La compagnie bretonne Légendanse a présenté, le 15 janvier, sa dernière création aux Rennais, intitulée Je-u. Une pièce chorégraphique pour quatre femmes, autour des représentations de soi.

« Dans toutes les salles de danse, il y a un miroir. Mais il n’a pas toujours été un ami… » Émilie Dhumérelle entretient un rapport conflictuel avec son corps. Amour, un jour ; désamour, le lendemain. Pourtant, elle en a la maitrise absolue. Elle est la chorégraphe de Légendanse.

La compagnie, qui s’est installée dans les Côtes-d’Armor, était en résidence, auprès du collectif Danse Rennes Métropole, du 12 au 16 janvier. Autour de la chorégraphe, Adeline Grit, Élise Martin et Virginie Auray ont donné une représentation publique de leur dernière création, dans une ambiance intimiste, le 15 janvier.

Je-u est un questionnement sur le processus de création identitaire. « Je, c’est l’égo, la psyché. Et le jeu, c’est pour l’enfant qui se découvre et se reconnaît dans le miroir. Dans sa tête, c’est un choc », explique Emilie Dhumérelle. L’idée du spectacle, la chorégraphe la doit à ses enfants. C’est en les observant qu’elle a compris l’importance du processus de reconnaissance : « Avant de se voir dans le miroir, ma fille parlait d’elle à la troisième personne. »

LA PSYCHOLOGIE AU SERVICE DE LA DANSE

Entre deux sourires, Émilie Dhumérelle cite fréquemment Françoise Dolto et Jacques Lacan, parle psychologie et rapport au corps : « J’ai lu beaucoup de livres. C’est une piste, un axe de travail qui fait réfléchir. Cette création raisonne bien dans la société actuelle, surtout chez les femmes. Elles sont constamment à la recherche d’une image parfaite mais celle-ci n’existe pas… Moi-même, pendant longtemps, j’ai essayé de rentrer dans le format de la danseuse au physique idéal. » Un constat qui l’a encouragé à créer un spectacle exclusivement féminin : « Au début, je ne le souhaitais pas forcément. Et puis, au fur et à mesure, je me suis dit que c’était mieux. Les femmes ne sont jamais contentes devant la glace. Pour les hommes, c’est différent. Ils en parlent moins. »

Des corps fins et harmonieux, une tenue impeccable, et pourtant… « Je suis sur scène, les gens viennent pour me voir mais ça ne veut pas dire que je m’assume », concède Adeline Grit, à la longue chevelure rouge. Virginie Auray acquiesce : « J’essaie d’être en paix avec cette image. ll y a des phases, des cycles, des rencontres. Et aussi l’âge de la remise en question. » Et ce n’est pas Élise Martin qui contredirait ses partenaires : « La difficulté, c’est de se mettre à nu, de se montrer soi-même. »

Ces doutes perpétuels se retrouvent dans le spectacle. Après deux ans de travail, la création se cherche encore : « C’est un long parcours de recherche chorégraphique et de remise en question personnelle, dont une période de compagnonnage avec Territoires d’écritures en mouvement (TEEM), la structure de développement chorégraphique de Quimper », explique Émilie Dhumérelle. Une période que la danseuse qualifie aujourd’hui de « psychothérapie ».

LE JEU DU MIROIR

À Rennes, les quatre artistes ont modifié l’articulation du spectacle, pour un rendu plus fluide et juste. « Quelques incertitudes subsistent », concède Emilie Dhumérelle. Sur scène, les danseuses évoluent autour de deux miroirs. Objet de jeu, de découverte, la glace reflète l’image, attire la curiosité ou la répulsion. Les danseuses se découvrent entre elles, jusqu’à jouer avec leur propre reflet. Elles s’interrogent en gestes, toujours avec précision. Formées à la danse classique, les jeunes femmes se libèrent des carcans pour exprimer des émotions et des questionnements.

Le choix du contemporain était, pour ces artistes, une évidence. « Le classique transpire forcément dans le spectacle. Mais le problème c’est que l’esthétique est extrêmement codifiée et stylisée. Les codes font toujours aller au même endroit. Pour créer librement, il faut s’en détacher », souligne Emilie Dhumérelle.

Je-u n’apporte pas de réponse mais soulève des questions et suscite le débat. Et la danse, elle, mène vers l’acceptation. « Elle permet d’être plus à l’aise dans son corps ; elle donne l’impression de se  connaître. Légendanse intervient dans les collèges, pour de la sensibilisation. Les ados changent, grandissent, jouent un rôle. Alors, la danse, ça leur parle ! »

Dans son recueil, L’Amour la poésie, Paul Eluard décrit en quelques vers l’attente, l’absence et la disparition d’un être aimé. C’est ce poème, évoquant « Le front aux vitres comme font les veilleurs de chagrin », qui a inspiré la réalisatrice Frédérique Odye pour le titre du documentaire Les veilleuses de chagrin qu’elle présentait en avant-première samedi 17 janvier, au cinéma Arvor, à Rennes.

Le front aux vitres comme font les veilleurs de chagrin
Ciel dont j’ai dépassé la nuit
Plaines toutes petites dans mes mains ouvertes
Dans leur double horizon inerte indifférent
Le front aux vitres comme font les veilleurs de chagrin
Je te cherche par-delà l’attente
Par-delà moi-même
Et je ne sais plus tant je t’aime
Lequel de nous deux est absent.

Paul Eluard, extrait du recueil L’Amour la poésie.

Elles viennent de Loctudy, Le Conquet, Saint-Malo et Cancale, et sont les veilleuses de chagrin. « Ce sont des femmes qui attendent, qui veillent le retour de leurs maris marins. Et le chagrin fait référence à la mélancolie. Et à l’expression « Femme de marin, femme de chagrin » ! », explique Frédérique Odye, rennaise d’adoption depuis 12 ans.

Originaire de Cherbourg, elle est fille de marin et a vu durant sa jeunesse sa mère attendre le retour de son époux. Elle a toujours côtoyé la poésie qui écume les bords de mer et les inquiétudes qui virevoltent dans les embruns de l’océan. « Je me souviens qu’une fois, un accident est arrivé et ils ont perdu 2 marins. Une des veuves était enceinte », se rappelle-t-elle.

UN MILIEU PUDIQUE

Être issue de ce milieu lui permet de tisser des liens avec les femmes qu’elle rencontre dans le cadre de son documentaire. Malgré tout, il lui faudra 2 ans pour trouver les cinq veilleuses de chagrin de son film, dont deux qui seront intégrées 2 semaines seulement avant le tournage : « C’est un milieu très pudique, il est difficile de les faire témoigner. C’était la première fois qu’elles en parlaient comme ça. »

Plusieurs années auparavant, Frédérique Odye avait embarqué 3 jours avec des marins pêcheurs pour le documentaire La mer qui les voit danser. En mer, elle filme, leur quotidien, rythmé par le bruit permanent du moteur. Un bruit qu’elle connaît bien.

Et c’est en voyant les familles présentes sur le port au terme de ce périple qu’elle décide de filmer celles qui attendent et restent sur la terre ferme.

Dans Les veilleuses de chagrin, on les voit femmes, amies, épouses et mères. Elles témoignent de leur quotidien, nourri par une forme d’indépendance dont elles disposent en l’absence de leurs maris mais également par la tenue de la maison, l’éducation des enfants, les infos données par la radio… Elles dévoilent avec pudeur leurs émotions quant à cette vie particulière et livrent la dualité qui s’installe entre manque de l’être aimé et envie que ce dernier reparte. Habituées de cette alternance, elles ont accepté le rythme et l’attente imposés.

UNE NATURE SANS PITIÉ

Le pire, elles l’envisagent. Mais passent outre. « Une fois que j’ai entendu le nom du bateau de mon mari à la radio, je coupe, je n’écoute pas le reste. Savoir qu’il va bien, c’est tout ce qui compte pour moi », confie l’une des deux bigoudènes de Loctudy (29). Il y a le R.A.S qui les rassure et les apaise quelques instants.

Mais lorsque le vent souffle sur les côtes bretonnes et s’embrase dans les volets et que les vagues roulent pour s’éclater lourdement sur le sable humide et mousseux, les esprits voguent sur les flots d’un imaginaire angoissant car on sait qu’au large, la tempête sévit sans concession et sans pitié. Pour Frédérique Odye :

« les marins sont des conquérants de la mer. Ils sont au milieu de rien. Et la nature est toujours plus forte. »

Et pour trois des veilleuses, leurs hommes ne rentreront pas. Elles affronteront le deuil de ce mari pris par la mer. Que l’on ait retrouvé le corps, ou non.

La réalisatrice nous saisit, entre scènes du quotidien, témoignages face caméra et paysages naturels. Entre silences et musiques mélancoliques (signée Matt Elliott). Entre poésie, solitude et force. Entre sourires et larmes. Le sujet est traité avec sensibilité et justesse, et nous transporte dans cette vie de femmes de marins, sans jamais franchir la ligne du « tire larmes ». Un joli documentaire, à la limite de l’onirisme, emprunt de tendresse, de souffrance et d’amour suspendu dans le temps.

Celle dont on dit qu’elle a fait ses premières armes à Rennes est venue fin novembre présenter son premier album, Silent, à l’Antipode. Un hommage à la capitale bretonne qui a sur de nombreux points joué sur la création de cet opus. Rencontre avec Tiny Feet, alias Emilie Quinquis.

Ce soir-là, le 27 novembre, à l’Antipode, les sifflements de certains spectateurs se font entendre à peine les lumières baissées. Dès son arrivée, les cris d’encouragements se multiplient. Tiny Feet sourit dans la pénombre de la scène. Elle envoie les premières notes de l’album qu’elle présente lors de cet apéro-concert, son premier album, Silent, financé à l’aide du crowdfounding, soutenu par la Ville de Rennes, réalisé par le Do it yourself dont elle est maitre et produit par Yann Tiersen, son compagnon.

La jeune femme de 28 ans dissimule une partie de son visage sous sa mèche qui lui cache les yeux qu’elle prend soin de fermer les premières minutes du concert durant. Les pédales de boucles sont alignées devant ses pieds, l’ambiance est électrique, la musique tendue, sa voix chaude et rassurante, paradoxalement au climat que son one-woman-band impose.

La musicienne et membre unique de Tiny Feet s’appelle Emilie Quinquis et est originaire de Brest. Pour ses études, elle emménage dans la capitale bretonne et se lance dans les arts du spectacle, à Rennes 2, en théâtre, avant de rejoindre l’école du TNB.

« J’écrivais, je mettais en scène, j’ai eu des propositions pour être comédienne mais je ne m’y retrouvais pas. Je ne veux pas être l’instrument des gens ».

Ce qu’elle veut, c’est défendre son projet artistique : « Je suis incapable de mentir sur ce que je ressens ». Les boucles musicales vont hypnotiser ses nuits d’insomnie et l’amener à délaisser les textes pour s’orienter vers de l’accompagnement sonore.

À sa sortie d’école, elle réalise, seule, un monologue pour une comédienne avec vidéo et musique, « quelque chose d’assez abstrait, hypnotique, sur un mur en décomposition ». Elle pose en parallèle ses sons sur MySpace et de là est programmée dans un petit festival brestois. « Quinze jours avant, je n’avais toujours pas le contenu de mon concert. Je me suis enfermée à l’Aire Libre, se souvient-elle. C’est surement pour ça que l’image de la pochette de mon album est un avion écrasé. Comme je passais mon temps à côté de l’aéroport de St Jacques, c’est le bruit de l’avion que j’entendais. Et c’est là le tout début du disque. »

En 2012, elle joue à Bars en Trans, participe au tremplin Mozaïc et à une présélection pour Les Jeunes Charrues. Elle se rappelle, pour cet événement, attendre dans la loge voisine de celle dans laquelle elle nous reçoit à l’Antipode :

« Pour les Charrues, il y avait Mermonte à côté. Ils étaient 10, ils ont fait un cri de guerre et puis ils sont super balèzes ! J’étais toute petite à côté, je faisais tout de manière intuitive. »

Une manière intuitive de composer ses chansons qui la mène aujourd’hui à présenter son premier album, après avoir passé l’année 2013 à fignoler ses morceaux, entourée de Stéphane Bouvier et de Yann Tiersen, pour le mixage et reamping. Et qui la mène également à ne plus arriver sur la pointe des pieds. « Tiny Feet, c’est pour ça ! Je me prenais le choux avec le nom… Et puis c’est aussi parce que je fais tout avec mes petits pieds dans ma musique. Mes petits pieds maladroits ! », rigole-t-elle.

Pourtant sur scène, aucune note de maladresse de la part de ses petits pieds qui jonglent d’une pédale à l’autre, tandis que ses doigts tapotent sur l’écran, installé devant elle, quand ils ne manient pas l’archer sur la basse ou qu’ils ne grattent pas les cordes de la guitare. Les mélodies sont intenses, brutales. Comme le témoignage de son ressenti face à son environnement, son vécu.

Au fil du concert, les atmosphères varient, l’électro s’amplifie et Tiny Feet s’affranchit à présent de toute timidité pour nous transporter dans sa bulle de douceur angoissante. Le titre de son album prend sens. Silent. « Silence kills/ you know/ Silence kills », chante-t-elle, maniant les rythmes à sa guise et jouant sur les accélérations qui nous plongent dans un état de gravité et d’urgence.

« Silent, c’était pour sortir du silence. J’ai besoin de faire de la musique. Et avec ça, je suis sortie du silence, je me suis libérée d’un poids, ça m’a ouvert la voie »,

précise Tiny Feet en coulisses.

Elle confie, sans trop de surprise, que l’album comporte des douleurs qu’il a fallu dépasser pour s’ouvrir à la créativité. Son truc pour écrire et composer, c’est « les nœuds dans le ventre. Et ça vient de plein de choses, se sentir coupable, être en colère, avoir peur, être amoureux, perdre un être aimé… ».

Et les influences, elle les puise inconsciemment chez Suicide ou Portishead, mais elle se retrouve aussi régulièrement comparée à PJ Harvey et Cat Power. « C’est marrant, mon frère m’a offert une K7 quand j’avais 13 ou 14 ans avec ces deux artistes. Je n’ai pas tous leurs albums mais ce sont des artistes qui m’ont perturbées. Quand j’ai écouté ça, c’était une révolution pour moi. Ce sont des filles qui ont du chien ! Beaucoup de chansons françaises à l’époque faisaient très gentillettes. Ces deux femmes là qui arrivent mettent un coup de pied dans la fourmilière. Enfin un coup de pied dans ma fourmilière ! », plaisante Emilie Quinquis.

Et son coup de pied à elle, puisque toute est une histoire de pied, Tiny Feet le met sur scène. Avec son one-woman-band, « pas besoin de surjouer ». Si la jeune musicienne n’est « peut-être pas assez pop pour la France », elle tient fixement sur ses deux pieds pour les poser aux Etats-Unis, et prochainement peut-être en Argentine ou encore en Belgique, et certainement à Ouessant, l’île sur laquelle elle vit, « là où je me sens à la maison », quand elle n’est pas à Rennes, à Paris ou à Brest, sa ville d’origine à qui elle dédie une chanson éponyme et avec laquelle elle inspire le silence…

La Puzzle Compagnie s'empare de la tragédie Roméo et Juliette pour son Chantier Public. Un mardi par mois, à 18h30, au Cercle Paul Bert Nord-Ouest Le Noroît, les comédiens se livrent à des improvisations en vue d'un nouveau spectacle. Le 3e rendez-vous est donné mardi 16 décembre.

En débat, dans les coulisses ce mardi 18 novembre : Juliette est-elle féministe ? « Elle refuse le mariage arrangé pour épouser un autre. Mais est-ce par là qu'on s'épanouit ? », se questionne Marjorie Blériot, membre de la Puzzle Compagnie.

La discussion n'est pas surprenante pour la compagnie qui intervient fréquemment sur les thèmes de l'égalité et la discrimination.

« Nous essayons de tordre le cou aux clichés. Les femmes ne sont pas que des petites minettes éplorées qui servent la soupe aux hommes », s'exclame Charlotte Baheu, référente artiste.

Depuis octobre, la compagnie travaille sur un nouveau projet, le Chantier Public, fondé sur Roméo et Juliette. Six rendez-vous sont programmés, un mardi par mois. Les comédiens y font des expérimentations, devant les spectateurs. « Nous attendons du public des retours qui nous enrichissent, ouvrent des débats ou en résolvent », précise Marjorie Blériot. Dès sa création, il y a bientôt dix ans, la compagnie s’est spécialisée en improvisation.

« Nous défendons cette pratique comme une discipline à part entière. L'improvisateur fait tout à la fois : comédien, metteur en scène, scénographe et auteur »

Charlotte Baheu, comédienne.

Dans la salle, les rires fusent de tous côtés. Si la séance mensuelle a pour thème la révolte par le refus et la transgression de l’ordre, les improvisateurs misent tout sur la cocasserie des situations. « Nous espérons que le public voit l'évolution d'un spectacle qui se construit sous ses yeux », confie Marjorie Blériot. Le prochain chantier est programmé mardi 16 décembre, au Cercle Paul Bert.

Avant chaque représentation, les comédiens s’entraînent au travers d’exercices. Ils en font une restitution le soir sans pour autant jouer les mêmes scènes. « L'improvisation souffre de la répétition. C'est la magie de l'éphémère », affirme Charlotte Baheu. Selon la réaction de leurs partenaires et du public, les comédiens modifient leurs choix.

« Il faut être suffisamment à l’écoute et dans le respect de l'autre pour que l'improvisation fonctionne, précise la jeune femme. Mais nous sautons sans filet, comme des voltigeurs. » Ni barrières, ni obstacles pour la Puzzle Compagnie dont les membres aiment à dire que les improvisateurs sont des insoumis.

Sabina Sciubba, ex-leader des Brazilian Girls, a ouvert le bal des femmes aux TransMusicales 2014, mercredi 3 décembre à l’Ubu, avec sa formation solo, Sabina. Elle répond, entre sa promo et son train, aux questions de YEGG, clôturant ainsi notre couverture du festival, pour sa 36^e édition.

YEGG : Vous avez joué plusieurs années avec Brazilian Girls, aujourd’hui vous vous lancez dans un projet sous votre prénom, que vous avez présenté mercredi à l’Ubu. Vous aviez cette volonté depuis longtemps ?

Sabina : Oui, assez. Nous avons fait une pause avec Brazilian Girls. J’ai donc voulu profiter de ce temps pour moi. J’avais pas mal de chansons qui trainaient. J’ai juste eu à les cueillir !

Brazilian Girls, c’est vous et trois musiciens. Sabina, c’est vous et trois musiciens. Forte volonté de vous entourer de trois hommes à chaque fois ou pure coïncidence ?

C’est le destin ! Quoique je fasse, je termine toujours avec trois hommes ! (Rires) Non, plus sérieusement, ça s’est fait comme ça. Parmi les trois musiciens actuels, il y en a un que je connais depuis très longtemps. Les deux autres, c’est assez récent. Mais, ce n’est pas fait exprès du tout, ce n’est pas pour reprendre la structure de Brazilian Girls.

D’origine italienne, vous avez vécu en Allemagne, en France et aux Etats-Unis, et vous puisez dans chacune des langues que vous parlez pour composer vos chansons. Sacrée gymnastique…

J’espère que sur scène, ça ne donne pas l’impression d’une gymnastique car c’est très naturel chez moi. Ça correspond bien à ce qui se passe dans ma vie. Avec mon mari et mes trois enfants, je parle trois langues différentes, alors j’ai vraiment l’habitude. Comme j’ai vécu aux Etats-Unis, en France, en Allemagne… (Rires)

Dans vos chansons, vous parlez beaucoup d’amour et sur scène mercredi soir, vous faisiez un parallèle entre l’amour et la révolution. Les deux sont indissociables selon vous ?

Oui, vraiment. La révolution impulse de changer les choses au mieux. Dans un sentiment de collectivité. C’est la chose que je recherche le plus ! J’aime pour de vrai la sensation de collectivité. La symphonie entre tout le monde. Et c’est ce qui se passe avec le public quand je suis sur scène. Entre les musiciens, entre les spectateurs, entre le groupe et le public…

Côté révolution, votre tenue aux couleurs de l’Europe et votre déclaration : « Je suis l’Europe et je brûle » ont fait sensation…

(Rires) Oui forcément. En fait, c’était l’Europe mais c’était surtout abstrait. La vérité, c’est qu’un jour j’étais dans le train, j’allais de Nice à Paris. Et on est passé par Marseille. Marseille ! Une très jolie ville avec toute sa culture et son patrimoine, et tout. Et là, entre deux immeubles, je vois toute une rangée de voitures en train de brûler. J’ai trouvé ça très symbolique. Il y a quelque chose qui arrive en Europe en ce moment. Une inflammation de l’Europe. On se sent en sécurité dans cette Europe mais on n’est pas en sécurité ! Tout peut arriver d’un moment à l’autre. Comme l’amour, ça peut arriver partout, tout le temps…

On doit s’en méfier ?

Ah non surtout pas, surtout pas ! (Rires)

Pour revenir sur votre performance à l’Ubu, le live sonnait plus rock que vos chansons enregistrées. C’est une volonté pour se démarquer de ce que l’on peut entendre à la maison ?

Oui c’est vrai, c’est bien plus rock. Pour dire la vérité, je n’ai aucun contrôle là dessus. Ça devient très rock, c’est comme ça. En fait, on part en couilles ! (Rires) C’est rock et ça chauffe. C’est une forme de pouvoir qu’a la guitare. À peine on effleure la corde que ça envoie direct. Ça donne envie de partir en couilles ! (Rires)

Bon à savoir. Merci Sabina.

Merci à vous, à bientôt.

Au synthé dans Grand Blanc ou au chant dans Metà Metà , c’est dans le Hall 8 ce vendredi 5 décembre que se sont faites entendre les femmes, hélas bien minoritaires au Parc expo.

21h45 – GRAND BLANC – FROIDEUR ADDICTIVE

À peine installés, ils instaurent déjà un climat de tension dans le Hall 8. Les musiciens de Grand Blanc imposent à vitesse éclair leur univers fortement inspiré par le rock new wave des années 80. En référence, on les classe sur les traces de Joy Division mais dans la langue de Bashung et de Ferré.

Des influences qui ravissent les festivaliers qui fourmillent dans la fosse, en direction de la scène, comme attirés par la lumière. Grand Blanc a ce pouvoir d’envoûter les esprits et d’envahir les corps pour les figer, curieux de l’expérience en cours. Dégré 0 commence, la voix de Camille, également aux claviers, brise les sonorités électro et entame une chanson qui résonne comme une ode à un mal-être profond avide de torpeur.

Et c’est pour conjurer le sort et éviter la léthargie que ce nouveau groupe français prend la scène jusqu’à la posséder en l’enrobant d’une atmosphère froide et angoissante. La formation musicale joue avec les rythmes entre calme déstabilisant et accélérations brutales en réussissant à surprendre le public qui attend l’explosion des notes et qui reste en attente de sensations fortes.

« On va vous jouer un morceau qui parle de notre adolescence, de notre nullité au football et de comment on essaye de se construire… Je parle de ça parce que je crois que Rennes joue ce soir non ? », lance le chanteur. Derrière le trait d’humour, la voix tremblotante laisse apparaître la sensibilité du chanteur. Un écorché vif dans la retenue.

Il alterne le chant avec Camille, dont la voix rappelle fatalement les années 80, épousant le style vestimentaire Madonna de cette époque – ou Olivia Newton John à la fin de Grease – et tous les deux apportent un sentiment d’urgence, de précipitation sans pourtant nous saisir les entrailles. Peut-être pas encore assez abouti, on ne doute pas que Grand Blanc saura évoluer dans les eaux troubles du rock français.

23h20 – METÀ METÀ – MOUVANCE JAZZY

Dès la première chanson, le hall se remplit de convivialité et de chaleur. Les lumières blanches, électrisantes de Grand Blanc ont laissé la place à des lumières rouges orangées. Guitare, basse et batterie révèlent immédiatement leur puissance et la chanteuse vient y mêler son énergie vocale pour un ensemble dynamique et rafraichissant.

Les compositions très instrumentales, portées par le saxophone, nous transportent directement dans une ambiance de club. Dans un lieu intimiste, confiné. Pour mieux en exploser les murs et les frontières puisque les brésiliens de Sao Paulo sont des génies du brassage musical et culturel. Les sonorités latinos rencontrent ainsi le chant et les rythmes du Candomblé, une religion afro-brésilienne.

La samba prend des airs psychédéliques, le jazz s’enivre et flirte avec l’afro-punk dans un mélange délirant et entrainant qui laisse présager une sorte d’urgence, de précipitation, mêlée  aux chants traditionnellement adressés aux divinités. Le côté folklorique invite à une danse conviviale et festive tandis que les inspirations de rock tendu lacèrent nos entrailles. 

Les musiciens dégagent une belle énergie et transmettent inéluctablement leur passion transpirante pour le live et cet univers imaginaire et neuf. Avec Metà Métà, pas question de rester passif. On est tout le temps pris dans le mouvement. Tourbillon de fraicheur sur la scène musicale brésilienne, il ravit les spectateurs venus puiser dans les découvertes de cette édition TransMusicales.

Ce jeudi 4 décembre, les groupes féminins se sont succédés dans le Hall 3 du parc expo de Rennes. Tous les quatre ont marqué la scène des TransMusicales de par leurs empreintes singulières.

21h30 - COURTNEY BARNETT – ROCKEUSE DÉSINVOLTE

La chanteuse/guitariste et ses 3 musiciens s’installent et révèlent dès la première chanson un son très empreint de garage rock. La musique et la manière de chanter rappellent instantanément Hole, les distorsions en moins et des cachets de valium en plus. Dr Martens au pied, pantalon noir serré, chemise large à pois et attitude désinvolte, la jeune australienne s’aligne dans la grande tradition du « slacker rock ».

Au fil du set, les influences folk croisent celles du garage grunge, Courtney Barnett ayant évolué plusieurs années dans deux groupes, garage d’un côté et psyché/country de l’autre. En 2012, elle lance son propre label Milk ! Records et sort son 1^er EP, I’ve got a friend called Emily Ferris. Puis un 2^e, How to carve a carrot into a rose. Pour finalement les combiner dans The double EP : a sea of split peas, en 2013.

Les paroles de ses chansons marquent les esprits comme dans « Avant Gardener », dans laquelle elle raconte son choc anaphylactique et sa piqure d’adrénaline. Celle qui se décrit de manière humoristique comme une Lena Dunham musicale aborde également sa relation avec la chanteuse australienne Jen Cloher, avec qui elle a joué quelques temps, et parle librement de masturbation.

Après quelques morceaux folk/rock aux effets acoustiques, le groupe repart sur des notes carrément plus rock au style des années 90. Le public est à bloc. À l’aide de la basse, de la batterie et de deux guitares, les quatre musiciens font monter l’intensité avec de l’instrumental pur, tirant vers le punk rock.

Courtney Barnett bouge nonchalamment son corps en secouant ses cheveux avant de soudainement se tourner vers le batteur et de le rejoindre sur son carré installé légèrement en hauteur. Animés par l’attitude rock de la chanteuse-auteure-compositeure, les festivaliers se déchainent face aux musiciens qui prennent leur pied à balancer les notes brutes. « Merci d’avoir écouté la musique plutôt que de taper dans les mains », crie la chanteuse avant de conclure sur des crissements de guitare qui font durer notre plaisir.

23h20 - KATE TEMPEST – RAPPEUSE THÉÂTRALE

Si on ne change pas de hall après Courtney Barnett, on change en revanche radicalement de style avec la britannique Kate Tempest. À son arrivée, les cris et applaudissements  cessent instantanément dès lors qu’elle prend le micro et se lance dans une performance technique stupéfiante.

Son débit de parole, qui provoque en nous un sentiment d’urgence tout en nous figeant de longues secondes durant, est impressionnant, et son phrasé parfaitement articulé. La rappeuse anglaise n’est pas là depuis plusieurs minutes qu’elle met tout le monde d’accord. Le cul scotché au Hall 3, le public des Trans prend une claque.

« Je voudrais pouvoir faire tout ça en français. Je ne peux pas. Je suis désolée, très désolée », annonce-t-elle d’emblée. Il y a une force combattive dans sa voix, dans sa manière d’interpréter sa musique.

Renforcée par les sonorités électro, produites instrumentalement sur scène par ses musiciens, et par l’appui vocal de la choriste hip-hop, l’énergie circule et se diffuse aussi vite que les mots qui sortent de sa bouche.

Et quand elle s’arrête, c’est pour laisser les gros sons trip hop envahir et saisir nos entrailles. La poétesse, reconnue pour son talent d’écriture qui lui vaut d’être qualifiée d’un des plus grands talents actuels, manie l’art de faire passer des émotions.

Les sonorités parfois énigmatiques qui nous plongent dans une atmosphère angoissante viennent contrecarrer son chanté viscéral qu’elle renvoie pourtant avec légèreté et bonne humeur.

On aime sa façon de raconter des histoires, sans en comprendre la finesse des mots qu’elle aligne à vitesse éclair. Elle maitrise les rythmes, pose parfaitement sa voix pour nous captiver et capter notre attention et joue de toute sa théâtralité, un art pour lequel elle est également salué en Angleterre. « Vous êtes putain de brillants ! C’était magique. Vous êtes putain de géniaux. Merci pour la soirée », lâche-t-elle avec émotion, à l’image de son concert.

00h50 – A-WA – TRIO ENVOÛTANT

Les trois chanteuses figurent en ligne sur le devant de la scène. Elles sont sœurs. Tair, Liron et Tagel Haim sont au centre du groupe A-Wa (prononcer Ay-Wa), venu d’Israël. Elles chantent dans un dialecte arabo-yéménite des chansons issues de la tradition orale, enregistrées dans les années 60 par les chanteur-auteur-compositeur yéménite Shlomo Moga’a.

Amour et protestations féminines, le trio joue le contraste de profondeur et légèreté dans des chants qui résonnent à travers leurs voix unies. Ces dernières percent les murs du Hall 3 pour se briser au loin, accompagnées par les notes et rythmes entrainants des guitares, de la basse et de la batterie.

Leur premier album, qui devrait arriver prochainement, produit par Tomer Yosef, Israélien vivant à New-York, propose une approche moderne des chansons folk yéménites mixé à de l’électro dance.

L’ensemble produit une sensation de fraicheur groovy qui séduit les spectateurs-trices, se laissant entrainer dans des pas de danse, au rythme des instruments et des voix parfois a cappella, parfois en chœur. Radieuses, les trois femmes partagent leur musique à la fois ensoleillée et tortueuse avec un élégant brin de retenue.

Là encore, une belle énergie se dégage de cette formation originale. Elles mêlent au fil du concert percussions, sollicitations du public et violon, le temps d’une chanson à chaque fois. Juste le temps de tisser une relation avec leur auditoire, qui s’affine avec les minutes tardives qui défilent, et de nous plonger dans une ambiance intimiste.

La force des voix épouse la fragilité qui émane des textes et nous invite à l’évasion. « Nous allons vous chanter une chanson d’amour yéménite qui parle de la façon dont l’amour peut vous consumer de l’intérieur », explique une des chanteuses. Si certains rêvassent debout, d’autres dansent à n’en plus finir en investissant l’espace qui se libère au fur et à mesure.

2h20 – MOLOTOV JUKEBOX – COCKTAIL EXCENTRIQUE

« J’ai découvert ce groupe il y a 2 ans. Ils devaient venir l’an dernier mais bon la chanteuse s’est fait mal… Aujourd’hui, ils sont là, c’est Molotov Jukebox ! », s’écrie Jean-Louis Brossard, co-directeur des TransMusicales en guise d’introduction du groupe, mais également de clôture de cette première soirée au parc expo.

Dès leur arrivée, les membres du groupe débordent d’énergie. Natalia Tena affiche un large sourire qu’elle ne lâchera pas du concert. Accordéon, trompette, violon, batterie et guitare démarrent en trombe pour y faire éclater des sonorités de fanfare de l’Est.

Rien à dire, nous ne sommes pas déçus d’avoir patienter un an de plus pour les découvrir en live.La musique est entrainante, festive, à la limite de l’excentricité.

Les genres se mélangent. Molotov Jukebox, qui vient pour la première fois en France, passe de chansons explosives parlant d’un ancien amant à des chansons jazzy à la James Bond. « On a toujours voulu faire une chanson à la James Bond », déclare le violoniste Sam Apley, sourire en coin. Le début est jazzy, la voix soul.

D’un registre à un autre, l’aisance est la même, l’énergie est semblable. Toujours empreinte de bonne humeur malgré l’heure tardive et le peu de festivaliers restants.

Accordéon accroché aux épaules et robe noire moulante, Natalia Tena, que l’on connaît pour ses rôles dans Harry Potter et Games of throne, déploie la puissance de sa voix qu’elle s’amuse à varier entre ton très nasal et échappées vocales.

Jusqu’à entamer des chansons plus pop rock et même une chanson en hommage à la capitale anglaise, Londres « qui pour sûr est une femme ! » Impossible de ne pas bouger ses pieds et son corps pendant cette dernière heure tant l’énergie impulsée est grande.

C’est à l’Ubu que s’est ouvert la 36^e édition des TransMusicales, mercredi 3 décembre. Deux femmes figuraient dans la programmation et ont assuré le show dans des registres bien distincts : Sabina, suivie de Alsarah & The Nubatones.

21h45 - Il n’est pas encore très tard à l’Ubu mais déjà il est difficile de se frayer un chemin dans la foule pour accéder à la fosse. Sabina vient de commencer, les premières notes annoncent un set très rock, les premiers rangs sont d’ores et déjà déchainés. L’ancienne chanteuse des Brazilian Girls encourage de sa belle voix grave et chaude le public à chanter avec elle. « Je veux vous entendre », lance-t-elle en français avant d’entamer une chanson en allemand extraite de son premier album solo Toujours.

Originaire d’Italie, elle prend rapidement le départ pour l’Allemagne, pays de sa mère avant de s’embarquer pour la France puis les Etats-Unis. Tous ces déménagements auront marqué la musicienne qui manie les différentes langues avec aisance et fluidité. « Aucune réflexion, jamais ! Donnez nous plus ! Donnez nous tout ! », s’exclame-t-elle à la fin d’une chanson, rempilant directement sur la suivante.

La basse très rythmique invite le public à s’investir davantage et à suivre les instructions de Sabina Sciubba. Une belle énergie scénique se dégage de l’osmose entre les trois musiciens – guitare, basse et batterie – et la chanteuse, vêtue d’un pantalon bleu électrique tacheté d’étoiles et d’un débardeur sur lequel trône un gros motif de flammes : « Je veux juste vous expliquer quelque chose. Vous voyez ce que je porte… Non je ne suis pas habillée en super héro. Je suis l’Europe et je brûle !!! » Sa voix est divinement envoûtante, terriblement rock et s’accorde parfaitement avec le son organique produit par le clavier auquel vient de s’installer le bassiste.  

Sabina partage avec générosité ses chansons, dont elle écrit les textes et compose les musiques. Elle y parle de révolution, mais surtout d’amour, « de toute façon, ça va ensemble ». La sensualité déborde de son déhanché et de son chanté singulier qui accompagne la dynamique rock et new wave dont elle puise ses inspirations.

Elle joue avec sa voix dans des parties vocales pures et douces dans certaines balades qui ne sont pas sans rappeler la signature de Radiohead. Puis entame un Viva l’amour accéléré et carrément plus rock que la version de l’album. « Que de l’amour et plus de loyer ! », crie-t-elle, à la fin de la chanson. « Et en parlant de loyer, je crois qu’il faut qu’on s’arrête », lui glisse un musicien… Dommage.

ALSARAH & THE NUBATONES

Aux alentours de 23h, la fosse ne désemplit pas de festivaliers et festivalières qui dansent en attendant le prochain concert. Les musiciens de The Nubatones s’installent sur la scène et effectuent quelques balances avant de démarrer. Alsarah fait son entrée. Les sonorités arabes retentissent dans la salle, suspendue aux lèvres de la chanteuse soudanaise à la voix impressionnante.

Qualifiée de nouvelle reine de la pop nubienne (région du nord du Soudan et du sud de l’Égypte, ndlr) et de la rétro-pop soudanaise par The Guardian, elle s’inspire de différents styles musicaux d’Afrique du nord et de l’est auxquels elle ajoute des influences arabes, suivant les pas de la grande Oum Kalthoum. Les musiciens participent à la réussite de ce mélange à travers les percussions, le luth et la basse. Sans artifices, Alsarah varie l’intensité de son chant, entrainant également celle des instruments, entre douceur et puissance pour un résultat détonnant.

« Une chose à propos de mon spectacle. C’est plus fun si vous dansez et si vous tapez dans les mains », précise la chanteuse en rigolant. Vêtue de bleu turquoise, la chanteuse-auteure-ethnomusicologue propose un show très coloré, très enjoué, empreint de voluptés et de légèreté. En bougeant délicatement les épaules et en levant gracieusement les mains, toujours le sourire aux lèvres, elle hypnotise spectateurs et spectatrices.

La dynamique du concert entraine la foule à se laisser porter par ses émotions. Les accélérations rythmiques des instruments viennent contrebalancer les instants délicats portés par la douce lenteur du chant d’Alsarah, accompagnés par moment par le chœur des trois hommes.

Le public est conquis. « Je ne comprend pas ce que je chante mais j’m’en fous », rigole une femme au milieu de la foule. Il est temps de présenter les musiciens. L’occasion de savourer un solo de luth. Ambiance tamisée, lumières feutrées, les spectateurs-trices sont figé-e-s, hypnotisé-e-s, par les sonorités orientales ainsi que par la dextérité et la rapidité des doigts du musicien. Les lumières roses orangées épousent cet instant instrumental onirique, auquel s’allie la profondeur du chant insufflé par les sonorités nubiennes. Une véritable invitation à se perdre dans ses pensées et à plonger dans une atmosphère apaisante.

La perte de tous repères spatio-temporels n’est que de courte durée. Les instructions de la chanteuse nous ramène à l’Ubu : « On va s’entrainer ensemble à taper des mains. On va taper des mains tout le long de la chanson. Oui je sais, je vous en demande beaucoup. Vous pouvez boire de l’eau maintenant, et on y va. N’accélérez pas, voilà c’est bien, c’est parti. » Les festivalier-e-s jouent le jeu avec plaisir, ravis d’être sollicités par la divine Alsarah.

Et si vous alliez voir un spectacle chez votre voisin dont vous avez toujours rêvé de voir l'aménagement intérieur ? C'est à peu de choses près ce que propose le concept Hors Lit. Des artistes effectuent une série de performances chez des particuliers qui acceptent, le temps d'une soirée, de prêter leur intérieur. YEGG a testé pour vous.

Par une froide soirée de novembre, une bande d'inconnus se réchauffent en tapant du pied à l'arrêt de bus Saint Yves sur la ligne 5. Le rendez-vous a été donné là, mais aucun des spectateurs ne sait exactement où nous allons nous rendre. Florence, manteau jaune assorti au bleu de ses yeux, est l'instigatrice de cette 6^ème édition rennaise. Elle prend la parole pour annoncer le départ. Suivez le guide.

Hors Lit n'est pas né à Rennes mais à Montpellier, en 2005. Créé par quelques artistes qui ont ensuite bougé et ensemé dans toute la France. Toulouse, Paris etc... jusqu'à arriver à Rennes. Cela faisait deux ans que le concept n'avait pas eu lieu dans la capitale bretonne.

La 6^ème édition vient donc combler un vide de deux années. Sur le site internet, Hors lit est défini comme s'inscrivant : « dans une démarche sensible de réécriture de l’intime en ouvrant des espaces alternatifs entre artistes, habitants et spectateurs. »

ARRÊT « LAVERIE »

Le premier arrêt se fait dans la laverie du quartier. Dans un angle de rue, elle apparaît comme un havre de chaleur au spectateur ankylosé par le froid. Nous entrons. Une jeune femme nous attend assise sur une table, jouant avec une balle en mousse. Elle indique au public où se placer puis démarre sa performance. Elle investit le lieu pour y danser et y chanter avec énergie.

Délurée, elle passe des claquettes à une chanson de Boby Lapointe avec pour seule transition une visite dans les machines. À quatre pattes sur les machines à laver, elle réalise le rêve de tout utilisateur de lavomatique : transformer l'attente ennuyante en un moment défoulant et créatif. Un jeune homme se retrouve au milieu des spectateurs alors qu'il venait juste laver son linge.

« Bon, je vais peut-être pouvoir récupérer mes affaires maintenant ! »

lance-t-il, amusé, lorsque la performance se termine.

Stupeur des spectateurs qui pensaient que la machine lancée était prévue dans le spectacle. Les rires fusent. Première étape réussie.

Tel un troupeau en transhumance, nous repartons vers le second lieu, toujours guidé par le berger Florence et une femme qui tient sur sa tête une pancarte « Hors Lit ». Les rues sont vides à cette heure-ci mais quelle image renvoyons-nous aux quelques passants égarés ?

ARRÊT « MAISON DE LOTISSEMENT »

Arrivés au second lieu, nous pénétrons cette fois-ci dans une maison de lotissement qui ne dénote pas de ses voisines. Après avoir monté une volée de marches, nous voici dans un salon inconnu, d'une blancheur impeccable. Pas de trace des maîtres de maison. Comme dans la laverie, une danseuse nous attend, muette. Sa performance est bien assortie au décor sobre de cet intérieur : très froide, sans musique et un peu plombante. Certains manquent de piquer du nez.

La technique est impeccable mais pourquoi une chorégraphie aussi triste dans un concept empli de bonne humeur ? Nous repartons tous sur la pointe des pieds, en ayant presque eu l'impression de déranger.

Les langues se délient sur le chemin qui nous mène au troisième lieu. Nous prenons plus le temps pour causer avec nos camarades d'un soir. Venus en couple ou entre amis – les plus jeunes spectateurs sont proches de la quarantaine - ils commentent les performances ou tentent de se repérer dans le quartier. Le but des performances Hors Lit c'est aussi la découverte ou la redécouverte d'un lieu de Rennes.

ARRÊT « MAISON DU QUARTIER »

La troisième étape se fait de nouveau dans une habitation du quartier. À l'entrée, la maîtresse de maison nous accueille, tout sourire. L'intérieur est nettement plus chaleureux que le précédent. Assis sur des canapés, des chaises, des tabourets, ou sur des coussins au sol, comme lors d'un dîner entre amis, nous assistons à la projection d'un film sur la vie d'une paludière.

Sans fausse empathie et avec un sens artistique certain, le réalisateur nous plonge dans les marais salants et dans l'existence hors du temps de cette femme. Le film plaît, le lieu aussi, c'est presque à regret que certains quittent la maison vers la dernière étape de notre soirée.

Le quatrième et dernier lieu est celui qui a justifié le choix du quartier du sud gare pour cette sixième édition de Hors Lit : c'est la maison de la première danseuse, celle de la laverie. Nous apprenons qu'elle s'appelle Lucie. Florence prend la parole pour expliquer :

« L'affiche que vous voyez là c'est celle qui annonce le projet immobilier qui va conduire à détruire la maison de Lucie. Ils vont raser sa maison pour construire des immeubles. C'est elle qui m'a sollicité car elle voulait rendre un dernier hommage à son lieu de vie. »

Le Hors Lit millésime 2014 a presque un aspect politique. Au vu de l'emplacement de la maison, à deux pas du pont de Nantes, avec une superficie de terrain importante, il n'est pas étonnant que l'endroit ait attiré la convoitise de promoteurs.

ARRÊT « GRANGE »

Astrid Radigue, du groupe Furie, nous attend sagement derrière son clavier sous la grange. Une odeur de vin chaud s'échappe d'une marmite et, à son invitation, nous nous précipitons pour en prendre une tasse avant que le concert ne débute.

Avec simplicité et humour, Astrid mène le public dans son univers pop. Les notes s'égrènent et résonnent sous le toit de la vieille grange, tandis que les deux lions de cirque en carton fixent le public de leurs yeux de braise. À peine le temps de quelques chansons et c'est déjà fini. Cela fait presque trois heures que nous déambulons de lieu en lieu.

Le périple s'arrête autour de la marmite de vin chaud accompagnée de quelques toasts, sous la grange. Convivialité restera le maître mot de cette soirée hors du temps. Il est maintenant temps de regagner nos lits.  

Du 18 au 20 novembre, dans le cadre du festival Mettre en scène à Rennes, la jeune chorégraphe danoise Mette Ingvartsen a investi la salle Serreau, au TNB pour y proposer sa création « 69 positions ». Une première nationale loin de nous laisser de marbre.

Un parterre blanc. Une structure métallique carrée où sont accrochés treize panneaux. La scène de la salle Serreau ressemble à une galerie d’art. C’est dans ce décor simple, doté d’une atmosphère étrange et froide, que nous accueille Mette Ingvartsen, chorégraphe et danseuse, diplômée de l’école bruxelloise PARTS.

Les places assises ne sont pas éclairées. Tout va se jouer sur ce parterre blanc « Ce soir, je vous propose une visite guidée à partir de la sexualité et de la performance. Cette visite se fera en trois parties. Elle commence dans les années 60 et se termine aujourd’hui», présente la chorégraphe. La surprise se lit sur nos visages et ceux des spectateurs présents. Mette débute sa performance par la lecture d’un courrier de refus pour une collaboration écrit par Carolee Schneemann, chorégraphe américaine, point de départ de la création « 69 positions ». 

« J’avais déjà travaillé sur Meat Joy dans Expo Zéro (un projet du Musée de la danse) à Singapour en 2010. En 2004, 2005 et 2006 j’avais beaucoup travaillé sur la sexualité, la nudité. Ce sont des thèmes qui revenaient. J’ai donc cherché à faire une performance qui parlait de cela. Le corps nu et les politiques des années 60 m’ont toujours intéressée et je souhaitais donc travailler avec Carolee sur sa pièce « Meat Joy », créé en 1964. Mais ce n’était pas possible. C’est de là qu’est parti 69 positions»

Mette Ingvartsen, chorégraphe.

UN VOYAGE CHORÉGRAPHIQUE BOULEVERSANT

Dès les premiers instants, nous comprenons que ce spectacle n’est pas un spectacle comme les autres. Projections vidéos, lectures, décryptages d’œuvres, le voyage à travers les sources auquel nous convie Mette invite non seulement le spectateur à réfléchir sur la nudité, la sexualité, le rapport entre le corps et la politique, mais le fait surtout participer à tout.

«  69 positions, est la continuité de ma création « Speculation » dans laquelle le public est en interaction avec moi. J’ai voulu approfondir cette démarche, et diviser la pièce en trois parties afin de regarder l’Histoire en général et montrer que les problématiques des années 60 comme la libération sexuelle ou l’égalité homme-femme ne sont finalement pas encore toutes résolues aujourd’hui. Je souhaitais mettre toutes les questions de trois périodes différentes les unes à côté des autres », confie-t-elle.

69 positions est également un voyage dans l’imaginaire. Yeux ouverts ou clos, la chorégraphe nous amène à construire une sculpture érotique, à recréer Meat Joy, à tester les effets d’un gel à la testostérone… et tout cela dans notre tête, la voix douce de Mette pour seul guide. Elle revient sur cette démarche :

« 69 positions est une chorégraphie qui se passe dans le vide, dans l’imaginaire. J’ai cherché à vraiment créer une situation avec le public ».

Mais l’exercice est loin d’être évident. Dans le public, les yeux écarquillés, on rougit, on esquisse des sourires gênés, on tente de se cacher les uns derrière les autres quand un volontaire est requis.

UN PUBLIC AU CŒUR DE LA PERFORMANCE

Pendant toute la représentation, nous sommes donc en mouvement perpétuel. La chorégraphe revêt le rôle de galeriste, puis le quitte d’un coup pour se livrer à des exercices particulièrement embarrassant pour le public : elle se déshabille ou se rhabille, danse, fait l’amour à une chaise.

Le corps de la danseuse se transforme en objet de démonstration : il se tord, rampe, se frotte contre la jambe d’un spectateur. Elle crie, gémit, râle…  Nous nous sentons parfois pris au piège de cette expérimentation, de cet univers rempli d’érotisme et de tabous exposés au grand jour.

Entre la chorale d’orgasmes effectuée par quatre personnes choisies au hasard dans le public et l’invitation à danser, Mette brise complètement le quatrième mur (mur imaginaire séparant la scène du public). La tension est palpable.

« La participation du public est très importante pour moi. Je souhaite créer quelque chose avec lui, sans le choquer, mais établir une relation de proximité que permet la forme de mon spectacle. Je ne le manipule pas, je reste attentive à sa réaction. Et je fais ce que je peux faire avec lui, sans forcer personne »

explique la chorégraphe.

L’engagement politique est également un deuxième élément que la chorégraphe défend dans son solo : « Pour moi la nudité est une action politique. Prendre position est également une action politique dans un monde où les gens le font de moins en moins. Dans ce spectacle le public se déplace, gravite autour de moi. Il décide comment regarder. Quelque part, il prend donc position ».

Frileux au début du spectacle, nous finissons finalement par rentrer dans l’univers de notre guide. La tension du début laisse place à des sourires et des regards complices. On ressort de la salle Serreau quelque peu étourdi, mais apaisé. 69 positions est un voyage mouvementé. Bouleversant, même.

Un voyage au plus profond de notre intimité qui s’affranchit de tous les codes chorégraphiques ou théâtraux, de tous les codes moraux. Mais 69 positions reste un beau voyage, que l’on aurait finalement souhaité partager davantage. Confronter l’espace intime et l’espace public ? Pour Mette, le pari est réussi.