou non.

La réalisatrice nous saisit, entre scènes du quotidien, témoignages face caméra et paysages naturels. Entre silences et musiques mélancoliques (signée Matt Elliott). Entre poésie, solitude et force. Entre sourires et larmes. Le sujet est traité avec sensibilité et justesse, et nous transporte dans cette vie de femmes de marins, sans jamais franchir la ligne du « tire larmes ». Un joli documentaire, à la limite de l’onirisme, emprunt de tendresse, de souffrance et d’amour suspendu dans le temps.

Célian Ramis

Hors lits, en toute intimité avec ses voisins

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Rennes
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De la laverie à la grange d'une maison qui sera bientôt démolie, Hors lits invite à la performance insolite et intrigante. YEGG vous guide.
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Et si vous alliez voir un spectacle chez votre voisin dont vous avez toujours rêvé de voir l'aménagement intérieur ? C'est à peu de choses près ce que propose le concept Hors Lit. Des artistes effectuent une série de performances chez des particuliers qui acceptent, le temps d'une soirée, de prêter leur intérieur. YEGG a testé pour vous.

Par une froide soirée de novembre, une bande d'inconnus se réchauffent en tapant du pied à l'arrêt de bus Saint Yves sur la ligne 5. Le rendez-vous a été donné là, mais aucun des spectateurs ne sait exactement où nous allons nous rendre. Florence, manteau jaune assorti au bleu de ses yeux, est l'instigatrice de cette 6ème édition rennaise. Elle prend la parole pour annoncer le départ. Suivez le guide.

Hors Lit n'est pas né à Rennes mais à Montpellier, en 2005. Créé par quelques artistes qui ont ensuite bougé et ensemé dans toute la France. Toulouse, Paris etc... jusqu'à arriver à Rennes. Cela faisait deux ans que le concept n'avait pas eu lieu dans la capitale bretonne.

La 6ème édition vient donc combler un vide de deux années. Sur le site internet, Hors lit est défini comme s'inscrivant : « dans une démarche sensible de réécriture de l’intime en ouvrant des espaces alternatifs entre artistes, habitants et spectateurs. »

ARRÊT « LAVERIE »

Le premier arrêt se fait dans la laverie du quartier. Dans un angle de rue, elle apparaît comme un havre de chaleur au spectateur ankylosé par le froid. Nous entrons. Une jeune femme nous attend assise sur une table, jouant avec une balle en mousse. Elle indique au public où se placer puis démarre sa performance. Elle investit le lieu pour y danser et y chanter avec énergie.

Délurée, elle passe des claquettes à une chanson de Boby Lapointe avec pour seule transition une visite dans les machines. À quatre pattes sur les machines à laver, elle réalise le rêve de tout utilisateur de lavomatique : transformer l'attente ennuyante en un moment défoulant et créatif. Un jeune homme se retrouve au milieu des spectateurs alors qu'il venait juste laver son linge.

« Bon, je vais peut-être pouvoir récupérer mes affaires maintenant ! »
lance-t-il, amusé, lorsque la performance se termine.

Stupeur des spectateurs qui pensaient que la machine lancée était prévue dans le spectacle. Les rires fusent. Première étape réussie.

Tel un troupeau en transhumance, nous repartons vers le second lieu, toujours guidé par le berger Florence et une femme qui tient sur sa tête une pancarte « Hors Lit ». Les rues sont vides à cette heure-ci mais quelle image renvoyons-nous aux quelques passants égarés ?

ARRÊT « MAISON DE LOTISSEMENT »

Arrivés au second lieu, nous pénétrons cette fois-ci dans une maison de lotissement qui ne dénote pas de ses voisines. Après avoir monté une volée de marches, nous voici dans un salon inconnu, d'une blancheur impeccable. Pas de trace des maîtres de maison. Comme dans la laverie, une danseuse nous attend, muette. Sa performance est bien assortie au décor sobre de cet intérieur : très froide, sans musique et un peu plombante. Certains manquent de piquer du nez.

La technique est impeccable mais pourquoi une chorégraphie aussi triste dans un concept empli de bonne humeur ? Nous repartons tous sur la pointe des pieds, en ayant presque eu l'impression de déranger.

Les langues se délient sur le chemin qui nous mène au troisième lieu. Nous prenons plus le temps pour causer avec nos camarades d'un soir. Venus en couple ou entre amis – les plus jeunes spectateurs sont proches de la quarantaine - ils commentent les performances ou tentent de se repérer dans le quartier. Le but des performances Hors Lit c'est aussi la découverte ou la redécouverte d'un lieu de Rennes.

ARRÊT « MAISON DU QUARTIER »

La troisième étape se fait de nouveau dans une habitation du quartier. À l'entrée, la maîtresse de maison nous accueille, tout sourire. L'intérieur est nettement plus chaleureux que le précédent. Assis sur des canapés, des chaises, des tabourets, ou sur des coussins au sol, comme lors d'un dîner entre amis, nous assistons à la projection d'un film sur la vie d'une paludière.

Sans fausse empathie et avec un sens artistique certain, le réalisateur nous plonge dans les marais salants et dans l'existence hors du temps de cette femme. Le film plaît, le lieu aussi, c'est presque à regret que certains quittent la maison vers la dernière étape de notre soirée.

Le quatrième et dernier lieu est celui qui a justifié le choix du quartier du sud gare pour cette sixième édition de Hors Lit : c'est la maison de la première danseuse, celle de la laverie. Nous apprenons qu'elle s'appelle Lucie. Florence prend la parole pour expliquer :

« L'affiche que vous voyez là c'est celle qui annonce le projet immobilier qui va conduire à détruire la maison de Lucie. Ils vont raser sa maison pour construire des immeubles. C'est elle qui m'a sollicité car elle voulait rendre un dernier hommage à son lieu de vie. »

Le Hors Lit millésime 2014 a presque un aspect politique. Au vu de l'emplacement de la maison, à deux pas du pont de Nantes, avec une superficie de terrain importante, il n'est pas étonnant que l'endroit ait attiré la convoitise de promoteurs.

ARRÊT « GRANGE »

Astrid Radigue, du groupe Furie, nous attend sagement derrière son clavier sous la grange. Une odeur de vin chaud s'échappe d'une marmite et, à son invitation, nous nous précipitons pour en prendre une tasse avant que le concert ne débute.

Avec simplicité et humour, Astrid mène le public dans son univers pop. Les notes s'égrènent et résonnent sous le toit de la vieille grange, tandis que les deux lions de cirque en carton fixent le public de leurs yeux de braise. À peine le temps de quelques chansons et c'est déjà fini. Cela fait presque trois heures que nous déambulons de lieu en lieu.

Le périple s'arrête autour de la marmite de vin chaud accompagnée de quelques toasts, sous la grange. Convivialité restera le maître mot de cette soirée hors du temps. Il est maintenant temps de regagner nos lits.  

Célian Ramis

Tiens-toi droite : le chaos de la poupée moderne toute option

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Cinéma Gaumont, Rennes
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La réalisatrice Katia Lewkowicz propose, dans Tiens-toi droite, une vision belle et sombre de l'oppression des femmes par les femmes. Rencontre.
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Tiens-toi droite, deuxième long-métrage de Katia Lewkowicz – qui sortira au cinéma le 26 novembre prochain – était présenté en avant-première au Gaumont de Rennes, vendredi 17 octobre. L’occasion de faire le point avec la réalisatrice, accompagnée de l’acteur Michaël Abiteboul, sur la condition féminine, des années 50 à aujourd’hui.

Au départ de l’histoire, 3 femmes : Louise, Lili et Sam, interprétée respectivement par Marina Foïs, Laura Smet et Noémie Lvovsky. Chacune incarne une vie différente. La première quitte le pressing familial pour travailler dans une grande entreprise de fabrication de poupée dans laquelle bosse son amant. La deuxième est Miss Pays Francophones et fait la rencontre d’un riche industriel.

Et la troisième accouche de deux jumeaux qui viennent compléter une famille nombreuse. Ce qui les réunit, c’est leur envie d’évolution, d’accomplissement personnel régi par une oppression des femmes par les femmes. Par leur entourage. Par leur famille. Par elles-mêmes.

Et finalement, la naissance d’un modèle unique caractérisé par toutes les normes, obligations et volontés féminines. Celles-là même qui vont tendre à la disparition des figures masculines qui les entourent. Dans un rythme effréné, dans la palpitation émotionnelle et dans une dynamique tendue, la réalisatrice Katia Lewkowicz déclenche aux spectateurs-trices un sentiment de suffocation dans une ambiance de chaos, qui lui est propre et chère, et que l’on retrouve dans son premier long-métrage Pourquoi tu pleures ? avec Benjamin Biolay, Emmanuelle Devos, Sarah Adler et Valérie Donzelli.

Dans ce deuxième opus, elle souhaite dresser une mosaïque des femmes, en multipliant les points de vue et les regards. Partie de l’image publicitaire des femmes dans les années 50 – « celle de la femme avec son gigot » – elle a alors observé la place que l’on donne aujourd’hui aux personnages de sexe féminin :

« Elles sont toujours pressées dans les pubs, elles courent partout ! Car elles doivent aller préparer le diner pour les enfants et parce qu’elles doivent en même temps se préparer pour aller diner avec leur amoureux… Les femmes ne sont devenues qu’une ! »
Katia Lewkowciz, réalisatrice et actrice.

La réalisatrice s’interroge alors sur l’évolution naturelle – ou pas – de ces dernières. Le constat n’est pas surprenant : deuil permanent d’une partie de nous même et culpabilité. « On ne sait pas d’où elle vient… Mais elle est typiquement féminine. Quand on regarde de près, on s’aperçoit par exemple que dans l’Histoire, à l’école, on apprend que tous les sauveurs sont des hommes. », explique-t-elle. La société est régie de règles que l’on transmet et véhicule de génération en génération, sans se poser de question, selon Katia.

« On avance sans savoir où on va. Je suis une fille de la ville et j’ai tout le temps la sensation de « faut y aller ! » Et au bout d’un moment, on se demande : « Mais quand est-ce que j’ai décidé de faire ci ou ça ? » », ajoute-t-elle.

Tiens-toi droite, expression au sens beau et noble qui cristallise le poids de l’héritage féminin, est retenue en titre du film au montage seulement. La réalisatrice ayant initialement choisi « État de femmes », pour souligner l’effet de catalogue. « Ce film ne donne pas la vérité car il n’y a pas qu’une seule vérité. On est plein de bouts, plein de points de vue. En voyant ce film, j’espère que le spectateur se dira « Là, je peux agir comme ci ou comme ça c’est vrai ! », ça peut commencer par des petites choses qui nous amènent à trouver des solutions concrètes. », imagine la réalisatrice qui conçoit le 7ème art comme un élévateur de conscience, qui ne peut fonctionner que sur la complémentarité du produit et du public. « Je fais une partie du chemin, j’espère que les spectateurs feront l’autre », précise-t-elle.

POUPÉES TOUTE OPTION

Dans le film, pas de réponse pré-fabriquée, simplement un constat tissé autour d’un fil rouge qui réunira les 3 actrices sur la fin du film, celui d’une innovation : lancer une nouvelle poupée, plus proche des caractéristiques modernes de la femme. Et ce fil rouge pousse à la réflexion – la réalisatrice niant pourtant le désir d’intellectualiser son questionnement qu’elle définit non pas comme tel mais comme un constat – autour de cet objet d’admiration : est-ce la poupée qui s’adapte à la femme ou est-ce l’inverse ? Et si le personnage de Marina Foïs donnera son avis lors de la scène finale, pour Katia Lewkowicz, la fin s’interprète différemment :

« On essaye toutes de ressembler au modèle de la poupée. On termine sur la conclusion qu’il y a encore du travail. Et Louise s’en aperçoit, on imagine une réaction de sa part… Qu’elle ne nous donne pas, mais que j’imagine tellement que je le vois ! »
Katia Lewkowicz, fascinée par ses personnages.

Car, pour elle, l’important réside dans le chemin. Le chemin de l’évolution mais également le chemin des 3 femmes qui vont finir par se rencontrer, se juxtaposer. « J’ai voulu représenter la Maternité, le Travail et la Féminité, qui sont les figures les plus connues, les plus représentées. En y ajoutant la garantie de la sœur, de la nounou, etc. (D’autres personnages satellites incarnent diverses facettes de la Femme, ndlr) Et après, ce sont les actrices et acteurs qui ont apporté le reste avec leurs corps, leurs voix… Je laissais tourner la caméra pour capter les instants les plus naturels, ceux où le corps réagit de lui-même. », raconte-t-elle.

Et c’est cette manière de travailler qui a séduit Michaël Abiteboul, qui dans le film incarne le mari de Sam (Noémie Lvovsky). Pour lui, rien de plus agréable que « de s’abandonner et d’oublier que l’on joue ! J’avais très envie de tourner avec Katia et j’ai été embarqué par le scénario. »

Pourtant, à l’écran, l’acteur doit s’effacer, disparaître écraser par sa conjointe qui s’émancipe, obnubilée par son besoin d’indépendance. « Ce n’est pas désagréable de disparaître de l’écran, dit-il en souriant. C’est très intéressant ! Surtout que j’étais le seul mec dans le décor. Mais j’étais bien. Je sortais d’un film où on était dans les tranchées, qu’avec des gars et de la boue. Alors là, ça me paraissait extrêmement doux. »

L’apaisement décrit pourrait alors faire l’objet d’une seconde lecture de l’œuvre de Katia Lewkowicz qui apparaît pourtant d’une violence inouïe. Un joyeux chaos, comme elle le définit, mais qui arbore des airs de peinture sociale brutale qui prend les tripes et qui laisse entrevoir une noirceur angoissante, parmi laquelle elle dissémine des scènes ludiques de comédie venues alléger et soulager ces réalités.

La crise identitaire liée à la condition féminine tourbillonne autour de ce film et s’abat sur les spectateurs-trices dans un fracas silencieux. Chacun serre les dents, comme un miroir de ce qui transparait à l’écran. Mais de Tiens-toi droite se dégage également une grande beauté. Celle qui inspire l’envie de marcher aux côtés de ces femmes combattantes et déterminées à se trouver et à trouver une place dans la société. La poupée moderne sera-t-elle donc toute option, « avec musculation du périnée ! » incluse ? Ou ce modèle unique sera-t-il amené à disparaître

Célian Ramis

Court-Métrange : Comment être Femme(s) dans le cinéma fantastique ?

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Ciné TNB, Rennes
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Les femmes sont-elles vouées à incarner les rôles secondaires dans le cinéma fantastique ou vont-elles au-delà ?
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La onzième édition du festival Court Métrange, dénicheur de formats courts et insolites, prend place du 16 au 19 octobre prochain, comme à son habitude, au Ciné TNB. À cette occasion, YEGG a rencontré la co-fondatrice, Hélène Guinand-Pravong, l’une des seules directrices de festivals rennais, pour parler des femmes dans la programmation 2014.

YEGG : Quelle est la place de la femme dans le domaine fantastique ?

Hélène Guinand-Pravong : Elles ont une place de taille. C’est toujours celles qui meurent dans les films d’horreur, celles qui sont pourchassées, celles qui sont poursuivies. Celles qui sont aimées et détestées ou encore adulées. La femme est au centre du cinéma fantastique.

Mais leurs rôles secondent le personnage principal généralement masculin.

La femme représente dans l’imaginaire fantastique la peur, l’imprévu, la sensualité, la sexualité sous diverses formes et l’intuition. Le septième art, c’est aussi le troisième œil, c’est la femme qui va voir au-delà. C’est peut-être aussi pour cette raison que la femme fait peur dans le cinéma de genre, par exemple. Par voie de conséquence, on cherche à lui faire subir les pires épreuves.

Dans le steampunk, qui est le thème du festival cette année, y a-t-il cette même place ?

Non, là nous sommes plus dans un univers créé de toutes pièces. L’esthétique vestimentaire steampunk, que ce soit pour l’homme ou la femme, correspond à une période, l’époque victorienne, époque du progrès et de la vapeur – d’où le mot anglais steam – du début du siècle. Pour le punk, c’est le côté décalé et drôle. La femme va porter un corset pour mettre en valeur ses formes et des accessoires rétro-futuristes.

L’affiche du festival cette année, créée par l’agence Kerozen, représente une « femme-corset »…

Oui, le steampunk est subtilement amené ! (Rires)

Elle pourrait signifier la femme fatale, qui fait peur comme vous l’avez dit.

Vous souvenez-vous de la première affiche du studio Kerozen ? C’était une femme avec un poulpe avarié. Quand l’équipe du festival a rencontré ce studio, on a beaucoup réfléchi à la communication. Nous sommes partis d’un constat qui était que le genre du fantastique attirait moins le public féminin. Ils ont voulu mettre la femme au centre de leurs affiches, pas toujours mais elle est souvent présente, avec un côté répulsion et attraction que nous offre le cinéma de genre. La femme est là pour séduire un public féminin. La touche de fantastique est donnée par ce qu’on y voit à côté. Je ne m’amuserais pas à faire une interprétation sur l’affiche, il y a de la beauté et de l’horreur dans le fantastique. Cette affiche, c’est notre programmation : de la poésie, de la réflexion sur les films d’anticipation et de société ainsi que de l’horreur.

Dans votre programmation cette année, il y a près de 70 courts-métrages dont une projection, « Milieux sous l’Amer », le 17 octobre, assez axée sur les personnages féminins.

Effectivement, la femme est au centre. Celle qui est dans Ceux qui restent debout vient de perdre son emploi et son habitat. Elle redécouvre la vie dans la rue. C’est un film assez étonnant puisqu’en 27 minutes, le fantastique n’arrive que très progressivement, sur la fin. En fait, son regard évolue lorsqu’elle commence à perdre pied avec la réalité. Elle finit par voir les sans-abris complètement fusionner avec la rue, le béton, les murs. C’est la peur de mourir qui transpire à travers ça. Un film fort qui a beaucoup plu au comité de sélection et les a laissé en haleine tout le long. C’est un bel exemple qui utilise subtilement et intelligemment le fantastique pour parler d’un fait de société grave et de la détresse des gens.

With Time est le premier film que nous avons reçu des Emirats Arabes. Cela compte beaucoup pour nous et est une belle découverte. Le format court est tiré d’une histoire vraie, de deux petites filles qui ont été séquestrées. Il n’y a pas vraiment d’explications, peut-être à cause de la guerre ou pour les protéger. Elles ont essayé de garder de leur innocence mais une part de folie a commencé à arriver. Une fois de plus, c’est comment le monde extérieur arrive à avoir une emprise forte et nous faire perdre pied avec notre identité.

Supervenus, programmé à cette séance, a beaucoup fait parler de lui sur Internet dernièrement.

Oui, c’est carrément la caricature de la femme fatale, la femme surfaite !

Cela montre jusqu’à l’absurde ces travers de la société. À la fin, la femme explose tellement il y a de pression sur elle.

Et cela illustre comment l’apparence, finalement, va déformer notre société. C’est vraiment ça ainsi que le regard sur l’Autre et notamment sur la femme. Supervenus est une façon assez crue et directe de dénoncer l’image de la femme dans la publicité, les médias et les magazines qui doit toujours paraître sous une même forme. Elle est toujours parfaite, elle a les seins comme ça, les épaules comme ça, les jambes comme ça, le visage lisse et formaté. C’est une vraie dénonciation, très intéressante. Dans le court-métrage Trimmings, on est plus sur une psychose d’une femme qui cherche le visage parfait. Finalement, elle l’obtient en découpant des morceaux de peau de plusieurs femmes et reconstitue le visage d’une autre personne. C’est horrible puisqu’au final, elle est obligée de se masquer. Quand elle l’enlève, on voit effectivement qu’elle a été recousue de partout. C’est assez significatif de la pression qu’on peut mettre sur la beauté féminine aujourd’hui. Tout n’est que trompeuses apparences, même si c’est également l’intitulé d’une autre projection du festival ! (Sourire)

De manière générale, les personnages féminins des courts-métrages de votre programmation veulent échapper à une réalité horrible, que ce soit dans un contexte de guerre ou des pressions sociétales ?!

Elles subissent plus, elles sont un peu le jouet d’une société, d’une image qu’on veut donner. Parfois, les femmes se prêtent au jeu et créent le leur. Elles finissent presque par s’autodétruire parce qu’elles n’ont pas réussi à trouver le juste milieu entre leurs propres psychoses et la réalité. Parfois, elles en sortent dignes et belles mais c’est rare. (Rires) Dans On/Off programmé pour les séances collège, c’est une femme-robot qui a été créée pour aller dans l’espace réparer des satellites mais on ne le sait pas encore. Au départ, ce n’est qu’une astronaute qui repense à sa petite-fille, à sa famille quand elle voit la Terre de loin. Les souvenirs lui font se déconnecter. À la fin, on se rend compte que c’est un androïde à qui on a injecté une mémoire mais qui a réussi à reprogrammer une mémoire ancienne. Était-elle un être vivant ? Oui mais elle est devenue androïde entre temps. La place de la femme est toujours assez mystérieuse dans le cinéma fantastique.

Dans le court-métrage Cochemare, le 17 octobre, les constructions du féminin et du masculin sont détruites. Est-ce propre au fantastique qui joue avec les normes du monde réel ?

C’est le fantasme d’une femme qui se construit un monde onirique où elle est proche de la nature. Cela fait partie aussi des symboles féminins : la femme Nature, la femme mère, la femme « femme » qui a également des désirs. Elle va nourrir avec son lait, à travers sa bouche, des petits personnages. On est vraiment dans une sensualité très belle. Au bout du compte, ce monde qui se construit est un fantasme qu’elle est en train de vivre et c’est comme cela qu’elle en arrive à se masturber. C’est plutôt beau la manière dont c’est amené. Ce n’est pas une sexualité pornographique.

Il y a également La Bête, le jeudi 16, qui parle de la sexualité de la femme de façon très crue.

C’est pareil, c’est un fantasme de femme ! Le réalisateur cherche à raconter plutôt d’où vient notre part de bestialité. Comment s’exprime-t-elle et comment on peut la laisser s’exprimer librement ? Il va très loin. Là encore, je trouve qu’il n’y a pas de grossièreté mais un élan bestial assumé pleinement avec une belle patte de la part du réalisateur. Il utilise l’animation comme un moyen de fantasmer tout ça.

Concernant le festival en lui-même, dans votre jury 2014 du Grand Prix Court Métrange, il y a 8 hommes et 2 femmes. Dans les 10 précédentes éditions, il n’y en avait pas à peine plus. Même chose pour les réalisatrices où il n’y en a que 3 cette année. Comment expliquez-vous ces chiffres ?

Ce n’est pas fait exprès ! Nous ne sommes pas dans une urgence de mixité. Dans le jury de cette année, il y a Corinne Bernard, de la société Beaumarchais-SACD, une très grande habituée qui remet un grand prix du festival depuis l’origine. Au départ, la personne de la société Beaumarchais était un homme, Paul Tabet, mais elle lui a succédé. Mélanie Fazi est une auteure du genre fantastique, qu’on a voulu la contacter parce qu’on cherchait un jury éclectique. Nous ne voulions pas seulement des réalisateurs et des comédiens mais aussi, si possible, des auteurs. Quand on cherche les membres du jury, on cherche des gens qu’on a envie d’avoir.

Il y a malgré tout de plus en plus de femmes réalisatrices dans la programmation du festival.

On reçoit beaucoup de films, oui ! Beaucoup de femmes réalisent, ce n’est pas nouveau. Il se trouve que cette année, dans notre programmation, il n’y en a que trois ou quatre. Elles sont très présentes dans ce métier. Dans nos choix, on ne fait pas attention si c’est un homme ou une femme qui réalise. On s’en fiche. Au départ, c’est le film qui importe. On s’est rendus compte notamment qu’après avoir fait notre programmation, il y a trois ou quatre réalisateurs qui reviennent. Nous sommes très contents de les suivre à Court Métrange. Bien sûr, il y a quelqu’un derrière qu’on mettra en avant par la suite mais c’est le film qui est mis à l’honneur, ce qu’il raconte et ce qu’il véhicule.

Vous avez expliqué toute à l’heure que l’agence Kerozen conçoit ses images pour attirer un public féminin. Pensez-vous l’avoir conquis ?

De plus en plus, oui ! Kerozen a gagné son pari puisque dans la communication qu’ils ont mis en place, le public féminin est de plus en plus présent. Donc oui ! Chaque année, des étudiant-e-s du GEPAM [formation qui fait partie de l'IUT Gestion des entreprises et des administrations Rennes, ndlr], de la gestion événementielle et des productions multimédias, font un audit du public. Ils regardent la proportion de femmes : il y a 40% de femmes, 60 d’hommes. Nous avons essentiellement des moins de 30 ans dans notre public et la seconde proportion se concentre sur les trentenaires. C’est grâce à ces audits que nous pouvons le savoir. C’est un retour très chouette !

Célian Ramis

On adore être fans de Jeanne Herry

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Cinéma Gaumont, Rennes
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Passer à côté de Jeanne Herry et de son premier long métrage serait une erreur. Le pari de ce film est risqué, « casse-gueule » nous dira même la réalisatrice, mais joliment et brillamment relevé.
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Le premier long métrage de Jeanne Herry sort aujourd’hui, mercredi 24 septembre, au cinéma. Pour présenter Elle l’adore, la réalisatrice est venue à Rennes, vendredi 19 septembre, accompagnée de l’actrice Olivia Côte.

Passer à côté de Jeanne Herry et de son premier long métrage serait une erreur. Le pari de ce film est risqué, « casse-gueule » nous dira même la réalisatrice, mais joliment et brillamment relevé. C’est un coup de cœur qui nous frappe lors de la projection. C’est un coup de foudre lors de la rencontre avec les deux professionnelles. Fille de Miou-Miou et de Julien Clerc, Jeanne Herry est une véritable passionnée.

Passionnée de cinéma, de musique, de ce qui l’entoure et l’interpelle. Elle prouve dans Elle l’adore qu’elle possède le soucis du détail, le sens du possible et non du probable, l’envie d’exprimer une vision des choses, l’habileté pour manier les genres en jouant entre la comédie et le polar. La réalisatrice a travaillé plus de 10 ans sur son scénario dont la vingtième version est portée aujourd’hui à l’écran.

« J’ai fait d’autres choses entre temps quand même, je ne suis pas mono maniaque, plaisante-t-elle. Mais c’est un travail de longue haleine avec une histoire très charpentée, très exigeante. » Elle établit alors la liste de ses péripéties de manière non anachronique :

« J’ai mis autant de temps parce que je suis une peu lente. Il fallait se lancer, trouver une façon d’écrire, le faire lire, relire, trouver une productrice, faire un premier court-métrage (Marcher avec Miou-Miou et Olivia Côte), trouver une idée, faire des enfants, trouver des financements, trouver le bon casting… »

LA FACE A ET LA FACE B

Le bon casting en effet. Sandrine Kiberlain, Laurent Lafitte, Olivia Côte et Pascal Demolon incarnent sans fausses notes et avec une extrême justesse, respectivement, une fan, un chanteur et un couple de flics. « J’avais cette volonté là depuis le départ. Je connais bien le milieu des célébrités et des fans, j’avais envie de partir de là. Et j’avais la volonté de montrer un film très sérieux mais ludique dans chaque recoin du scénario. De toute manière, je ne sais pas écrire une histoire d’une autre manière que ça… », précise la réalisatrice.

Murielle (Sandrine Kiberlain) est esthéticienne, bavarde, mythomane et fan de Vincent Lacroix (Laurent Lafitte), un chanteur populaire. La vie de Murielle prend une autre tournure lorsqu’une nuit, son idole débarque chez elle pour lui demander de cacher le corps de sa femme, morte accidentellement assommée par une victoire de la musique. Une enquête policière est alors ouverte et est confiée à un duo de flics en pleine rupture.

Loin d’un polar traditionnel, Jeanne Herry se saisit du genre pour raconter l’histoire « d’un mec bien qui découvre ses côtés sombres ». Et à travers ce scénario, la réalisatrice révèle à la fois la banalité et la beauté de la vie. La normalité d’un homme connu, la personnalité insolite d’une femme normale, l’explosion d’une relation amoureuse…

« La face A et la face B de tout le monde… Moi, je suis raide dingue de mes personnages même quand ils se comportent mal. J’adore écrire sur un personnage mytho, c’est du bonbon pour moi ! »
Jeanne Herry, réalisatrice.

Elle dépeint alors une femme qui vit dans l’extrême de sa passion qui prend trop de place dans sa maison : « Je trouve que ça interroge mais que c’est touchant. On montre souvent des fans qui deviennent intrusifs et qui sont pathétiques de solitude. Je n’en ai jamais croisés des gens comme ça ! Murielle a une fêlure, une petite dinguerie, mais n’est pas pathétique. »

« JE N'AI PAS ABORDÉ CE RÔLE SOUS L'ANGLE DE LA GROSSE SALOPE ! »

Et sa façon de décrire ses personnages, de leur donner vie, enthousiasme Olivia Côte, son amie depuis 15 ans, sa première lectrice et sans aucun doute une de ses plus grandes fans.

« Jeanne accorde beaucoup de crédit aux autres, elle est dans l’observation de ce qui l’entoure et dans l’humanité. J’ai lu 153 fois le scénario, j’étais épatée dès la première lecture. C’est facile d’être l’amie d’une meuf qui écrit un super truc depuis le début ! »
Olivia Côte, actrice.

À l’écran, Olivia incarne le personnage de Coline, flic un brin nympho : « Jeanne a créé
ce personnage à la suite d’observations de certaines femmes de son entourage je pense. Coline, c’est une femme qui a besoin d’être rassurée, qui aime séduire et qui ne peut pas résister à la tentation. C’est comme ça que je l’ai pris. Je n’ai jamais abordé ce rôle sous l’angle de la folie ou de la grosse salope. 
» Avec son partenaire, Pascal Demolon, ils affichent une parfaite fusion. Complicité, difficultés, craquage… Les spectateurs vivent les épreuves personnelles des deux personnages simultanément.

Lors de sa venue, l’actrice raconte que leur duo était une évidence : « Je l’avais rencontré une seule fois avant le tournage. Mais c’était facile. Il ressemble à mon père ! Et il a fait de la danse classique, comme mon père. Ça a été un coup de foudre. Pas amoureux mais un coup de foudre. Une évidence. »

De là nait un seul personnage, le couple. « Au début, je pensais à une histoire d’amour naissante. Puis j’ai trouvé ça plus intéressant que l’on commence par la rupture. Dans les films, on saccage tout le temps la vie des flics. Ils n’ont jamais le temps d’avoir une vie perso. Ici, l’enquête est menée par un couple en craquage. Quand on sait qu’une enquête de disparition est déjà très compliqué à gérer en France… », ajoute Jeanne Herry. Elle l’a dit et le redit, ce qui l’intéresse, c’est explorer le possible. Inspirée par le film de Dominik Moll, Harry un ami qui vous veut du bien, elle souhaite porter à l’écran un film avec une vérité, « ce qui ne signifie pas que ce soit crédible. »

Pas question d’imiter Maïwenn ou Tavernier avec un autre Polisse ou L.627, deux films qu’elle aime beaucoup. Pour Elle l’adore, elle préfère se placer dans la veine de Garde à vue (Claude Miller) ou encore de Crimes et délits (Woody Allen).

Elle signe ici un premier long métrage soigné et soigneux. À son image, sérieux et drôle. Elle pourrait en parler pendant des heures, et on pourrait l’écouter pendant tout ce temps. Celle qui a passé 10 ans à travailler son œuvre, après avoir été actrice puis figurante, prouve ici son talent dans un film minutieusement pensé et bien rythmé, entre histoires étoffées à la Kiberlain, situations comiques et tensions dramatiques.

Ces dernières étant amenées par les silences détonnants. « Au départ, le film devait s’appeler, Elle l’aime, elle l’adore, en référence à la chanson « La groupie du pianiste ». Mais nous n’avons pas eu les droits. J’aime la chanson en générale, c’est ma culture, mais là je n’en avais pas envie », explique-t-elle. Elle ajoute en conclusion :

« Le silence annonce le début du drame. J’ai travaillé sur la sensation de silence, avec des bruits très simples. J’ai même enlevé certains bruits du quotidien au montage. La nuit, on est protégés, on peut faire des choses folles dans la vie. Le jour, les ennuis commencent… »

Célian Ramis

Festival Zanzan : comme une envie de changer l'image de l'autisme

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« J’ai fait ce film pour présenter une enfant qui a une liberté rare qu’on ne retrouve pas chez nous, les « normaux ». On a beaucoup à se reprocher sur notre liberté, les limites de notre normalité » explique la réalisatrice Eugénie Bourdeau
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« J’ai fait ce film pour présenter une enfant qui a une liberté rare qu’on ne retrouve pas chez nous, les « normaux ». On a beaucoup à se reprocher sur notre liberté, les limites de notre normalité » explique la réalisatrice Eugénie Bourdeau dont le documentaire, Sa normalité a été projeté vendredi 4 avril aux Champs Libres dans le cadre de la troisième édition du festival Zanzan, « Cinéma des arts et des différences » dirigé par Philippe Thomas, qui se déroulait du 3 au 6 avril à Rennes.

Ce documentaire de vingt-six minutes compile dix années de moments d’intimité de la vie d’Eugénie Bourdeau et de sa fille Lucile, 12 ans, diagnostiquée autiste à 4 ans. À la maison, en région parisienne puis à Avignon, en voiture sur un air de Francis Cabrel, lors d’une fête de la musique où l’enfant danse dans la foule ou bien à l’école, tant de moments de la vie quotidienne capturés par la caméra et le smartphone de cette mère, ancienne scripte pour le cinéma, qui décide, lorsqu’elle se retrouve seule avec Lucile à l’âge de un an de passer à la réalisation afin de filmer celle qu’elle considère comme « passionnante ».

Monté en une semaine, ce film l’a été à l’occasion d’un décrochage d’une des expositions des travaux de Lucile, « La Tribu de Lulu »*.

Parce que oui, Lucile dessine. Elle dessine frénétiquement au stylo noir, presque compulsivement, sur des centaines de feuilles par jour, des corps enlacés, en mouvement, dans un style qui, s’il est très naïf, n’en est pas moins vif et précis. Sur la vingtaine de minutes du documentaire, beaucoup de plans se concentrent sur cette activité qui accapare une grande partie du temps de l’adolescente.

Le dessin pour Lucile « c’est sa lecture des choses, une manière de traduire ce dont elle est témoin » selon sa mère. Cette voie prise par Lucile leur a ouvert de nombreuses portes explique la réalisatrice, qui déplore la succession de mauvaises expériences qu’elles ont connu dans ce système d’école ou avec des personnes qui n’ont pas su comprendre ou s’adapter à la singularité de l’enfant.

« Pour eux, nous sommes les handicapés »

En voyant ces images, on ne peut que sentir l’émotion, les moments de joie et d’amour de cette relation fusionnelle entre une mère et sa fille. C’est un documentaire joyeux, lumineux, sur un air du groupe Islandais Sigur Rós, que réalise Eugénie Bourdeau, qui a fait le choix de ne pas intégrer les colères de Lucile au montage par souci d’intimité.

C’est ainsi un film très positif qui nous est donné de voir, mais c’est en discutant avec la réalisatrice que l’on comprend en quoi le faire a été pour elle, un travail sur soi. Outil de mémoire, ce film lui a permis, en visionnant les images, de prendre du recul sur Lucile, leur relation et de s’approprier une seconde lecture des choses.

Pour la mère, le problème avec l’autisme, c’est les autres. « On fait subir à ces enfants notre propre incompétence à ne pas les comprendre. Être face à l’autisme demande un vrai travail sur soi et de revoir sa façon d’être. Les gens ne s’adaptent pas et pourtant, il faut respecter les autistes en tant que personnes », explique la réalisatrice qui garde un œil sur sa fille qui joue au soleil et s’adresse à des inconnus de manière spontanée.

Sa normalité accompagne ainsi les expositions de Lucile Notin-Bourdeau et devait tout d’abord s’adresser à un public restreint de proches. Or, si Eugénie Bourdeau n’envisageait pas sa diffusion au grand public de prime abord, l’idée de pouvoir engager des débats autour de l’autisme l’a conquise et ce fut le cas après sa projection aux Champs Libres, en sous-titré et en audio description pour ceux qui le souhaitaient.

Dans la salle certains connaissent et comprennent l’autisme, d’autres sont moins sensibilisés et posent des questions. Lucile monte sur l’estrade et commence à chanter Highway to Hell du groupe ACDC ou Down On My Knees de l’artiste Ayo sous le regard bienveillant des spectateurs qui s’amusent de son énergie et de sa liberté dont nous parle tant sa mère.

« J’ai voulu montrer une autre façon d’être, la beauté dans sa liberté », conclut Eugénie Bourdeau qui parle de « singularité » pour l’autisme plutôt que de handicap; cette singularité qui encore aujourd’hui reste compliquée à comprendre, à expliquer mais qui cette fois, rime avec légèreté et sourire.

* Pour voir les dessins de l’artiste Lucile Notin-Bourdeau : latribudelulu.com

Célian Ramis

Festival Zanzan : l'art de la différence à Rennes

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Le festival Zanzan traite le handicap à travers la programmation de films, de spectacles vivants, d’exposition et de rencontres littéraires.
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Du 3 au 6 avril, le festival Zanzan « Cinéma et arts des différences » aborde dans divers lieux de Rennes et ses environs*, le handicap à travers la programmation de films, de spectacles vivants, d’exposition et de rencontres littéraires. Pour cette troisième édition, la réflexion se porte sur l’accessibilité du cinéma et des œuvres aux déficients sensoriels, notamment par l’audio-description avec la présence d’une professionnelle : Isabelle Lempereur.

Elle est auteure d’audio-description. Depuis 5 ans, elle écrit les commentaires qui s’insèrent entre les dialogues et les bruits, dans plusieurs films et téléfilms diffusés sur Arte et France télévision. Ce procédé permet aux non voyants et aux malvoyants de suivre, sans les images, une œuvre audiovisuelle, cinématographique ou théâtrale afin « de transmettre une émotion sans les nommer », décrit cette femme.

Le choix des mots est essentiel et les qualificatifs  primordiaux, pour développer l’interprétation du bénéficiaire. Isabelle Lempereur les sélectionne avec précaution pour rester au plus proche du travail du réalisateur. « Il ne faut pas utiliser un vocabulaire trop simple ou trop recherché, sinon le spectateur se perd aussi dans sa réflexion », précise-t-elle. Actions, décors, costumes, expressions de visage : l’ensemble des scènes est dépeint avec minutie et prend en compte le rythme et le style de l’œuvre.

Un long processus de travail est nécessaire pour y parvenir. Il faut ainsi compter plus de 10 jours pour un film de 90 minutes. La tâche s’effectue en binôme, un rédacteur et un relecteur, puis une simulation est organisée avec un malvoyant afin de valider ou non l’écrit.

« Il faut être très rigoureux pour ne pas empiéter sur la bande son », explique la professionnelle. Les données techniques sont aussi prises en compte lorsqu’elles influent sur la compréhension de l’œuvre. C’est important pour des fondus au noir, par exemple – qui désignent le temps qui passe. Enfin, une fois validé, le manuscrit est envoyé à la production et enregistré avec des comédiens.

Cette année, selon un accord conclu entre le Conseil Supérieur de l’Audiovisuel et France télévision, 547 programmes seront audio-décrits sur l’ensemble des chaînes du service public. 730 l’année prochaine. Un nombre de diffusion également en progression sur certaines chaines comme TF1, M6, W9 et TMC. « Nous sommes sur la bonne voie, cela se démocratise », confie Isabelle Lempereur.

Cependant, certaines évolutions restent à prévoir : notamment sur la sensibilisation des exploitants de salle de cinéma, des producteurs et des réalisateurs et sur la diversité des programmes proposés. Les fictions étant davantage audio-décrites que les documentaires.

Le samedi 5 avril, au cinéma Le Sévigné à Cesson Sévigné, lors de la journée sur l’accessibilité du cinéma et des œuvres, les professionnels auront l’occasion de débattre sur ces sujets. «  Il faudra également soulever les questions des subventions accordées aux réalisateurs ainsi que la reconnaissance du droit d’auteur des audio-descripteurs », ajoute Isabelle Lempereur. Pour elle, l’audio-description doit être considérée comme une version à part entière de l’œuvre.

En outre, Isabelle Lempereur se dit fière de contribuer à ce nouveau mode de communication et de transmission de la culture. Car « c’est un métier enrichissant et valorisant », conclut-elle.

* Salle de la Cité, Gaumont Rennes, ciné TNB, les Champs Libres et le cinéma Le Sévigné

Célian Ramis

Droit à l'avortement : Désirée ou l'art du court-métrage rennais

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Et si en France l’avortement n’était pas complètement légalisé ? Et si en France, il fallait avoir été violée pour avoir accès à l’IVG ?
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Et si en France l’avortement n’était pas complètement légalisé ? Et si en France, il fallait avoir été violée pour avoir accès à l’IVG ? Deux jeunes rennais, Mathilde Joubaud et Paul Marques Duarte, ont décidé de transposer l’actualité espagnole à la France, dans leur court-métrage Désirée.

Une production rennaise – le collectif informel HCBS Productions – des acteurs rennais, des réalisateurs rennais, en quelques mots un court métrage 100% rennais. Mais le message transgresse les frontières et va au-delà de la capitale bretonne.

En janvier 2014, Mathilde Joubaud, lycéenne à Saint-Martin en option Cinéma, et Paul Marques Duarte, étudiant en Arts du spectacle à Rennes 2 – qui se sont rencontrés au lycée Saint-Martin et sur le tournage d’un court-métrage, réalisé par Paul, sur les effets de l’alcool au volant – décident de travailler ensemble sur le projet Désirée, en réaction à la loi espagnole restreignant l’accès à l’IVG à deux cas seulement : en cas de viol (avec dépôt de plainte obligatoire) ou en cas de danger pour la santé de la mère.

« J’avais entendu parler de cette loi et je voulais réagir. J’ai fait beaucoup de recherches pour comprendre les modifications de cette loi et le timing qu’on avait pour faire le film », explique Mathilde. Âgée de 17 ans, elle est touchée par la violence de cette actualité : « En tant que femme, je me sens concernée. Mais j’ai aussi une amie espagnole, que j’ai vu perturbée par les événements. C’est inadmissible ce qu’il se passe ! »

Dans ce très court-métrage, de 2 minutes, Paul et Mathilde ont choisi parmi plusieurs scénarios de présenter le cas d’une jeune femme de 18 ans – interprétée par Sydney Massicot, élève au lycée Saint-Martin – qui, enceinte, décide d’aller consulter son médecin – interprété par Eddy Del Pino, fondateur du collectif Un film, un jour – pour avorter. Ce dernier, ravi que la patiente attende un enfant – « c’est formidable » lui dira-t-il d’emblée – s’assombrit en découvrant qu’elle ne souhaite pas le garder. « Pas violée, pas d’IVG », la phrase est cinglante, le message brutal, l’impact percutant.

Une réalité peu probable dans l’Hexagone, qui a renforcé le 20 janvier 2014 sa position sur le droit à l’avortement en supprimant le caractère d’urgence inscrit dans la loi Veil, mais qui deviendra celle de l’Espagne puisque le 20 décembre dernier le gouvernement de Mariano Rajoy a approuvé le projet de loi – qui devrait être voté par le Parlement après les élections européennes, fin mai. C’est alors un choix des réalisateurs de transposer la situation espagnole à un cas français en flirtant avec le registre de la comédie :

« Elle n’est pas faite uniquement pour divertir mais également pour faire passer le message. Désirée n’est pas tellement une comédie au fond, on tire sur l’humour noir à fond ».

La comédie, un genre sérieux. Un argument défendu par de nombreux réalisateurs, tels qu’Alexandre Astier ou tel que l’avait expliqué Bertrand Tavernier, lors de son passage à Rennes le 8 octobre 2013 pour l’avant-première de son dernier film Quai d’Orsay.

Un impact important

La tendance actuelle est à la transposition. À l’occasion de la journée internationale des femmes, la réalisatrice française Lisa Azuelos (qui avait écrit un scénario pour la cause gay féminine dans les années 90, sous son nom d’épouse à l’époque, Lisa Alessandrin) utilisait ce principe dans un court-métrage de 4 minutes, 14 millions de cris, avec Julie Gayet, Alexandre Astier, Adèle Gasparov et Philippe Nahon. Un mini film dont l’objectif était de dénoncer les 14 millions de filles mineures mariées de force dans le monde.

Ici, Paul Marques Duarte et Mathilde Joubaud n’ont pas la prétention de « faire bouger les choses mais de faire réfléchir, en touchant un public large, et jeune. C’est important que les jeunes comprennent la situation ». En le projetant au lycée Saint-Martin, l’idée fait son chemin. Désirée provoque les rires dus à la situation, à la réaction naïve et spontanée – à première interprétation – du médecin, qui se transforment peu à peu en rires nerveux pour ensuite se figer sur place. Peut-on rire de tout ? La question est posée à demi-mots de manière à ne pas empiéter sur le sujet principal et les réactions des un(e)s et des autres. Vient ensuite le temps de la réflexion et des premiers ressentis.

« Étonnamment, nous avons eu pas mal de réactions masculines qui, une fois le rire passé, trouvaient ça intéressant et juste dans le traitement, pas dans la loi. Et pour les filles, certaines ont trouvé ça abusé »
confie Mathilde, interpellée.

Dérangées par le message ? Pourtant, en France, les Marches pour la vie ont envahi les rues de Paris, en janvier 2014, afin de défendre « le respect envers toute vie humaine ». Sans oublier que début décembre 2013, le Parlement européen (dont des députés UMP français) a rejeté le rapport Estrela sur la santé et les droits sexuels et génésiques, refusant ainsi de faire de l’avortement un droit européen. Une grande « bêtise de la part des héritiers de Simone Veil », nous confie l’ancienne adjointe au maire de Rennes, Nicole Kiil-Nielsen, actuellement eurodéputée écologiste.

Une suite engagée et envisagée

Pour Mathilde Joubaud, il est inacceptable de voir bafoués des droits obtenus après plusieurs décennies (lire notre article Rennes : un lieu de rassemblement pour le droit à l’avortement – 24 mars 2014). « Pourquoi régresse-t-on de cette façon ? On sait que par temps de crise, les droits sont menacés. Il suffit de peu de chose : les droits ne sont jamais acquis », s’insurge-t-elle.

Un point sur lequel la rejoint Paul Marques Duarte, qui aime s’attaquer à des sujets de société et marquer les esprits, comme il l’avait déjà fait auparavant avec son court-métrage Reflet, sur le harcèlement scolaire. Un très court-métrage réutilisé par l’État pour lutter contre ce type de harcèlement. Ou encore avec Fruit qu’on fit, dans lequel il aborde le divorce du point de vue de l’enfant, sélectionné en hors-compétition (short film corner) au festival de Cannes, l’an dernier. Tous deux ont conscience de l’impact des arts et notamment celui du cinéma sur le public et l’opinion publique.

« Plus c’est percutant, mieux c’est. Et plus c’est court, plus les jeunes regardent. En deux minutes le message passe, c’est efficace », explique Paul.

Du haut de ses 18 ans, il signe le scénario de Désirée et co-réalise le mini film en une après-midi à Laillé, près de Rennes. Il opte également pour des plans fixes « afin de montrer que les choses ne bougent pas, et surtout que personne ne bouge ». Un choix qui sera certainement réemployé dans leur deuxième court-métrage, sur le même thème mais avec un scénario différent, cette fois signé Mathilde Joubaud.

« On se placera sans doute du point de vue de la femme dans le prochain. Là, on expliquait la situation. Maintenant, on montrera le ressenti de la femme. Dans cette loi, on prend plus en compte la valeur du bébé que celui de la mère. Cette dernière doit s’effacer au profit de son enfant, ce n’est pas normal », précise la jeune réalisatrice. Toujours dans l’objectif de transmettre que l’avortement est un droit : « On peut garder l’enfant. On peut ne pas garder l’enfant. C’est un choix. Un droit. »

Pour l’heure, le duo pense d’abord à réenregistrer le son de Désirée en le post-synchronisant dans les studios rennais, Nomades productions – et peut-être modifier le titre de ce court-métrage à la suite de réactions sensibles au fait que c’était un nom mixte employé ici au féminin – puisque le film pâtit actuellement d’une mauvaise qualité nuisible à son efficacité. Des projets de diffusion sont en cours – notamment pour une projection au festival Court en Betton si le film est retenu parmi la sélection – et le tournage du deuxième volet devrait suivre dans les semaines à venir. Pour visionner la première partie de leur travail, cliquez ici.

Célian Ramis

Alexandre Arcady, derrière les yeux d'une mère

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Jeudi 6 mars, le réalisateur Alexandre Arcady était de passage à Rennes pour présenter son nouveau film, 24 jours, dont la sortie au cinéma est prévue le 30 avril. Le film revient sur l’enlèvement et la mort d’Ilan Halimi, en 2006.
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Jeudi 6 mars, le réalisateur Alexandre Arcady était de passage à Rennes pour présenter son nouveau film, 24 jours, dont la sortie au cinéma est prévue le 30 avril. Le film revient sur l’enlèvement et la mort d’Ilan Halimi, en 2006.

« C’est un événement qui a bousculé la France. C’était impensable à l’époque. Tous les citoyens ont été choqués, décontenancés face à cette abomination ». Cette abomination que décrit ici Alexandre Arcady se produit le 20 janvier 2006. Emma, une inconnue qu’Ilan a rencontré dans le magasin pour lequel il travaille, lui propose un rendez-vous dans un bar ce soir-là.

Elle sert d’appât. Il sera enlevé, séquestré et torturé pendant 24 jours, avant d’être brûlé et relâché pour finalement être retrouvé inconscient à Sainte-Geneviève-sous-Bois (dans l’Essonne). Il décède le 13 février, de faim et de froid. « On connaissait l’histoire. Avec la fiction, on passe par le cœur. La fiction est un chemin important pour sensibiliser les cœurs et nos concitoyens », déclare Alexandre Arcady.

Et pour traiter ce fait divers, il a « volontairement choisi d’être du côté de cette famille, modeste, qui vit normalement », en s’inspirant du livre 24 jours : la vérité sur la mort d’Ilan Halimi, écrit par Ruth Halimi, sa mère – interprétée à merveille par Zabou Breitman – et Emilie Frèche, écrivain. « En étant derrière la mère, et derrière la police, j’emmène le spectateur dans la famille », précise-t-il.

Pendant presque 2 heures, le réalisateur nous plonge dans le cauchemar traversé par les parents, les sœurs et l’entourage d’Ilan Halimi durant ces trois semaines de février 2006. Les spectateurs suivent alors l’enquête menée par les équipes du quai d’Orsay sur les traces de ceux qui seront nommés sous « le gang des barbares », décrit dans le film comme une bande de « bras cassés des cités », animée par l’appât du gain financier et dirigée par Youssouf Fofana alias Django, arrêté le 20 février à Abidjan, en Côte d’Ivoire puis extradé vers la France pour y être jugé et incarcéré.

En mars de la même année, le tribunal reconnaît officiellement la circonstance aggravante d’antisémitisme. Dans son livre, Ruth Halimi explique – elle le dira notamment à la radio face à Marc-Olivier Fogiel – qu’elle souhaite « que la mort d’Ilan serve à donner l’alerte ». Un objectif que le réalisateur rejoint : « il n’est pas question de révisionnisme ou de refaire l’histoire. Il s’agit là de la description d’une réalité terrible et d’une sonnette d’alarme qu’il faut tirer ». Son choix se porte alors sur l’histoire d’une mère « qui va vivre 24 jours comme n’importe quelle mère peut vivre la disparition, de manière aussi abjecte, de son enfant ».

À la sortie de la projection, les réactions sont vives, partagées ou encore sceptiques. Le sujet est sensible, ne laisse pas insensible mais se heurte à la question de l’intérêt servi ici : y voir un acte antisémite pur ou un acte de barbarie qui se chargera par la suite de circonstances aggravantes liées au crime antisémite. Derrière cette piqûre de rappel, peut-on y voir simplement un film bien réalisé, ultra-réaliste et subtilement porté par la force du jeu de ses acteurs (Jacques Gamblin, Pascal Elbé, Zabou Breitman, Sylvie Testud,…) ?

Célian Ramis

Travelling : Dans les yeux de Maria de Medeiros

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Pour Travelling Rio, la franco-portugaise, « brésilienne de cœur », revient à Rennes sous de multiples casquettes : réalisatrice, chanteuse et marraine de la 25e édition.
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En 2002, lors de l’édition sur Lisbonne, elle était venue présenter son long-métrage Capitaines d’avril, un film sur la révolution des Œillets au Portugal. Pour Travelling Rio, la franco-portugaise, « brésilienne de cœur », revient à Rennes sous de multiples casquettes : réalisatrice, chanteuse et marraine de la 25e édition.

Maria de Medeiros, c’est la sensibilité et la chaleur d’une bossa nova. Dimanche dernier, à l’occasion des Premiers dimanches, elle présentait son nouvel album Passaros Eternos (Nu.Age dans sa version française). De quoi envouter les visiteurs confortablement installés dans la salle de conférence pour l’occasion, dans une ambiance confinée et intimiste.

Mais Maria de Medeiros, c’est aussi une sacrée comédienne, actrice et réalisatrice. De Bigas Luna (Macho) à Serge Moati (Des feux mal éteints), en passant par Marjane Satrapi (Poulet aux prunes, La bande des Jotas) et Quentin Tarantino (Pulp Fiction), la marraine de Travelling affiche une filmographie riche et variée qu’elle continue d’allonger.

L’an dernier, elle était au Brésil pour la pièce de théâtre « À nos enfants » (sur l’adoption dans un couple lesbien) qu’elle devrait prochainement adapter au grand écran. Pour l’heure, elle présente son dernier documentaire Les yeux de Bacuri, articulé autour de 3 femmes brésiliennes ayant eu un lien avec le guérillero Bacuri – Eduardo Leite – mort sous la dictature en 1970, après 109 jours de torture.

« C’était une suggestion de la Commission d’Amnistie et Réparation – du ministère de la Justice du Brésil – qui m’a présenté cette famille, ces trois générations de femmes qui ont survécu », explique Maria de Medeiros. Une commission que l’on verra, à la fin du documentaire, demander pardon aux victimes de la dictature brésilienne. « Une aide est proposée pour une reconstruction juridique et administrative. Mais ils ne pourront jamais réparer les souffrances et l’angoisse de ce qu’elles ont vécu, et ils le disent dans le film », poursuit la réalisatrice.

Cette dernière s’embarque alors dans une aventure express et intense, pour un « tournage rock’n’roll », plaisante-t-elle. Trois jours à Rome, deux jours à Sao Paulo, à la rencontre de Denise Crispim – fille de Encarnacion, grande résistante qui fuira au Chili, et femme d’Eduardo Leite – et deux jours en Hollande pour rencontrer Eduarda Crispim Leite – fille d’Eduardo Leite et Denise Crispim. C’est le travail de montage qui sera plus long et compliqué « puisqu’il fallait remettre en ordre cette parole qui était très difficile au départ. Il y a eu des confusions dans les dates, des longs silences par moment et des paroles très chaotiques à d’autre ».

La réalisatrice se souvient de certains témoignages qui ont conduit toute l’équipe « à sangloter derrière la caméra ». Mais elle tient son objectif en tête : libérer la parole, sans utiliser d’images d’archives, simplement des archives personnelles et familiales, ainsi que des souvenirs, des réflexions et des anecdotes de Denise Crispim et sa fille, Eduarda, qui n’a jamais connu son père.

Et pour libérer cette parole, Maria de Medeiros s’efface « pour laisser les femmes dans la lumière ». Elle pense alors au réalisateur Claude Lanzmann qui, dans le film Shoah, laisse entendre sa voix en déclarant : « Tu dois le dire ». « C’était ça, il fallait le dire ! Si on connaît un peu l’histoire de Bacuri, pour les 109 jours de torture endurés, en revanche on connaît beaucoup moins l’histoire de ces femmes qui se sont battues, ont survécu et ont essayé de vivre après cela », explique-t-elle.

Tout comme pour son documentaire Je t’aime moi non plus – mettant en lumière la relation entre artistes et critiques de cinéma lors du festival de Cannes – elle n’a posé qu’une seule question, voire deux, afin de les laisser dérouler leurs histoires difficiles à se remémorer, difficile à restituer. C’est à travers les différentes émotions qu’elle vont ressentir lors de leurs récits et de leurs réflexions que la réalisatrice embarque les spectateurs, qui oscillent entre plusieurs émotions, telles que l’empathie, la douleur, la tristesse et la force suscitée par les parcours de ces femmes – de la grand-mère à la petite fille.

De l’emprisonnement de la mère, alors enceinte de plusieurs mois, à leur reconnaissance en tant que victimes de la dictature, elles nous présentent ce qu’a été leur vie. Une longue série d’exil, de combats et de questionnements.

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