Célian Ramis

Aux portes de la puissance féministe

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Elles prend aux tripes et aux ovaires l’exposition At the Gates - présentée à La Criée jusqu’au 25 août - réunissant des artistes engagées en faveur des droits des femmes et contre les violences politiques et sociales.
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Elles prend aux tripes et aux ovaires l’exposition At the Gates, présentée à La Criée jusqu’au 25 août. Réunissant des artistes engagées en faveur des droits des femmes et contre les violences politiques et sociales, elle donne à entendre et à voir les diverses formes de luttes « portées par des femmes pour les femmes mais pas seulement », souligne Sophie Kaplan, directrice de La Criée. 

R.E.P.E.A.L. C’est le mot que l’on peut lire sur les bannières disposées en quinconce à l’entrée de l’exposition. Abroger en anglais. Ce que demande le collectif d’artistes engagées dans la Campagne pour l’abrogation du 8eamendement (Campaign to repeal the eighth amendment). 

La forme choisie est celle de l’activisme politique à travers des bannières de manifestation, reprenant les codes de l’histoire de l’art et de la religion. Elles réclament la liberté et le respect des femmes décidant d’avorter en Irlande. Dans la Constitution du pays, le 8eamendement, adopté en 1983, reconnaît le droit égal à la vie de mère et de l’enfant à naitre. 

Ainsi, l’avortement est interdit. Sans exception. En 2015, le collectif se crée, dans le but de sensibiliser et de mobiliser autour du droit des femmes à disposer de leur corps. Avec le soutien de milliers d’artistes, les bannières voient le jour et défilent lors de différentes manifestations. Elles ont ensuite été exposées, accompagnées de vidéos de témoignages féminins établissant la liste des conséquences désastreuses du 8eamendement et des discriminations systématiques que cela a entrainé.

L’une des bannières montre d’ailleurs le chemin que les Irlandaises ont à parcourir si elles souhaitent avorter. Munies de quelques affaires personnelles, elles doivent embarquer à bord d’un bateau ou d’un avion, à destination de l’Angleterre. Les difficultés s’accumulent, tant sur le plan économique, que matériel, sans oublier les plans géographique et psychologique.

Après de nombreuses mobilisations militantes en Irlande, le peuple s’est prononcé en 2018 à plus de 66% en faveur de l’abrogation du 8eamendement. Pour Sophie Kaplan, il est intéressant d’ouvrir l’exposition par un sujet de lutte aussi fort en Europe que dans le reste du monde : 

« Quand on voit ce qui se passe en Argentine, dans certains états des Etats-Unis ou même en France où même après 40 ans avec la loi Veil, on a retoqué le report des semaines de délai pour avorter… C’est pas gagné ! La subtilité de l’exposition, c’est de parler des femmes, des droits des femmes mais aussi de poser la question de la liberté. » 

Une liberté dont les artistes ne demande plus l’autorisation. Elles la prennent. C’est là le propos du titre de l’exposition, At the gates, se référant en partie à la nouvelle Devant la Loi de Franz Kafka, dans laquelle un homme passe sa vie devant la porte de la Loi, attendant de pouvoir entrer. 

C’est ce qu’explique Tessa Giblin, directrice de la Talbot Rice Gallery à Edimbourg et commissaire de l’exposition At the Gates (très inspirée par la célèbre autrice féministe, enseignante et militante, Silvia Federici).

« Je connaissais une partie de l’exposition, qui réunissait des artistes qui ne sont pas exposées à La Criée parce qu’on n’a pas la même surface non plus, et je connaissais l’œuvre de Jesse Jones. Tessa est venue ici, voir l’espace et on a travaillé ensemble à une forme condensée. Je voulais une adaptation aussi au contexte français, j’ai donc ajouté deux propositions : Camille Ducellier et Histoires d’A. Les deux répondent en plus très bien à l’exposition du musée des Beaux Arts. », souligne Sophie Kaplan. 

Parce qu’en parallèle, à quelques pas du centre d’art contemporain, se trouve l’exposition Créatrices – l’émancipation par l’art, à découvrir au musée des Beaux-Arts jusqu’au 29 septembre 2019 : « Anne Dary, directrice à l’époque, m’en a parlé et on a programmé ça au même moment. La focale de l’expo ici, c’est l’idée de faire entendre des voix de femmes et des luttes portées par des femmes pour les femmes mais pas seulement. »

C’est inspirant et puissant. Au-delà des œuvres en elles-mêmes, pour la plupart difficiles à décrypter sans en avoir les références, ce sont les histoires sous-jacentes qui sont intéressantes. Une fois les codes en main et quelques clés de compréhension, on prend la mesure de la charge émotionnelle et de l’intensité du militantisme.

On navigue au sein d’une force tentaculesque. Les formes diffèrent mais les propos se rassemblent. Ici, on questionne le droit à la différence, la transmission des savoirs, les lieux de pouvoir et de contre pouvoir. On utilise des symboles forts, percutants, parfois brutaux et dérangeants. Certains matériaux semblent anodins, d’autres moins. Tous regorgent de violences.

Fécondité, prostitution, sorcières, violences physiques, psychologiques et sexuelles… Chaque œuvre invite ou force à la réflexion. Au déclic. À la déconstruction. Déconstruction des idées reçues face à la brutalité des réalités vécues.

Sur un écran télévisé, le visage d’une femme est agressé par une main d’homme. La femme subit. Et l’homme lui demande de manière répétitive et de plus en plus agressive « Comment veux-tu être gouvernée ? » (« How do you want to be governed » est le titre de l’œuvre), elle reste impassible. Dans sa vidéo, Maja Bajevic reprend le travail de Rasa Todosijevic en 1976, intitulé « What is art ? ». Elle montre la résistance, travail de chaque instant.

Quelques mètres plus loin, une autre vidéo dévoile un groupe de femmes, brodant un grand drap blanc, exposé également à La Criée. Ce sont les œuvres de Teresa Margolles qui pendant plusieurs années a récupéré dans les morgues des linceuls de femmes ayant subi une mort violente.

Durant trois années, l’artiste a invité des femmes de différentes communautés des Amériques (dont les Kunas du Panama, les Taharamaras de Mexico et les Mayas au Guatemala) à réaliser des broderies sur ces tissus. Réunies en groupe autour de la broderie, considérée comme une tache féminine (donc secondaire) et non comme un art, les femmes échangent autour de leurs conditions en fonction de leur sexe et de leur genre mais aussi autour des problématiques sociales et environnementales qu’elles traversent.

« De par la broderie (et on notera que les bannières de manifestation contre le 8eamendement sont aussi constituées de broderie), elles réaffirment la puissance de la communauté des femmes. Elles parlent d’accouchement, de relations mais aussi de la déforestation. On voit à quel point les luttes des femmes sont prises dans des luttes plus générales. L’exposition interroge notre capacité de résistance et de liberté par le focus féminin. »
explique Sophie Kaplan, passionnée par le sujet dont la richesse n’est plus à démontrer. 

L’ensemble des discussions, l’art de la broderie, la récupération des symboles, marquent la transmission des savoirs qui ont perduré dans le temps et résonnent avec le partage des expériences intimes comme acte politique.

Le corps des femmes n’appartient pas aux hommes. Le corps des femmes n’appartient pas à la société. Le corps ne peut appartenir qu’à l’individu qui l’occupe, le remplit, se construit dedans et avec.

« Le film de Camille Ducellier, avec 5 portraits, montre des images directes, des images tranchantes. Elle montre une relation au plaisir qui sort des clichés de la jeune et jolie femme qui se fait pénétrer. Les vieilles moches aussi ont le droit de jouir. Les vieux mecs aussi ! Plus largement sur At the gates, je n’ai jamais vu autant de vulves dans une exposition. Et ça interroge sur la représentation du sexe féminin : comment montrer ce qui est caché et pourquoi c’est caché ? On voit beaucoup plus de représentations du sexe masculin… », souligne la directrice de La Criée. 

Elle conclut son propos par l’objectif général de l’exposition : « Il est important de montrer que les artistes sont dans la société, qu’elles et ils portent les questions de société et qu’il y a de multiples formes de le faire. »

Célian Ramis

"Si on n'y regarde pas de très près, on tombe dans des programmations inégalitaires"

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Musée des Beaux Arts, Rennes
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Quelle est la place des femmes dans le spectacle vivant et les arts visuels en Bretagne ? Le 16 mai, HF Bretagne faisait le point sur les freins, les stéréotypes genrés et les solutions.
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Le 16 mai, à 17h, la salle de conférence du musée des Beaux Arts de Rennes est pleine à craquer. Des élu-e-s, des responsables artistiques, des directeurs de salles de spectacles, des artistes, des militant-e-s et des curieu-ses répondent présent-e-s à l’invitation d’HF Bretagne qui présente ce jour-là l’édition 2019 de son diagnostic chiffré concernant la place des femmes dans le spectacle vivant et les arts visuels en Bretagne. 

C’est un travail colossal que réalise les membres d’HF qui, tous les deux ans, publient un état des lieux alarmant sur la place des femmes dans le secteur des arts et de la culture. Dès la première page de la plaquette, on frémit. Les femmes sont majoritaires sur les bancs des écoles d’art puis « elles deviennent moins actives, moins payées, moins aidées, moins programmées, moins récompensées, et enfin moins en situation de responsabilité que leurs homologues masculins. »

Et pour bien mettre en perspective ce constat, les chiffres abondent : les femmes représentent aujourd’hui 60% des étudiant-e-s, 40% des artistes actif-ves, 20% des artistes aidé-e-s par des fonds publics, 20% des dirigeant-e-s, 20% des artistes programmé-e-s, 10% des artistes récompensé-e-s. Et « à poste égale et compétences égales, une femme artiste gagne en moyenne 18% de moins qu’un homme ». 

L’IMPORTANCE DE LA VEILLE STATISTIQUE SEXUÉE

La veille statistique sexuée permet donc de repérer les inégalités entre les femmes et les hommes mais aussi et surtout participe à la prise de conscience. L’enjeu d’HF Bretagne étant de faire comprendre à chacun-e que tout le monde est concerné et que chacun-e à son échelle peut agir en faveur de l’égalité.

Le travail colossal de collectes des données a été effectué par Yulizh Bouillard, avec la participation de plusieurs militantes bénévoles de la structure et s’appuie sur la programmation ainsi que sur les informations délivrées sur les sites internet des établissements de culture (toutes les informations sur la méthodologie sont à lire dans la plaquette).

« Compter, on le fait depuis l’origine d’HF Bretagne. Même nous, conscient-e-s des inégalités, on ne se rendait pas compte à ce point de la situation. C’est salutaire d’avoir les chiffres. Et d’avoir les chiffres les plus précis possibles en région. Ça permet d’observer les évolutions timides, mais aussi positives quelques fois, et d’identifier les freins, les endroits de blocage, etc. », explique Laurie Hagimont, coordinatrice d’HF Bretagne. 

C’est lors de la première restitution de l’étude chiffrée d’HF Bretagne qu’Odile Baudoux, chargée de coordination et de programmation au Triangle, a réalisé l’importance des inégalités. Elle tient le même discours que Laurie Hagimont :

« Je savais qu’il y en avait mais pas à ce point ! Je me suis donc interrogée et la programmation du Triangle n’était pas égalitaire, ni comptabilisée d’ailleurs. À partir de là, j’ai décidé de faire quelque chose à mon échelle. Pour construire une programmation égalitaire, il n’y pas de hasard ni de magie, il n’y a que du volontarisme à avoir. Il faut compter, sinon on a toujours l’impression que ça va. »

Elle l’avoue aisément :

« Si on n’y regarde pas de très près, on peut tomber rapidement dans des programmations inégalitaires. »

Ainsi sa démarche est passée de la prise de conscience à l’action concrète, en passant par la remise en question et la mise en place de moyens tel que l’ajout d’une case « Hommes / Femmes » dans son tableau Excel.

« C’est une nécessité et une réalité. Alors oui, parfois au détriment d’un homme que j’aimerais programmer, je fais pencher la balance vers une femme que j’ai aussi envie de programmer. Pour atteindre l’équilibre. », souligne Odile Baudoux. 

LE VOLONTARISME DOIT ÊTRE COLLECTIF

À celles et ceux qui, interrogé-e-s sur leurs programmations inégalitaires d’année en année, rétorquent que le sexe n’est pas un critère, la programmatrice du Triangle est du genre à les inciter à « aller voir davantage d’artistes femmes », même si cela implique « d’aller un peu plus loin et de prendre du temps. »

De par ce conseil avisé, elle soulève implicitement plusieurs facteurs de freins. D’un côté, l’invisibilisation des femmes artistes et le sentiment d’illégitimité à être sur la scène, à la direction d’un projet artistique ou d’une salle, en raison du manque de représentativité perçue dès l’enfance. D’un autre, le manque de démarche volontaire de la part des programmateurs-trices feignant ignorer le système inégalitaire du secteur de la culture.

Attentive à la question de la parité – qui ainsi révèle que les femmes ont autant de talents que les hommes et que ces dernières peuvent s’orienter vers toutes les disciplines, une fois passée la barrière du genre et de la représentation genrée – Odile Baudoux regrette néanmoins que la saison prochaine soit moins équilibrée :

« Sur la programmation de l’année prochaine, on est plus sur du 60 – 40. Il y a des raisons conjoncturelles à ça : des questions d’agenda, de partenariat, etc. Parce que je ne suis pas toute seule à décider et à bâtir cette programmation. On n’y arrive pas toute seule si tout le monde ne décide pas de mettre l’égalité au centre des priorités. C’est tous et toutes ensemble qu’il faut le faire. »

Tous et toutes ensemble. Pour éviter de reproduire de saison en saison le cercle vicieux de la majorité masculine. Si depuis 2014, la part des femmes responsables artistiques programmées en Bretagne est passée de 17% à 22%, l’évolution est lente et timide. Cette part représente 34% dans les structures labellisées par l’Etat (hors musiques actuelles) et 16,6% dans les lieux de musiques actuelles. Et atteint seulement les 11% dans les musiques classiques.

« On va mettre en place le comptage dans les actions culturelles », s’engage Béatrice Macé, co-fondatrice et co-directrice de l’Association TransMusicales.

« Comme à chaque fois que HF nous pose la question, je n’ai pas les chiffres concernant la place des filles sur les actions culturelles. Mais comme à chaque fois, on s’engage à répondre l’année suivante. »

L’IMPACT DES ACTIONS CULTURELLES

Depuis 3 ans, HF Bretagne et l’ATM travaillent en partenariat à l’occasion des TransMusicales. Chaque année, une table-ronde, intitulée « Les femmes haussent le son ! : elles sont (presque) là », est organisée autour de la place des femmes dans les musiques actuelles démontrant le manque d’égalité dans ce secteur et valorisant les initiatives et les discours d’empowerment.

« Au cours de nos actions culturelles avec des classes d’école primaire ou de centres de loisirs, on n’a jamais remarqué de répartition genrée dans les postes qu’ils se donnent. Quand on les a laissé choisir librement les missions, un gars et une fille se sont mis à la technique, un gars et une fille à la prévention et les autres filles à l’accueil des artistes, la billetterie, la communication, etc. On constate qu’à ce moment-là, ils n’ont pas encore de représentation genrée et qu’ils s’imaginent, filles comme garçons, de partout, à tous les postes, etc. Et c’est vraiment notre objectif de leur ouvrir les portes ! », souligne Marine Molard, responsable des actions culturelles au sein de l’ATM. 

Pourtant, elle ne peut que constater que dans la diversité des propositions, l’équilibre est rompu malgré une co-direction paritaire et un pourcentage de 100% de femmes aux postes à responsabilités dans la structure, la technique est assurée par 99% d’hommes et la programmation établie par 100% d’hommes.

Et dans les groupes que les enfants découvrent et rencontrent, les femmes occupent quasi systématiquement le poste de chanteuse.

« S’ils ne voient que des batteurs par exemple, ils vont penser que c’est un instrument pour les hommes. Sans intention de notre part, on a ce risque de créer des stéréotypes à travers nos actions culturelles. »
conclut Marine Molard.

Une attention particulière doit donc être portée en parallèle d’une remise en question de la construction de la programmation qui doit être davantage égalitaire et diversifiée. On en revient à la nécessité du comptage. Pour prendre conscience des inégalités et tendre vers l’égalité réelle entre les femmes et les hommes.

PROGRAMMER DES FEMMES, C’EST POSSIBLE !

Jean Roch Bouillier, directeur du musée des Beaux Arts de Rennes, se souvient que dans les années 1990 et 2000 avec l’émergence des gender studies, les débats autour du comptage étaient houleux. Le déclic pour lui, c’est l’exposition Elles, présentée au centre Georges Pompidou entre mai 2009 et février 2011, qui a réuni 350 œuvres de 150 artistes (femmes, faut-il le préciser…) du début du XXe siècle à nos jours. 

« C’est un grand moment de bascule. L’exposition a montré que c’était possible de programmer des femmes. De nombreux musées ont engagé une réflexion sur la place des femmes dans les programmations et dans les expositions. On travaille sur ce sujet depuis 4 ans au musée des Beaux Arts de Rennes et cela aboutira à une grande exposition, dès le 29 juin, intituléeCréatrices, l’émancipation par l’art. », s’enthousiasm-t-il, précisant : 

« Ce n’est pas juste un coup d’une fois, c’est le fruit d’un travail et d’une réflexion. Ce musée a plusieurs fois était dirigé par des femmes et compte un nombre important de femmes artistes. »

Depuis plus de 10 ans, les femmes représentent entre 63 et 65% des étudiant-e-s des écoles supérieures d’art en France, nous indique la plaquette réalisée par HF Bretagne. Toutefois, les artistes exposé-e-s sont 67% d’hommes et 33% de femmes. Et on remarque que les femmes exposées le sont souvent moins longtemps que leurs homologues masculins et plus souvent dans des expositions collectives.

Prendre conscience des inégalités est une étape. Comprendre les freins et les blocages, en est encore une autre. Agir concrètement à l’égalité entre les femmes et les hommes et participer au maintient de l’équilibre, encore une autre. Le travail est colossal, la rigueur doit être de mise. Mais pas seulement : le plaisir aussi, comme le souligne Laurie Hagimont :

« Nous avons beaucoup de plaisir à travailler sur ces questions-là ! »

PASSER À L’ACTION

Questionner, interpeler, se remettre en question, réorganiser et agir ne doivent pas être vécus comme une contrainte mais sont aujourd’hui indispensables à la mise en place d’un système affranchi des assignations de genre et du manque de représentativité. Et tout le monde a un rôle à jouer, à son échelle. C’est le sujet du dernier chapitre de la plaquette « Et maintenant, que fait-on ? » et de l’échange qui suit la présentation, ce jeudi 16 mai.

L’égalité n’est pas une affaire de femmes, les deux sexes étant enfermés dans des stéréotypes de genre (l’un bénéficiant de privilèges qu’il est urgent d’identifier et de questionner afin de rebattre les cartes). Education non genrée et transmission d’un héritage riche débarrassé de l’hégémonie masculine, blanche, hétéro et occidentale sont des outils essentiels dont il faut se munir.

« Il est important de s’asseoir sur notre héritage qu’est le matrimoine. C’est important pour affirmer notre légitimité, notre position en tant qu’artiste. » 
précise à juste titre HF Bretagne

La structure propose alors des événements tout au long de l’année afin de valoriser ce matrimoine, de réfléchir ensemble à la question et accompagne également celles et ceux qui souhaitent agir.

Dans les pistes concrètes qu’elle présente en fin de plaquette, collectivités et financeurs publics, écoles d’art, responsables de lieux culturels, artistes et compagnies, et médias peuvent déjà piocher dans des idées a priori simples mais souvent mises de côté.

ADOPTER DES RÉFLEXES

Les médias sont par exemple invités à donner aux femmes une visibilité et un nom, à s’appuyer sur le guide de communication sans stéréotype de sexe du Haut Conseil à l’Égalité entre les femmes et les hommes pour écrire ou encore à se former à la méthodologie de comptage pour être en capacité de vérifier les informations.

Les collectivités et financeurs publics à mettre en place une analyse de la répartition de l’argent public pour apporter des mesures correctives en faveur de la parité et à mettre en valeur notre héritage culturel dans sa globalité (le patrimoine ET le matrimoine).

Les écoles d’art à enseigner une histoire mixte des arts et valoriser les créatrices du passé, à veiller à la parité dans les équipes pédagogiques et à encourager la prise de parole sur les violences sexistes et sexuelles.

Les responsables de lieux culturels à se former, comme les médias, à la méthodologie de comptage, à veiller à une meilleure représentation des femmes dans les expositions et sur scène et à distribuer les moyens de co-production et de résidence de façon paritaire.

Les artistes et compagnies à explorer le matrimoine de leurs disciplines et à valoriser les personnes qui accompagnent leur travail et qui sont souvent des femmes (production, diffusion, administration, costumes…).

D’autres pistes concrètes sont à découvrir dans la plaquette, sur le site d’HF Bretagne. « Qu’on arrête de se taire sur ce qui n’a pas lieu d’être ! », conclut la coordinatrice de la structure. Elle a raison. Qu’on arrête de se taire. 

 

L’AGENDA D’HF BRETAGNE : 

  • 6 juin dès 20h30 : la boum d’HF Bretagne aux Ateliers du Vent. 
  • Dès septembre : une pastille quotidienne sur le matrimoine sur les ondes des radios associatives de Bretagne, en partenariat avec la CORLAB.
  • Dimanche 15 septembre : « D’hier à aujourd’hui, quelle place pour les femmes dans la création artistique ? » Rencontre avec HF Bretagne dans le cadre de l’exposition Créatices, l’émancipationpar l’art au musée des Beaux Arts de Rennes. 
  • Dimanche 29 septembre : « Dangereuses autrices ? Histoire de la masculinisation de la langue » par Eliane Viennot dans le cadre du festival Dangereuses lectrices (les 28 et 29 septembre aux Ateliers du Vent). 
  • Mardi 8 octobre : « Le cinéma féministe dans les années 70 » par Hélène Fleckinger, dans le cadre des Mardis de l’égalité de Rennes 2. 
  • Novembre : « La fabrication de la valeur esthétique », conférence de Bérénice Hamidi-Kim (lieu à définir). 
  • Décembre : table ronde HF Bretgane aux TransMusicales. 

 

 

 

 

Célian Ramis

Les femmes et la marge au Blosne

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Maison des Squares, Rennes
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En plein cœur du quartier du Blosne, se tient l'exposition « Les femmes et la marge ». L'occasion d'admirer des femmes du monde entier vues par l'œil du photographe Yann Lévy.
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À la Maison des squares, en plein cœur du quartier du Blosne, se tient l'exposition « Les femmes et la marge » jusqu'au 30 novembre 2014. L'occasion d'admirer des femmes du monde entier vues par l'œil du photographe Yann Lévy.

Une femme en tenue burlesque, cache-téton en strass et body moulant, regarde d'un air mutin le visiteur, prête à retirer le bas. À côté, une femme entièrement voilée presse le pas sur le parvis d'une mosquée à Istanbul. Ces deux portraits exposés côte à côte montrent deux mondes opposés. Leur point commun ? C'est le même homme, Yann Lévy qui à travers son  regard de photographe a immortalisé ces instants. À travers dix-huit portraits de femmes, il emmène le visiteur aux quatre coins du globe : Roumanie, Haïti, Palestine, France, Turquie...

Sarah Boulanger, animatrice multimédia et responsable des expositions à la Maison des squares, explique : « Le lien entre toutes ces photos c'est les femmes. Il a extrait des photos de plusieurs de ses reportages en ne prenant que les portraits féminins. » Elle a contacté Yann pour l'exposer car « c'est un copain ».

Amatrice de photos, elle connaît quelques personnes dans le milieu. Yann Lévy lui a ainsi expliqué sa démarche. Partant du constat que les femmes étaient peu représentées dans le monde de la photographie, il a voulu travailler sur leur diversité. Résultat : une exposition hétéroclite qui rend hommage au féminin sous toutes ses formes.

Autre particularité, le lieu dans lequel les photos sont accrochées. La maison des squares n'est pas un lieu destiné à exposer a-priori, sa vocation est toute autre, celle d'une maison de quartier. Les clichés sont accrochés dans l'entrée et dans le couloir au petit bonheur la chance. Le Blosne est dépourvu d'endroits dévolus à l'art. Seul le Triangle fait exception.

C'est ce qui a poussé la petite structure à se lancer, depuis septembre 2014, afin de combler ce vide culturel et éviter que les personnes soient obligées de se rendre au centre ville pour admirer des expositions. Tous les mois, un nouvel artiste vient prendre place sur ses murs.

Les réactions des gens du quartier intéressent également Sarah Boulanger : « On a des gens qui viennent de partout et qui se retrouvent dans cette exposition. » Elle raconte, amusée qu'une maman d'origine turque et sa fille adolescente contemplaient toutes deux une photographie en la qualifiant de « très belle » et en  pensant, bien évidemment, parler de la même. Sauf que la mère admirait celle de la femme voilée sur le parvis d'Istanbul tandis que la fille évoquait celle de la performeuse burlesque. Une autre remarque entendue l'a aussi marqué : « C'est marrant, il n'y a que les femmes blanches de l'exposition qui font des trucs que l'on a jamais vu. » Une manière de questionner notre rapport à l'étrange et à l'étranger.

Célian Ramis

Maintenant 2014 : Pauline Saglio, du numérique, du design et des bulles

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MJC Le Grand Cordel, Rennes
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Visible jusqu’au 29 novembre prochain à la MJC Grand Cordel à Rennes, cette exposition mêle digital, innovation et poésie pour la nouvelle programmation d’Electroni[k].
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« Les gens peuvent parfois se sentir distants vis à vis de l’art et ne savent pas toujours comment aborder une œuvre, c’est pourquoi nous avons choisi de travailler avec des objets qui appartiennent au quotidien » explique la designer Pauline Saglio à propos de l’exposition  Rewind, Caves aux bulles, Light Form . Visible depuis le 6 octobre et jusqu’au 29 novembre prochain à la MJC Grand Cordel à Rennes dans le cadre du festival Maintenant, cette exposition mêle digital, innovation et poésie pour la nouvelle programmation d’Electroni[k].

Fraîchement diplômés de la prestigieuse ECAL (Ecole Cantonale d’Art de Lausanne), les trois jeunes artistes franco-suisses Pauline Saglio, Mathieu Rivier et Joelle Aeschlimann ont collaboré à la préparation de cette exposition interactive de trois œuvres.

Rewind par Pauline Saglio met en scène la notion de temps à l’aide de mécanismes ajoutés à des tablettes numériques, Caves aux bulles, sur laquelle les trois designers ont travaillé, projection murale qui, quand on souffle dans un jouet à bulles, actionne des dessins légers et enfantins et Light Form de Mathieu Rivier, installation tortueuse et graphique émettant son et lumière au contact des doigts du visiteur.

« La France est très appliquée à des domaines particuliers et je n’étais pas assez passionnée de graphisme ou de photographie par exemple pour ne faire que ça, j’aime beaucoup de choses », explique la jeune designer. Parisienne d’origine, Pauline Saglio, aujourd’hui assistante du département de Communication Visuelle de l’ECAL, après un baccalauréat ES obtenu en 2007, intègre successivement les ateliers Penninghen et de Sèvre à Paris, qu’elle considère finalement trop académiques puis se tourne vers le département Media Interaction Design de l’ECAL afin de travailler sur des projets spécialisés dans le numérique qui combinent tous les médias. C’est à l’occasion d’un workshop organisé par les étudiants de l’école qu’elle rencontre Mathieu et Joelle avec qui elle collaborera ensuite.

« L’ÉMERVEILLEMENT DOIT ÊTRE INSTANTANÉ »

 « Nous ne voulons pas dévoiler comment nos installations fonctionnent, il y a un espèce de ras le bol général de notre part quant aux personnes qui vénèrent les artistes, l’émerveillement doit être instantané et non parce qu’on a potassé telle ou telle brochure sur le travail d’un artiste. On a cherché à avoir un feedback sensoriel, ce qu’on a perdu avec le numérique », explique la jeune femme. Et on ne lui en veut pas.

L’interaction avec le visiteur est totale dans cette exposition ; que l’on actionne un mécanisme ancien monté sur une tablette pour y faire apparaître une horloge sortie de l’imagination de Pauline Saglio, qu’on souffle à sa manière pour déclencher Cave aux bulles ou qu’on pianote sur Light Form, on fait partie de l’œuvre, on la recrée à chaque fois.

 « Je ne cherche pas à me limiter au numérique, on peut avoir l’impression qu’il forme une sorte de rupture mais ça peut également être une continuation du passé » selon Pauline Saglio qui évoque un futur projet autour du son, de sa propagation et de la résonance à partir du concept de la tirelire. En attendant cette potentielle œuvre toujours plus ludique, l’exposition Rewind, Caves aux bulles, Light Form sera visible jusqu’au 29 novembre à la MJC Grand Cordel pour notre plus grand plaisir.

Célian Ramis

Maintenant 2014 : Elsa Quintin jette l'encre au Parlement

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Parlement de Bretagne, Rennes
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Les deux artistes designers Elsa Quintin et Antoine Martinet reviennent au Parlement de Bretagne pour présenter le Projet Pilot, deux oeuvres entièrement réalisées au stylo noir...
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C’est dans le cadre du festival Maintenant, organisé par l’association Electroni(k) qu’est exposé le Projet Pilot, réalisé par les artistes rennais Elsa Quintin et Antoine Martinet. L’œuvre est à découvrir samedi 18 octobre, au Parlement de Bretagne.

Ce n’est pas la première fois que Projet Pilot trône dans le lieu emblématique de la capitale bretonne qu’est le Parlement de Bretagne. En 2012, le premier polyptique y avait été dévoilé au grand public. Deux ans plus tard, le duo d’artistes designers renouvelle l’expérience, dans la salle des Pas Perdus cette fois, et ajoute un deuxième polyptique à leur projet originel, intégralement réalisé au stylo noir.

« Nous avons commencé le travail en 2009 pour le premier tableau. Nous avons fait d’autres projets en parallèle quand même. Puis nous avons entamé le deuxième en 2012 et nous l’avons terminé il y a deux semaines… », explique Elsa Quintin.

En collaboration avec Antoine Martinet, ils ont réalisé un dessin de grande dimension et de grande ambition pendant plusieurs années. Le résultat, ils l’ont découvert en début de semaine en installant le dispositif pour la toute première fois. La technique est la même, le format également. Mais les deux œuvres diffèrent fondamentalement dans le contenu.

« Même si elles sont liées symboliquement, les pulsions ne sont pas les mêmes. La première est très chargée en iconographies, motifs, personnages et il y a un foisonnement de détails, c’en est presque écœurant. La deuxième représente un paysage, l’abstraction, le néant. Si elle est apaisée dans sa technique, elle dégage une anxiété froide »
commente Elsa Quintin, le regard fixé sur les toiles encadrées.

ART DU DÉTAILS

La réunion des deux œuvres impressionne. D’un côté, un fourmillement de détails avec une multitude de personnages, d’inscriptions en latin ou en anglais, d’objets liés à l’aviation ou à la navigation. L’encre du stylo rencontre le blanc de la toile pour souligner la noirceur des scènes représentées qui se croisent et s’entremêlent, tout en marquant différentes époques de l’Histoire. Mythologie, Bible, réalisme, ici tout se confond dans un ensemble fantasmagorique dans lequel chimères, dinosaures, hommes et animaux participent à l’évolution d’une société décadente, entre guerres de territoire, de religion et d’identité.

De l’autre côté, l’art de la nuance, de la précision et du mouvement, règne dans le silence de ce paysage lisse et angoissant. « Cela relève de notre imaginaire graphique, influencé par l’univers des comics US – avec les dessinateurs Charles Burns et Daniel Clowes par exemple – mélangé aux œuvres classiques du Moyen-Âge. Il y a un mélange de culture populaire avec la bande-dessinée et le côté ancien », précise Elsa Quintin. Pour elle, ce qui impressionne de manière générale dans l’œuvre, c’est le labeur du travail. La réalisation du dessin au stylo noir dépasse la question du contenu.

« Quand les spectateurs voient l’œuvre, ils voient la masse de travail mais pas forcément ce qu’il y a derrière. Alors que concrètement, dans le deuxième polyptique, il s’agit d’un enfant pré-pubère nu dans un lac. Et dans le premier, il y a beaucoup de violence, de rapports sexuels, etc. Mais ça passe presque inaperçu. »
ajoute-t-elle, presque déçue que la forme ne complète que trop le fond.

Si le stylo a été choisi pour cette œuvre, c’est tout simplement pour la couleur de son encre – un noir-violet-bordeau – et la concrétisation d’une volonté de dessiner à la main. Une volonté qui n’oppose en rien le travail réalisé sur logiciels, tient à souligner l’artiste : « L’ordinateur et le numérique n’évacuent pas le fait qu’on a un corps et que l’on vit avec, que l’on est en mouvement avec. Nous ne voulions pas évacuer cela non plus. C’est un plaisir très particulier et nous avons eu du plaisir à faire avec notre corps, même si ça fait mal. Surtout que nous sommes sensibles également à la question du temps long dans le travail. » Et la question du temps est centrale dans cette oeuvre, qui mettra deux jours à être installée dans le Parlement, pour n’être visible qu’une seule journée, le 18 octobre.

Célian Ramis

Stéphanie Leray-Corbin, une mosaïste d'art à Rennes

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Rennes
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Stéphanie Leray-Corbin est artiste-mosaïste à Rennes depuis 10 ans. Son atelier est une caverne d’Ali Baba pour tous les férus de décoration. Portrait d’une femme passionnée d’art.
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Stéphanie Leray-Corbin est artiste-mosaïste à Rennes depuis 10 ans. Elle tient un atelier 10 rue Francisco Ferrer près du métro Clémenceau. Une caverne d’Ali Baba pour tous les férus de décoration. Portrait d’une femme passionnée d’art.

À 38 ans, Stéphanie Leray-Corbin exerce le métier d’artiste mosaïste. Dans son atelier coloré et chaleureux, elle crée des œuvres contemporaines à partir de morceaux de faïences, de pierres, de pâte de verre, de grès cérame qu’elle juxtapose, réinvente et colle selon ses envies. « J’aime détourner les objets et mélanger les matières », explique-t’elle. Lors de sa dernière exposition « Axel Pixel », présentée chez « Blind Spot », au 36 rue Poullain Duparc à Rennes, elle a ainsi utilisé des embauchoirs, des disques, des assiettes, des totems comme support pour sortir du cadre de la mosaïque classique.

Sa technique ? Réaliser en amont un dessin, déterminer les couleurs, découper les matériaux avec une marteline ou une pince puis utiliser du mortier colle (en ajoutant ou non du mortier joint pour les finitions). « Mais la première chose que je fais, c’est de réfléchir sur la conception artistique. Ma démarche est expérimentale », raconte-t’elle. Elle s’inspire principalement de l’univers de la bande-dessinée, du street-art et de la nature. Sensible au travail des autres, elle propose également une exposition commune avec divers artistes – des peintres, des sculpteurs, des illustrateurs – et partage son savoir-faire lors de cours à la carte et de stages à thèmes.

La mosaïque est un art accessible à tous les publics selon elle et il s’intègre d’ailleurs parfaitement à l’art thérapie. « La plupart des gens me disent qu’ils se vident la tête à l’atelier et se laissent aller. Alors pourquoi pas me former un jour à cette méthode ? », s’interroge-t’elle.

Au départ, cette femme travaillait au développement de projets socio-culturels et artistiques. Mais avec la naissance de son deuxième enfant, une période de chômage, des petits boulots et des questionnements professionnels, elle s’est tournée vers cette pratique et a décidé de se lancer.

« J’ai monté mon entreprise avec le soutien de la boutique de gestion et une conseillère m’a suivi pendant 3 ans », souligne-t’elle. Et le hasard a bien fait les choses puisque cette passion était en fait familiale. « En effet, mon père faisait lui aussi de la mosaïque avec de la vaisselle pour se divertir », confie-t’elle. Ses projets ? Ils sont nombreux. « Trouver des lieux d’expositions pour cet été, se former auprès de maîtres mosaïstes, continuer le pixel art, les créations géométriques et la mosaïque monumentale », conclut-elle.

Célian Ramis

Et vous, quelles sont vos ruines ?

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Les ateliers du vent, Rennes
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Un rendez-vous international rassemblant les œuvres d’une vingtaine d’artistes. Présentation d’un évènement artistique et collectif.
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Jusqu’au 8 juin est présenté le projet « Quelles sont nos ruines ? » aux Ateliers du vent à Rennes. Un rendez-vous international rassemblant les œuvres d’une vingtaine d’artistes. Présentation d’un évènement artistique et collectif.

Auteurs, performeurs, artistes visuels, musiciens, chercheurs, le projet est pluridisciplinaire. Et il réunit 28 artistes français, russes et moldaves autour d’une même problématique : « Quelles sont nos ruines ? ». Une question dont les réponses sont exposées au public du 21 mai au 8 juin aux Ateliers du vent et complétées par des soirées de créations « Believe in the ruins » et des rendez-vous, notamment le vendredi 23 mai, avec la performance d’Anaïs Touchot « Si j’étais démolisseur ».

Un travail de reconstruction autour d’une cabane en bois, réalisé en partenariat avec le festival Oodaaq.

Elaboré en amont lors de « Workshops » organisés en janvier 2013 à Moscou en Russie puis à Chisinau en Moldavie, l’évènement est le résultat de plusieurs années de travail. Il s’agit de la troisième étape du projet, les précédents ayant d’abord permis aux participants de se découvrir et d’échanger. « Un projet collectif à long terme qui a pour vocation de continuer ailleurs… », explique l’auteure et interprète Céline Le Corre – membre fondateur et porteur du projet Les Ateliers du vent. D’ailleurs selon elle, c’est réellement dès 2006 que tout a démarré.

Cette année-là, des liens avec les pays de l’Est ont débuté. En 2007, la pièce de théâtre « Natacha et Kouprianov » d’après le texte éponyme d’Alexandre Vedenski est créée et en 2010, une exposition « Vive la jeune garde » est organisée à Rennes lors de l’année consacrée aux relations France/Russie. « C’est à cette période que nous avons, avec Alain Hélou (l’actuel directeur de la compagnie), sollicité les artistes de « Quelles sont nos ruines ? ».

Pourquoi « nos ruines » ?

Que symbolisent-t-elles ? Quel impact ont-elles sur notre avenir commun ? Selon Natalya Puchenkina, traductrice russe, aux Ateliers du vent et en lien avec le projet depuis un an, « il s’agit pour les artistes de trouver des éléments qui dépassent le passé pour déterminer le futur. Si le mouvement postmoderniste veut jeter le passé, les artistes suggèrent ici qu’il faut s’y appuyer », explique-t-elle.

Dans ce contexte, Dania Machulina, artiste visuelle russe, lauréate du prix Kandinsky « meilleure jeune artiste » en 2008, a interrogé des artistes et des intellectuels toutes générations confondues, sur la chute de l’union soviétique. Elle a ainsi pu constater qu’une majorité idéalisait la société soviétique et fantasmait son principe d’égalité sociale.

La Russie comme une sorte de modèle à suivre. Une méprise pour cette artiste qui ne conçoit le développement culturel de son pays que par l’acceptation des erreurs commises durant l’Union soviétique, et non par l’intérêt exclusif des grands noms de la Russie, tel que l’écrivain Léon Tolstoï.

Une réflexion autour d’un vécu commun

Doriana Talmazan, comédienne moldave, cofondatrice d’un théâtre indépendant actif dans son pays,  le « Théâtre Spalatorie », a également réfléchi sur cette idée de ruines communes. Elle propose, pour y répondre, la lecture de plusieurs textes : « Le drame des constructeurs » de l’écrivain et poète belge Henri Michaux, mais aussi celle d’un conte traditionnel moldave « Le chapeau de Gugutse » avec le français André Layus.

Les aventures d’un enfant qui découvre que son chapeau s’élargit lorsqu’il réalise de bonnes actions, lui permettant ainsi de couvrir tout son village en période de froid. « Je vais également lire le poème « Rappelle-toi Barbara » de Jacques Prévert en roumain », confie-t-elle. Une interprétation en lien avec le travail de Céline Le Corre qui réalise un documentaire sonore de créations intitulé « Rappelle-toi Bobeica », un récit croisé entre l’histoire de son père bretonnisant dans les années 50 et celle de professeurs de français dans un village rural en Moldavie. Une réflexion sur la langue.

Dans une période de tensions entre l’Ukraine, la Russie et les pays occidentaux, ce projet « Quelles sont nos ruines » permet d’élargir sa vision de cette partie du monde, de réfléchir autour de notre vécu commun et sur nos perspectives d’avenir. « On échange beaucoup sur ce sujet », explique Doriana Talmazan.

« Je crois que c’est à nous de changer les choses en s’exprimant. Nous devons être conscients, agir et ne pas être manipuler par les pouvoirs ». En Moldavie, elle monte d’ailleurs une pièce de théâtre sur les enjeux politiques actuels de son pays. Ce dernier étant un petit territoire multiethnique, tiraillé entre la Russie, l’Union européenne et l’identité nationale.

Célian Ramis

D'Agadez à Castel Volturno, qui sont ces migrants ?

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Champs Libres, Rennes
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En 2009, Fanny se rend à Agadez, au Niger, où elle rencontre ces africains qui s’apprêtent à faire le grand voyage migratoire. Un an plus tard, elle cherche à savoir ce que sont devenus ces migrants et part à leur rencontre en Italie.
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Fanny Bouyagui, plasticienne de 54 ans, née et installée à Roubaix, présente son exposition « Soyez les bienvenus » aux Champs Libres, jusqu’au 11 mai 2014. En 2009, Fanny se rend à Agadez, au Niger, où elle rencontre ces africains qui s’apprêtent à faire le grand voyage migratoire. Un an plus tard, elle cherche à savoir ce que sont devenus ces migrants et part à leur rencontre en Italie, plus précisément à Castel Volturno, petite ville étape située au nord de Naples, dirigée par la mafia italienne. Les interviews filmées et les nombreuses photos qu’elle ramène de son voyage font l’objet de ce poignant témoignage.

Fanny Bouyagui a eu l’idée de monter cette exposition alors qu’elle se trouvait à Anvers, chez une amie, discutant des sans-papiers et se demandant ce qui pousse ces Africains à tout quitter malgré les dangers dont ils ont conscience. Se remémorant l’histoire de son passé, et notamment celle de son père, sénégalais né à Dakar et arrivé en France en 1957, elle a eu envie de comparer cette époque, il y a 50 ans, où les migrants étaient les bienvenus, à celle d’aujourd’hui, plus précaire.

L’exposition retrace donc le chemin migratoire de ces africains qui rêvent d’accoster sur le continent européen, dans l’espoir d’une vie meilleure. Ainsi, on entre dans l’intimité de l’artiste dès le début de la visite. Un portrait en noir et blanc de son père, Baré Bouyagui, se jouxte à un cliché où il est accompagné de sa femme, une jolie blonde prénommée Odette Vanmeenen.

La joie de vivre du couple et leur existence paisible transparait au travers leurs visages souriants. Sont également exposés des dizaines de papiers officiels, tels qu’un certificat de nationalité, un certificat de résidence ou un contrat de travail. « Mon père n’a jamais rencontré de difficultés, que ce soit pour trouver du travail ou pour se loger. Il est arrivé en France puis s’est marié avec une très belle femme, il a eu des enfants. Il a vécu heureux, tout était beaucoup plus simple », déclare Fanny le visage souriant.

« Ils veulent continuer le chemin vers l’Europe. Il s’agit de tout sauf de rentrer chez eux »

Et pourtant, la situation aujourd’hui est bien différente. La première étape d’investigation se situe en Afrique, où les témoignages recueillis sont pleins d’espoirs. Les migrants sont prêts à tout pour arriver en Europe.

L’artiste a regroupé des milliers de photos, morceaux d’articles, cartes géographiques, où l’on peut lire : « Ils veulent continuer le chemin vers l’Europe. Il s’agit de tout sauf de rentrer chez eux », ou encore « Il existe un triptyque sur les routes clandestines : les transporteurs, les hébergeurs, les passeurs. » Par terre sont amassés des bidons en tas, enlacés dans la toile de coco.

Tout est très coloré, très chargé, saturé. Au fur et à mesure du parcours, on évolue inexorablement vers la dure réalité.

« Ici, tu meurs avant ton heure »

Seconde étape, à Castel Volturno. Les vidéos filmées bouleversent, nous livrant des témoignages touchants, reflétants la désillusion des africains installés en Europe : « Il n’y a rien ici, il n’y a que la souffrance. Si vous croisez des migrants qui veulent venir ici, dites leur bien que ce n’est pas la peine. Ici, tu meurs avant ton heure. » Les propos sont brutaux et amères. Très vite, un sentiment d’impuissance nous envahi, nous laissant simples spectateurs face à cette situation de précarité et de misère.

On ressent à cet instant même ce que l’artiste a voulu nous transmettre. Le message est passé. «Je n’ai pas de solution, et je pense qu’il n’y en a pas, conclu Fanny. Le but de l’exposition est de montrer aux gens ce qui se passe, point.  A Castel Volturno, près de 80% de la population est composée de migrants africains. C’est une zone de non-droits dirigée par la mafia. Ils vivent dans l’illégalité mais on leur fout la paix. Alors ils restent… »

Sans filtres ni retouches, Fanny Bouyagui nous livre la juste vérité à travers une mise en scène remarquable. Le point de vue personnel de l’artiste, optimiste, en noir et blanc, se heurte au point de vue collectif, coloré mais fataliste. Une expérience assurément humaine et bouleversante, sans aucun doute nécessaire à une vraie prise de conscience.

Célian Ramis

La badouillerie du vendredi

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Campement Dromesko, Saint-Jacques de la Lande
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Vendredi 21 février sera présentée la troisième Badouillerie, au campement théâtre Dromesko, à Saint Jacques de la Lande. Un rendez-vous singulier organisé par la compagnie « Les Emplumées ».
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Vendredi 21 février sera présentée la troisième Badouillerie, au campement théâtre Dromesko, à Saint Jacques de la Lande. Un rendez-vous singulier organisé par la compagnie « Les Emplumées ». Présentation.

Dans une ferme rénovée, rue du Haut Bois, à Saint Jacques de la Lande se joue, vendredi, la troisième Badouillerie. Un évènement artistique, inspiré des soirées festives et carnavalesques du XIXème siècle à Paris, qui met en avant de jeunes artistes bretons, à travers des  expositions, des performances, des concerts, des projections et des ciné-débats.  

Ce mois-ci, le thème s’articule autour de la fête foraine avec la présence de deux femmes : Martina Damarte et Natalia Santo. Elles proposent un univers fantasque et ludique qui enchante et captive. Illustratrice et marionnettiste, la première présente son théâtre d’objet, son mini musée qui tient dans une valise. « Un musée itinérant et autonome pour aller à la rencontre des gens » explique-t-elle.

Originaire d’Italie, elle s’est formée aux beaux arts de Lorient et à l’école de bandes dessinées de Florence. La seconde fait partie de la compagnie de théâtre et de cirque à cheval « Panik ». Elle installe un « photomaton circus » dans lequel elle prend en photos des personnes – avec un argentique – dans un décor travaillé (des tissus particuliers, des objets suspendus ou des déguisements) et développe en instantané les clichés pour les remettre aux modèles.

Leur style est décalé, bon enfant et l’ambiance générale de la Badouillerie : « festive, conviviale et intimiste », selon Estelle Eon, chargée de l’administration de la compagnie Les Emplumées. Une atmosphère qui permet de partager, d’échanger et de rencontrer les artistes, car l’essentiel de ces rendez-vous reste l’échange. « On travaille sur le lien avec le spectateur et chaque évènement est travaillé in situ. On demande aux artistes de créer quelque chose d’unique », précise la jeune femme.

En plus des attractions et des surprises, un bal guinguette est programmé, emmené par des musiciens de la Gapette, le « Cupif  Band from Biroutt ». Fort de son succès, le nombre de places est limité. Il faut donc réserver, au plus vite, auprès de la compagnie Les Emplumées, pour assister à l’évènement. La jauge est petite, mais offre un côté intimiste à ce rendez-vous artistique…

Célian Ramis

Femmes animales, une première prometteuse

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Rennes
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Mathilde Pilon, jeune femme de 28 ans, s’est lancée dans la cour des grands avec une première exposition intitulée « Femmes-animales. ».
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Mathilde Pilon, jeune femme de 28 ans, s’est lancée dans la cour des grands avec une première exposition intitulée « Femmes-animales. ». Elle est visible jusqu’au 26 janvier à la Coopérative, à Rennes. L’artiste compile des poésies et des photographies autour de la question de la métamorphose.

Mathilde Pilon écrit depuis toujours. Dès l’école elle écrivait sur ses cahiers. La plume est pour elle une manière de s’exprimer naturellement. C’est sa rencontre avec une personnalité qu’elle qualifie de personne « spontanée et particulière » qui lui ouvre les portes de la photographie.

De cette rencontre, elle tire un texte qu’elle intitule « femme-loup » et le besoin de l’illustrer se fait sentir. Elle prend son appareil photo, et en improvisant sur le tas elle commence à illustrer ses poèmes avec « les images que j’avais en tête. » Elle a tout appris sur le tas et confesse : « La recherche de modèles, le travail sur Photoshop, le travail de scénographie, je n’y connaissais rien mais j’ai adoré le faire. »

Lancée, elle ne s’arrête plus et décline l’idée en une série de portraits, tous féminins et animales :  la « femme-cobra » serpente aux cotés de la « femme-chat » qui fait le dos rond à la « femme-caméléon », qui elle-même se camoufle de la somnolente « femme-marmotte ».

En tout c’est une quinzaine de portraits qui sont proposés dans cette exposition. Le travail s’est fait avant tout « sur la métamorphose. Ce qui m’a intéressé c’est l’anthropomorphisme, le côté hybride des choses et le fait qu’un seul être puisse avoir plusieurs facettes. »

Mais c’est aussi une histoire de vie et de femmes, de rencontres et de force. Elle s’est inspiré des personnes autour d’elle, de la vie, tout a été fait de manière intuitive. D’autres projets sont déjà en route pour la jeune femme. Elle a déjà pris contact avec une maison d’édition pour publier le travail qui est actuellement exposé: « Mais je ne peux pas vraiment le dire, rien n’a encore été signé. »

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