Jusqu'au 31 mai, la 7^e édition du festival Bouillants, consacré à l'art numérique, questionne la notion de genre. Exposés à Saint-Brieuc et Vern-sur-Seiche, les travaux des femmes artistes rennaises, Diane Grenier et le collectif L'Atranquille, dépassent la binarité entre le féminin et le masculin, l'humain et la machine. 

À la laiterie Les Bouillants de Vern-sur-Seiche, un vendredi après-midi du mois de mars, Diane Grenier travaille sur des circuits électriques de diodes électroluminescentes et des petits moteurs. La pièce, dans laquelle se trouve l'artiste plasticienne, est occupée dans sa globalité. À gauche de l'entrée, un ordinateur portable posé sur un bureau est entouré de circuits électriques, deux grilles pains et un aspirateur se trouvent par terre. Plusieurs cartons jonchent le sol. À droite, une machine à laver démontée est examinée par l'artiste.

SEXUALITÉ TRANSHUMANISTE

L'ensemble de ces machines est utilisé pour sa création originale, Sexes-Machines, installée dans la laiterie, pendant deux mois, jusqu'à fin mai. En résidence ici depuis début mars, Diane Grenier a eu quatre semaines, comme trois autres artistes et collectifs rennais, pour fabriquer une installation autour de la problématique du genre. « Je me suis orientée vers la figure du cyborg, union entre l'homme et la machine car cette créature est remplie de fantasmes genrés : soit il y a les femmes ultra sexualisées, soit il y a des guerriers», explique-t-elle. Et une sexualité hétérosexuelle qui en découle.

Pour cette œuvre, la plasticienne a imaginé les rapports érotiques de certains objets du quotidien : «Pourquoi fantasme-t-on une technologie comme le cyborg et non celle qui nous entoure ?»

Dans plusieurs scénographies au décor intimiste, les machines répètent des mouvements lascifs ou rythmés à forte connotation sexuelle. « Des éléments mécaniques iront se frotter contre l'architecture, développe-t-elle. C'est un mélange entre l'hybride et l'organique.» Sa création sort de la dualité entre l'humain et les machines. Selon l'artiste, « elles s'affranchissent de leur rapport utilitaire à l'humain pour revendiquer une sexualité inter-machines.»

Ce transhumanisme, le directeur artistique du festival, Gaëtan Allin, s'y est beaucoup intéressé pour construire cette 7^ème édition. Réfléchir au genre « n'est pas si évident que ça», constate-t-il. Mais d'après lui, la notion est totalement obsolète. « La machine va devenir autonome face à l'homme, continue-t-il. Il sera question d'un troisième genre humanoïde et non plus d'un genre binaire.»

LE VÊTEMENT, TISSU GENRÉ

Chacun à leur manière, les dix-sept artistes programmés interrogent leur compréhension de la thématique. Le trio de L'Atranquille propose la sienne dans une vidéo autour du vêtement, Paper Dolls. Lors d'un essayage d'habits par deux membres du collectif, Grégoire Doaré et Anne Sophie Guillaume, la troisième, Ingrid Borelli, remarque que « la gestuelle est différente si on est un homme ou une femme comme, par exemple, la manière de fermer une braguette, d'enfiler un pantalon, d'enlever un pull.» C’est à ce moment que la notion du genre est apparue.

En trois séquences, la vidéo met en scène deux personnages aux visages inexpressifs (incarnés par Grégoire et Anne Sophie), avec des plans fixes sur fond blanc. « Rien ne les distingue sauf les vêtements», détaille Grégoire. Robes, chaussures à talons, mini-jupes, pantalons, ils enfilent chacun leur tour les même choses. À travers ces clichés, le collectif a voulu « détourner les stéréotypes» et « créer un trouble».

Projetée en taille réelle dans la laiterie des Bouillants et pendant le festival briochin Art Rock du 22 au 24 mai, l'installation permet au public de « s'identifier et s'interroger sur l'idée prédéfinie du féminin et du masculin», espère Grégoire.

PEU DE FEMMES ARTISTES LOCALES

La spécificité de cette édition est de proposer une programmation paritaire. Pour autant, sur 7 artistes rennais, L'Atranquille et Diane Grenier sont les seules femmes artistes. La majorité venant des États-Unis. « Je constate, je n'ai pas d'explication et c'est fort dommageable, réagit le directeur, Gaëtan Allin. Car les artistes du numérique construisent le monde d'aujourd'hui et de demain et la moitié de la population en est exclue. Bouillants n'a pas de réponse mais est là pour poser des questions.»

Vendredi 10 avril, devant l’Antipode à Rennes, il pleut sur la file de jeunes gens qui attendent avec impatience le concert de celle qu’on dit relève du rap français, Sianna. À tout juste 19 ans, elle a sorti le 9 mars dernier un premier EP éponyme dans lequel se mêlent technique et énergie.

« Rennes est-ce que vous êtes chauds ? » scande la jeune rappeuse qui crée dès les premières minutes du concert, un lien et une interaction intense avec le public.

Elle et son backer Fanko, font sauter, danser, crier la salle et instaurent un jeu de scène énergique et positif pour le plus grand plaisir de la foule présente.

La musique est puissante, les bass prenantes et Sianna pose son flow incisif et insolent sur des morceaux aux sonorités tant hip hop que r’n’b, mais aussi orientales voir slaves. On assiste véritablement à un show qui donne le sourire mais surtout à une démonstration technique qui impressionne.

« Je force pas le destin, je laisse les choses se faire », dit-elle dans son titre « Quoi qu’il en soit », et a priori, pour l’instant cela lui réussit ! Après des débuts fulgurants, Sianna semble s’imposer comme une vraie référence de la nouvelle scène rap française, une artiste tout en promesses et de potentiel, à suivre dans les mois, voire années qui viennent !

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Sianna : « Il y a très peu de kickeuses françaises »

Rencontre avec Sianna un peu avant sa montée sur scène à l’Antipode, qui évoque ses débuts, la scène française du rap et son EP.

YEGG : À seulement 19 ans vous sortez un premier EP, on peut parler de débuts assez fulgurants, comment a débuté votre carrière ?

Sianna : J’ai commencé à écrire du rap vers 11 ou 12 ans juste comme ça, faire des rimes etc et en 2012 on a formé Crack House avec deux amis à Beauvais. Au départ on faisait ça pour rire mais ça s’est vite concrétisé. Au bout d’un moment on a décidé de faire un break et j’ai pu bosser un an sur ma musique. J’ai été repérée et signée chez Warner/Chappell mais j’ai aussi été beaucoup soutenue par Mac Tyer qui après avoir écouté un seul de mes sons m’a donné pas mal de conseils.

Vous avez été en partie découverte grâce à Internet, pensez-vous que c’est l’avenir pour tout artiste qui veut se faire connaître ?

Je pense qu’Internet est propulseur mais ça reste quelque chose qui peut être à double tranchant. Tout le monde est sur Internet et c’est difficile de sortir du lot, c’est pour ça que je pense qu’il vaut mieux faire le plus de scène possible.

On vous compare souvent à la rappeuse Diam’s, alors qu’a priori votre musique n’est pas vraiment similaire. En France, la scène féminine du rap n’est-elle pas un peu vide ?

J’écoutais Diam’s quand j’étais plus jeune comme beaucoup de monde oui et je pense qu’elle a influencé pas mal de gens mais c’est vrai qu’il a très peu de kickeuses françaises et d’ailleurs je n’en écoute pas vraiment. C’est extrêmement différent des États-Unis, il y a peut-être un certain manque de confiance de la part des filles. Aux USA il y a des femmes qui m’influencent et qui m’ont influencé comme Nicki Minaj, EVE, Missy Elliot ou Laureen Hill.

A priori que des femmes avec un assez fort caractère…!

(Rires) Ah oui, c’est peut-être ce qu’il faut pour faire du rap en tant que fille…

À votre passage au festival Bars en Trans au mois de décembre à Rennes, vous étiez accompagnée de Fanko sur scène, allez-vous faire des scènes seules dans le futur ?

Fanko est ce qu’on appelle mon backer, ça se fait beaucoup dans le rap. Il est là pour m’appuyer sur scène donc je vais continuer comme ça. Après, la scène reste à mon nom et l’EP aussi.

On parle de vous comme la relève du rap français. C’est quelque chose que vous exprimez dans votre EP ?

Je ne sais pas si je suis vraiment la relève mais en tout cas je fais partie d’une nouvelle génération de rappeur, une génération qu’il faut pousser au maximum. Je pense qu’on fait changer les choses et qu’il faut l’accepter. Dans mon EP, j’ai deux titres un peu plus personnels dont « Incomprise » mais la plupart des titres sont de la technique, du flow. J’y fais par exemple du kickage, c’est-à-dire que je change de flow et de l’ego-trip, c’est-à-dire qu’on se met en avant.                  

Quels sont vos prochains projets ?

Pour l’instant je vais continuer la tournée pour l’EP, je n’ai pas envie d’enchaîner les projets, je pars du principe qu’il vaut mieux ne pas être partout si on ne veut pas être nulle part (rire). Quand tu es jeune, tu te demandes si tu vas rester et pour moi, pour ça, il faut de la sincérité, alors je vais continuer à faire mes trucs.

Merci beaucoup Sianna.

Merci à vous !

Vendredi 10 avril, la chanteuse franco-israélienne Yael Naim a saisi le public du Cabaret botanique, installé au Thabor, venu à l’occasion du festival Mythos, pour l’emmener dans un ailleurs enchanteur.

Son nouvel album, Older, est jeune de tout juste un mois, mais déjà Yael Naim s’impose de par sa maturité vocale et musicale. En 7 ans, personne n’a oublié sa chanson « New Soul », qu’elle interprétera ce soir-là, tout comme sa reprise de « Toxic », ni sa gaieté enfantine. Ici, elle crée la rupture avec l’image de la jeune chanteuse de pop ensoleillée pour transporter les spectateurs vers un univers plus travaillé et plus complexe.

Yael Naim, ce n’est pas notre came. Mais il faut bien l’avouer, elle a quelque chose d’envoûtant. Assise à son piano, elle parsème de sa douceur ici et là et nous emmène dans ses histoires personnelles, sombres ou joyeuses. Elle parle ce soir-là de transition, d’expérience qui change la vie, qui change une personne. La venue d’un enfant suppose-t-on instantanément, à la manière dont elle l’évoque. Mais elle ne reste pas centrée sur cette naissance et aborde dans ses textes la vie, la mort, le deuil et les erreurs du passé, comme on peut l’entendre dans « Coward ».

Son album, Older, est une introspection de sa vie, et celle de David Donatien, son compagnon, toujours présent dans son travail puisqu’ils forment ensemble un duo à la ville comme à la scène. Et la chanteuse restitue leurs aventures de vie avec émotions, légèreté et détachement. Ce sont les différents registres musicaux qui viennent affirmer l’épanouissement et l’aspect grandissant de cet opus.

Entre folk, pop, soul et gospel, Yael Naim nous transporte dans un ailleurs lointain, dans des paysages grandiloquents et des espaces aérés. Sa puissance vocale, marquée par de belles envolées lyriques, met tout le monde d’accord, elle est de ces grandes voix virevoltantes et envoutantes, qui suspendent le temps, pendant une ou plusieurs chansons.

En ajoutant des chants sacrés à son disque, mystifiés davantage par la venue des choristes de 3somesisters, elle nous plonge dans la profondeur de ses textes, pas toujours mis en évidence ou en accord avec le style musical choisi, et nous maintient dans une relation intimiste et spirituelle, qui peut parfois même aller jusqu’à bercer le spectateur jusqu’à la somnolence.

Yael Naim convainc le public du Magic Mirror qu’elle peut à la fois allier douceur, gaieté, noirceur et énergie communicative, dans les paroles de ses chansons, tout comme dans les puissantes mélodies qu’elle délivre avec conviction.

Pendant trois jours – du 8 au 10 avril – la comédienne Emmanuelle Hiron a présenté sa nouvelle création, Les résidents, au théâtre L’Aire Libre, à St-Jacques-de-la-Lande. Un théâtre documentaire sur les résidents de l’EHPAD de Vezin-le-Coquet, et plus largement, sur le tabou de la vieillesse.

Pendant un peu plus d’une heure, Emmanuelle Hiron est seule sur scène. Elle interprète un monologue philosophique sur la place des personnes âgées dans notre société. Une société pleine de gêne et de rejet face à ses vieux. Derrière elle, un écran sur lequel on découvre les images qu’elle a pu filmer dans l’EHPAD (Établissement d’hébergement pour personnes âgées dépendantes) de Vezin-le-Coquet, là où elle a suivi une gériatre, Laure Jouatel, dans son travail quotidien auprès des résidents.

Le monologue et la projection vidéo se répondent et se complètent, en alternance. Emmanuelle Hiron, dans ce travail de création élaboré avec la compagnie L’Unijambiste, s’appuie sur ce qu’elle a vu, vécu, entendu et ressenti pendant une année à l’EHPAD. Que ce soit au contact des résidents, des familles et de son amie gériatre. À travers cela, elle bâti sa réflexion et surtout son questionnement autour de ces personnes, atteintes de démence, que l’on place dans des maisons de retraite et que l’on tait de nos vies et de nos esprits. Comment expliquer et comprendre le rejet de la société, qui finit par en faire un tabou alors qu’il est de notre lot commun de vieillir ?

Le rapport à la mort est omniprésent dans la pièce Les résidents, tout comme le rapport à la vie. La comédienne, interpelée par la redondance de la question de la « qualité de vie », pose à son tour le sujet sur la table. Que signifie cette qualité de vie ? De quoi parle-t-on quand on aborde la fin de vie ? Peut-on parler de qualité de vie quand on sait que la meilleure option est de faire rester la personne âgée à domicile ?

OBJECTIF ATTEINT

Que l’on adhère ou non à son discours, qui peut s’apparenter parfois à une leçon de morale, elle atteint son objectif : nos esprits s’animent au rythme des interrogations soulevées dans le spectacle et l’envie d’en débattre se fait sentir. La prise de conscience est immédiate, prend pour certains la forme d’un électrochoc et pour d’autres d’une piqure de rappel.

Au fil du spectacle, l’artiste nous place en déroute. Entre son franc-parler et son expression neutre sur le visage, on cherche sa position sur le sujet. Peut-être une manière de ne pas chercher la notre. « Tout le monde a un avis sur la question », affirme-t-elle dès le début. Toutefois, tout le monde n’explique pas ce rejet, ce silence, face à celles et ceux qui deviennent les « boulets » de la société, qui préfère toujours garder en tête l’image de la jeunesse et de la beauté, qui vont de pair.

Culpabilité, responsabilité, rejet, fin de vie, qualité de vie… Les thématiques abordées sont lourdes de sens et Emmanuelle Hiron a la force de ne pas s’en priver, de ne pas se censurer. Elle témoigne ici, en faisant parler son amie gériatre dans sa propre bouche, de son ressenti, de son vécu et de son engagement. Elle replace les résidents, grâce aux extraits vidéos du documentaire, à la fois touchants et (trop) bienveillants, au centre de sa création mais aussi au centre du débat. On ne parle pas de soins, de prises en charge médicales, mais de volontés, désirs et besoins des personnes âgées, parfois, et souvent, aliénées par la démence.

Le jeudi 9 avril se tenait à la salle de La Cité, dans le cadre du festival Mythos à Rennes, le premier d’une série de trois vrai-faux procès inspirés du classique de Shakespeare, Hamlet. Conçu par l’artiste néerlandais Yan Duyvendak et le metteur en scène catalan Roger Bernat, « Please, continue (Hamlet) », ne nous transporte cependant pas au royaume du Danemark mais bien dans une affaire judiciaire rennaise, entre quartiers populaires et histoires de familles malsaines.  

En arrivant salle de La Cité, on demande aux personnes du public de soigneusement noter leurs noms et âge sur une liste, avant de fournir à chacun, un carnet et un stylo, en leur précisant de bien vouloir prendre des notes pendant la séance. Le public s’installe silencieusement dans les gradins.

La situation semble assez sérieuse et plus encore quand la présidente, nous annonce les règles à suivre. Les spectateurs ne bronchent pas, il faut dire que chaque représentation voit la collaboration de membres du Barreau de la ville concernée, pour accompagner les acteurs : un président, un avocat général, un avocat de la défense, une avocate pour la partie civile et un huissier ainsi qu’un expert-psychiatre.

La pièce est jouée sans répétitions, les professionnels et acteurs n’ayant pour seules indications que les différents rapports et procès-verbaux composant le dossier d’instruction traduit et modifié en fonction de chaque pays, il est ainsi de leur fait d’interpréter leur personnage et d’adapter leur discours à leur bon vouloir. Chaque représentation est unique : « le déroulement du procès et son issue sont inconnus du public mais de nous également » précise Yan Duyvendak à l’assemblée.

Font ainsi face au public un Hamlet instable et immature voire « borderline » selon l’experte-psychiatre, une Gertrude vulgaire et au franc-parler qui fait pouffer le public et une Ophélie mal-à-l’aise et naïve. Lors d’une soirée arrosée et agrémentée de quelques « joints » selon Ophélie, qui célébrait le récent mariage de Gertrude (mère d’Hamlet) avec Claudius, oncle paternel d’Hamlet, une dispute éclate entre la mère et le fils. Polonius, père d’Ophélie, qui s’était caché derrière le rideau de la chambre, prend, en plein cœur un coup de couteau à cran d’arrêt par un Hamlet qui croyait s’en prendre à un rat.

« Ce n’est pas un homicide, c’est un raticide ! »

Accusé et témoins vont tour à tour passer à la barre sous les questions des différentes parties et avocats. Rapport d’autopsie et de dératisation, photos ou évaluation psychiatrique à l’appui, les avocats essayent de convaincre le public et peut-être les membres du futur jury, de l’innocence ou de la culpabilité d’Hamlet.

Vient le moment des plaidoiries, situation où la limite entre les métiers d’avocat et d’acteur semble presque inexistante : à coups d’envolées lyriques, de grands gestes, d’exclamations et d’une bonne dose de rhétorique, les professionnels rennais concluent les trois premières heures de ce procès qui tend vers la bouffonnerie tragique. Il est temps, quelques personnes ont déjà quitté la salle, d’autres croquent dans leur sandwich ou piquent du nez quand la présidente appelle les huit jurés tirés au sort.

Huit ans d’emprisonnement

Après un entracte de vingt minutes pendant lesquelles le tout frais jury a délibéré, la sentence tombe pour l’accusé devant un public quelque peu choqué : huit ans d’emprisonnement requis. A priori le public n’a pas cru à l’histoire du rat. Ce soir-là sera donc une nouvelle sentence pour le personnage de Shakespeare, qui dans neuf pays et sur plus de 120 procès n’aura été acquitté qu’une cinquantaine de fois. Le verdict est comme à chaque fois unique, la plaidoirie des avocats ou le jeu des nouveaux acteurs sauveront peut-être la prochaine fois, un Hamlet dont le procès n’en finit pas.

Les 8 et 9 avril, le théâtre de la Parcheminerie accueillait, dans le cadre du festival Mythos, le spectacle-documentaire Décris-ravage d’Adeline Rosenstein. Une artiste qui propose ici une lecture originale de l’Histoire de la question de la Palestine.

Avec Décris-ravage, la comédienne Adeline Rosenstein n’aura pas fait l’unanimité. Mais aura suscité la curiosité des festivaliers et réussi le tour de force de soulever de nombreuses questions, à commencer par celle de l’Histoire au théâtre. Comment aborder des faits historiques sur scène, par le biais de l’art ? Sa proposition est originale, conceptuelle parfois, et surprenante, voire déroutante pour qui ne s’y attend pas. Elle parle de spectacle-documentaire, « pas sur le conflit (israélo-palestinien, ndlr) lui-même mais sur la question de la Palestine. », explique-t-elle jeudi midi au micro de Canal b.

Depuis 2009, elle a réuni des témoignages d’occidentaux ayant vécu en Palestine ou en Israël à différentes périodes, autour desquels elle ajoute des extraits de pièces de théâtre historiques en arabe (les extraits ont été traduits en français), traitant des mêmes événements. Privilégier la parole des artistes originaires des pays arabes concernés plutôt que d’orienter le discours et l’Histoire vers la pensée occidentale, c’est le parti-pris de la suissesse Adeline Rosenstein.

L’artiste va alors bricoler une pièce en fonction des éléments récoltés depuis plusieurs années, en 4 épisodes, intelligemment abordés en conférence théâtrale et partiellement illustrés par 4 comédiens (3 femmes et 1 homme) présents sur scène tout au long de la représentation.

Mimes, mises en situation, représentation fictive de la carte géographique de l’Empire Ottoman, mouchoirs trempés dans l’eau violemment projetés contre des planches en bois disposées au fond de la scène… Adeline Rosenstein se lance le périlleux défi de ne rien donner à montrer visuellement, ni photos, ni vidéos, ni cartes physiques, ni documents d’archives. Ce qui lui vaudra peut-être de perdre certains spectateurs, ennuyés de cette conceptualisation étonnante qui appelle à entrer directement dans le propos, et uniquement dans le propos.

Tout repose sur les textes, sur les interprétations des comédiens, sur les intonations, tantôt magistrales et objectives, tantôt cyniques et piquantes. La violence est omniprésente, de la conquête de l’Égypte par Bonaparte à la militarisation des Palestiniens, en passant par la guerre de Crimée et le génocide arménien. Mais de par ses choix artistiques et scéniques, la comédienne ne fige ni la pensée, ni l’interprétation des spectateurs, qui découvrent ou redécouvrent, la source internationale de la question de la Palestine, un tout petit territoire « à partager en 2 peuples mais finalement il y avait un peuple qui n’était plus là. Et ça, on l’a refoulé de nos consciences » - extrait d’un entretien d’un colon arrivant en Terre Sainte.

DES QUESTIONS PLEIN LA TÊTE

Décris-ravage décortique le nœud du conflit « gros de plus de cent ans », le déroule du début XIXe au début XXe, avec un regard militant sur l’Histoire et les histoires vécues dans cette partie du monde, sans toutefois enfermer le public dans un discours moralisateur, et sans porter de jugements maladroits sur les diverses communautés ou religions présentes sur ces territoires. On ressent l’ébullition intellectuelle à laquelle se confronte l’artiste qui attache de l’importance à explorer de nombreux chemins pour en découvrir sans cesse davantage et qui n’hésite pas à remplacer les points d’exclamation par des points d’interrogation, pour emprunter encore d’autres routes non explorées par les Occidentaux (ou qui n’en ont pas encore révéler les crevasses).

Adeline Rosenstein, révoltée depuis longtemps, par la nature de ce conflit, se présente passionnée face au public de la Parcheminerie et presque apaisée, comme délivrée du poids de l’information qu’elle partage, les yeux brillants, pendant les 2 heures de représentation. Entourée de ses comédiens, elle pose la question de l’interprétation individuelle, la responsabilité de chacun à ne pas poser de questions, à agir sans savoir, du poids des Nations ironiquement bienveillantes et désireuses de « fédérer les peuples » en les écrasant, les colonisant, les expulsant, les armant…

Des thèmes violents, dérangeants parfois même, mais qui ont le mérite d’être mis à plat dans ce théâtre de l’Histoire que toute l’équipe porte avec ferveur. S’il est difficile à certains moments de focaliser son attention sur chaque propos ou chaque point développé, Adeline Rosenstein réussit à nous maintenir sur le fil des histoires qu’elle dévoile et à susciter l’intérêt et la curiosité pour le sujet comme pour la forme proposée, qui n'était que le premier volet d'une histoire encore en mouvement.

"Les Anglais prennent la Palestine. Les Français reçoivent un pourcentage sur le pétrole en Irak. STOP, la suite au prochain épisode."

conclut Adeline Rosenstein, dans ce premier Décris-ravage.

Mythos, 19^e édition. Mercredi 8 avril, Arthur H, profil idéal, était l’invité du festival des arts de la parole. Pour l’occasion, le fils Higelin à l’identité bien marquée se produisait dans le Cabaret botanique, pour présenter son dernier album, Soleil dedans (2014), mais pas que.

Plus qu’emportée par les textes, la musique et son imaginaire, la rédaction de YEGG fait une exception à sa ligne éditoriale et se saisit du passage de cet artiste masculin – qui assume pleinement sa féminité (lire l’interview ci-dessous) – en terre bretonne pour profiter de son concert et le rencontrer, dans les jardins du Thabor.

Dans l’imaginaire collectif, Arthur H, c’est une voix grave, chaude, du mystère, du détachement, un univers poétique, du romantisme, de la mélancolie… Il n’est pas seulement fils de, on le sait depuis longtemps, il est lui, chanteur-musicien-poète-déjanté à l’univers extra-terrestre, intimiste et sauvage. Une identité de plus en plus assumée. Et qui ne cesse de se montrer et de s’affirmer, dans sa globalité et au travers de toutes ses facettes, du voyageur solitaire au chercheur d’or…

Avec son charisme, sa sensualité, sa manière de bouger son corps, de s’habiller – il se présente ce soir-là sans chapeau et avec une veste pour le moins lumineuse – sa voix maitrisée, son habileté à nous faire voyager, sa capacité à se renouveler dans sa musique tout en gardant son extravagance, sa poésie et sa sensibilité propre… le chanteur, qui entame le concert au piano dans l’intimité des lumières brumeuses, conserve sa hargne scénique et nous transporte avec lui dans un tunnel intergalactique et spatio-temporel.

UN ARTHUR H COSMIQUE

Dire de lui qu’il est un ovni serait un abus de facilité. Arthur H est là où on ne l’attend pas tout en restant fidèle et loyal à son public. Ce soir-là, il oscille entre chansons lunaires, solaires et cosmiques de son nouvel album, Soleil dedans, qu’il chante avec une voix parfois aérienne, libérée et libératrice – on pense notamment à « Femme qui pleure » - qui met les poils à toute la salle – et chansons plus anciennes (entre Adieu tristesse, 2005, et Baba Love, 2011 principalement) sans trop puiser dans ses premiers disques.

C’est un voyage dans l’univers d’Arthur H, autant dans son imaginaire que dans sa carrière, dans lequel il nous plonge pendant 2h avec simplicité et générosité. Taquinerie parfois même lorsqu’il titille le côté « chauviniste » des Rennais qui se laissent volontiers voguer dans les grands espaces naturels, alambiqués ou même absurdes, dans lesquels il nous invite.

Dans la lune, dans un western, dans un supermarché, dans New-York City, Arthur H ne cesse de planer, avec ou sans son costume de Super H ou de H-Man, à la découverte des cultures et des éléments, à la rencontre de la femme étoile, des papous ou encore des clandestins. La chaleur nous entoure, l’énergie déborde des sourires et des corps qui s’animent au fil des chansons et du concert. « C’est explosif », murmure-t-on dans les rangs, « Toujours aussi incroyable ! ».

UN ARTHUR H LIBRE

L’artiste navigue avec aisance sur des musiques mélodieusement pop, jazzy et rock, avec parfois des sonorités 70’s et notes rétro futuristes, qui nous électrisent instantanément, en nous faisant danser, rêver, virevolter au firmament des envolées lyriques, ou en nous apaisant au son de la voix grave et berçante du musicien. Les émotions règnent au pays d’Arthur H qui exprime toujours autant d’attachement à l’intime liberté qu’il couve amoureusement et qu’il partage doucement et prudemment, avant d’enfourcher son Cheval de feu.

« Quelque chose dans le vent / Me dit qu’il est temps » Ses paroles résonnent dans nos songes jusqu’à ce que Morphée nous emporte vers d’autres contrées lointaines. C’est certain, à chacun de ses passages, Arthur H nous rend Baba love.

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Arthur H : « J’ai parfois une sensibilité extrêmement féminine »

Rencontre avec Arthur H, dans les jardins du Thabor, qui nous parle de ses inspirations, des femmes et de sa sensibilité artistique. Interview.

YEGG : On vous entend souvent parler de vous en disant que vous vous sentez vilain petit canard. Qu’est-ce qui vous fait ressentir vilain petit canard dans la musique française et est-ce que ce sentiment évolue avec le temps ?

Arthur H : (Rires) Je ne le dis pas souvent. Je retire ce que j’ai dit, je suis un très joli petit canard (Rires). Pourquoi je suis un vilain petit canard ? (Silence) Malheureusement, ce n’est pas parce que je suis entouré de cygnes. Non, je ne me sens plus vilain petit canard, je ne suis plus dans cet état d’esprit là, je suis un joli petit cygne maintenant.

Vous parlez de deux marraines, en référence à Barbara et Brigitte Fontaine. Expliquez-nous l’importance de ces deux artistes dans votre travail et dans votre carrière. Est-ce qu’elles vous ont aidé ?

Elles ne m’ont pas aidé directement mais inspiré, beaucoup. Par cette espèce de rapport très direct, très cru à leur sensibilité, comme s’il n’y avait presque pas de filtre. C’est deux femmes qui avaient de la tendresse pour moi quand j’étais petit mais ça, ça n’a pas forcément influencé mon parcours artistique. Mais du coup moi-même j’ai développé beaucoup de tendresse pour elles.

Vous évoquez aussi la liberté artistique de Brigitte Fontaine. Un point important pour vous, qui êtes reconnu pour votre capacité à vous renouveler au fil des albums, vous prenez des risques. Le rapport entre Brigitte Fontaine et vous, il est là, non ?

Ouais ! Ouais ! Je suis clairement influencé par le courage de Brigitte Fontaine, cette espèce de façon qu’elle a de se jeter dans le vide et de ne pas avoir peur de qui elle est. Et elle a aussi un rapport à l’inspiration très particulier. Elle considère que l’inspiration est un flux naturel. Tu demandes à Brigitte d’écrire une chanson, tu lui donnes une feuille blanche et un stylo, elle s’enferme pendant une demi heure et elle écrit une chanson. Et la plupart du temps ce sera une très belle chanson. Parce qu’elle a décidé qu’écrire, c’était facile. Ça, c’est une idée très efficace je trouve.

Vous arrivez à faire la même chose ?

Maintenant oui. Ça ne veut pas dire que ce que je fais est intéressant ou plus intéressant que si c’était difficile à faire, ça je ne sais pas. Mais par contre je ne me pose pas la question de la difficulté d’écrire, de l’inspiration. Après, l’enregistrement, ça, c’est différent. Là, je suis toujours dans une forme de difficulté. Mais être connecté à quelque chose qui nous dépasse, ça c’est facile.

Vous dites que l’enregistrement est plus difficile pour vous. Pour votre album, vous avez enregistré à Montréal. Est-ce que d’être dans des contrées lointaines, avec des grands espaces, c’est plus facile pour vous qui avez un imaginaire débordant, qui nous embarquez dans des voyages et parlez aussi de voyage initiatique…

Oui, y a quelque chose de plus facile parce qu’à Montréal, il y a énormément d’énergie donc je suis porté par ça. C’est aussi pour ça que j’aime y aller. Évidemment, il y a plus d’espace mais ce n’est pas que ça. Il y a aussi plus d’énergie positive chez les gens en général. Une espèce d’enthousiasme qui est un peu intact et qui du coup fait du bien. Dès qu’on arrive là-bas, on le ressent. Après, changer d’équipe, partir à l’aventure avec des gens que je ne connaissais pas, ça ce n’est pas de tout repos non plus.

Est-ce que, en enregistrant à Montréal, l’esprit de Lhasa règne sur cet album ?

Complètement ! C’est grâce à elle que j’ai rencontré tous ces gens, ces musiciens. Les musiciens de Patrick Watson, Patrick Watson. C’est grâce à elle que j’ai eu envie de faire un album à Montréal. C’est grâce à elle que j’aime Montréal, donc j’ai beaucoup pensé à Lhasa en faisant ce disque.

En écrivant aussi ?

En écrivant, pas spécialement mais en enregistrant oui.

Tendresse pour Barbara, admiration pour Brigitte Fontaine, découvertes avec Lhasa… Elles alimentent votre sensibilité pour parler des femmes dans vos textes ? Est-ce que vous pensez aux femmes de votre entourage personnel et professionnel, ou est-ce totalement imaginaire ? Les figures féminines dans vos chansons étant tellement variées, cosmiques, charnelles, sensuelles… Vous vous mettez même à la place de la femme qui pleure, dans la chanson du même nom…

C’est un phénomène très naturel je pense, pour tous ceux qui écrivent, racontent des histoires. De partir de quelque chose que l’on a vécu très précisément et le transcender. Quelque chose peut-être même que l’on a ressenti mais sans l’expliquer. Et ça ressort sous forme d’histoires, de paraboles, d’images. Donc ça part toujours du réel, bien sûr.

Quand vous écrivez des textes sur les femmes, est-ce que vous vous posez la question de l’interprétation du public, s’il va se dire que c’est du cliché ou que vous prônez l’égalité femmes-hommes ?

Pas du tout. On parle de rapport social, là, dans la société. Moi, je ne suis pas trop là dedans. Je suis plutôt dans quelque chose de beaucoup plus intime en fait. Où du coup les rapports - y a pas de question d’égalité - ils sont très ouverts, ou libres, ou poignants, vivants. Pas enfermés par les codes de la société. Je peux même aller jusqu’à dire que je suis une femme qui pleure car à l’intérieur de moi, il y a toute l’histoire des femmes, non seulement que j’ai connu mais celle de ma famille aussi, et je le sens en moi, c’est en moi.

C’est votre héritage…

Ouais, ça vit en moi. En plus, j’ai parfois une sensibilité extrêmement féminine. Et encore en plus, mes amies de cœur, avec qui j’ai l’impression de me livrer, de vraiment communiquer, sont exclusivement des femmes. Et si je rajoute encore un « en plus », je trouve que la sensibilité artistique, le rapport artistique au monde, il est très très féminin aussi. En grande partie. Pas que féminin mais en grande partie.

Quand vous parlez de rapport social, qui n’est pas votre truc à la base, vous faites une espèce d’ode aux caissières. Là, il y a un rapport social. Profiter des caissières maintenant, avant qu’elles ne soient remplacées par des machines…

Ouais. Ce n’est pas vraiment ça le message mais on peut dire ça effectivement que malgré, disons, la dureté de la condition, il y a la possibilité d’un rapport humain, qui un jour n’existera plus. C’est plus un rapport poétique sur les caissières et sur les supermarchés. Ce n’est pas un brulot pour dénoncer les supermarchés, même si, je pense, que ce n’est pas des situations normales ni pour la nourriture, ni pour les gens, ni pour rien… Mais je trouve qu’on doit parler de tout et qu’on peut parler de tout dans une chanson.

Parler de tout. Ça tombe bien, vous êtes dans un festival des arts de la parole, vous y êtes déjà venu, il y a de la proximité avec le public, avec vos textes par conséquence. En tant qu’artiste, quel ressenti par rapport à ce type de proposition, comme celle de ce festival rennais ?

J’aime beaucoup ça car, de par l’espace qui est créé, il y a une vraie volonté de rencontre, que les gens se rencontrent. C’est le Magic Mirror, c’est facile de parler à ton voisin, après tout le monde va boire des coups ensemble, c’est extrêmement convivial. Donc ça, c’est assez rare les endroits comme ça. Il y en a quelques uns en France, c’est extrêmement agréable.

Au niveau de la thématique, les arts de la parole. Cette édition, forcément, invite à parler de la liberté d’expression. En regardant votre carrière, dans vos textes et votre musique, vous parlez de liberté d’expression ou de liberté artistique globale ?

De liberté tout court. La liberté pour moi, c’est de ne pas être enfermé dans une identité. C’est se rendre compte que l’on peut être plusieurs personnes à la fois, ne pas avoir honte de soi, ne pas trop se limiter, s’auto-limiter, ne pas faire trop attention au regard des autres. La liberté, c’est quelque chose d’intime, que l’on a en soi et qui est important de développer. Ce n’est pas forcément dans les grandes déclarations. Encore une fois, pour moi, c’est plutôt dans l’intime que ça se joue.

Dans cet album, on voit beaucoup de liberté, de chaleur humaine, de soleil dedans justement, de joyeusetés intérieures, qui se voient à l’extérieur. On parle de libération de votre voix. Est-ce que vous atteignez le chemin de cette liberté dont vous parlez tant ? Est-ce qu’avec cet album, vous décollez ?

Le disque, je ne sais pas, parce que j’ai toujours l’impression de rater complètement mes disques donc je fais toujours une dépression après (Rires). Je ne sais donc pas si c’est vraiment la liberté mais par contre sur scène, je me sens complètement relié aux gens, sans trop de barrières. Cœur à cœur. Ça danse, ça parle, ça rêve… Je dois constater que c’est vraiment les femmes qui s’amusent le plus dans un concert. Qui ont vraiment une capacité de se lâcher, de se donner du plaisir avec la musique, qui pour nous quand on est sur scène est indispensable ! Quand tu vois une ou deux filles qui s’éclatent, c’est bon, ça nous permet d’être dans la musique. Si tu n’as que des mecs devant toi qui font la gueule, c’est plus difficile de rentrer dans le son. Je ne suis pas du tout anti mecs mais on a toujours besoin de filles, quelque soit leur âge, leur beauté, peu importe… Faut juste qu’on sente qu’elles soient dans la musique. C’est ça qui change la vibration d’un concert.

Merci beaucoup Arthur H.

Merci à vous.

Mardi 7 avril, la comédienne Cécile de France était de passage à Rennes pour l’avant-première du nouveau film de Denis Dercourt, En équilibre, dans lequel elle donne la réplique à Albert Dupontel. 

Dix ans déjà que les deux comédiens ont tourné ensemble dans Fauteuils d’orchestre, de Danièle Thompson. Actuellement – sortie en salles à partir du 15 avril – ils partagent l’affiche d’un mélodrame signé Denis Dercourt, adapté du livre de Bernard Sachsé, Sur mes 4 jambes.

Lui, se glisse dans la peau de Marc, dresseur de chevaux et cascadeur pour le cinéma, paraplégique en fauteuil roulant à la suite d’un accident sur un tournage. Elle, incarne Florence, employée d’une compagnie d’assurance gérant le dossier de Marc. Leur rencontre va les entrainer sur les cimes des passions, exacerbée chez lui, enfouie chez elle, et pourtant intactes et vives des deux côtés.

Ce pourrait être une rencontre banale, une histoire d’amour comme on en voit beaucoup. Mais le réalisateur, Denis Dercourt, qui s’attaque pour la première fois « au genre mélo », choisit la subtilité, la délicatesse, les non-dits et maintient le spectateur à l’affut de la moindre réaction permettant de percer à jour les pensées camouflées dans les esprits des personnages, brillamment interprétés par Cécile de France et Albert Dupontel.

Ils ont cette force en commun : savoir libérer puissance et douceur, laisser surgir et planer une souffrance mélancolique dans leurs regards et leurs silences. « Albert m’a dit qu’il n’avait pas besoin de jouer. Qu’il comprenait la colère de cet homme, puisqu’il a lui-même failli rester handicapé, jeune, à cause d’une maladie. », explique Denis Dercourt. Cécile de France, elle, avoue aimer la magie et l’alchimie qui se jouent dans ces moments-là, sans révéler ce à quoi elle pense sur les tournages.

« Tout va très vite quand on tourne. Mais c’est important d’être dans la retenue. Dans la tête de Florence, on imagine bien qu’il doit y avoir un milliard de questions. La retenue permet de conserver le conflit interne », dévoile la comédienne belge. Dans En équilibre, le rôle de son personnage a été inventé de toute pièce, l’histoire de Marc étant basée sur celle véritable de Bernard Sachse, cascadeur et cavalier paraplégique.

Florence, elle, a pris forme au fur et à mesure. Employée dans une compagnie d’assurance, « bon soldat », comme dira son interprète, chignon « hitchcockien » bien tiré sur le haut du crane, mère de famille et épouse paisible, peu épanouie mais investie, elle va se révéler au contact de Marc et au travers de sa passion manquée, le piano.

« La rencontre, c’est le déclic. Une porte qui s’ouvre. L’aventure avec Marc est une parenthèse mais qui ouvre une porte, qui fait bouger la vie de cette femme qui a cette passion, ce rêve d’enfant et qui en est passé à côté à un moment. »

Cécile de France, comédienne.

Pour Cécile de France, Florence aime sa famille, son mari – « et les réactions de ce dernier sont dans la délicatesse, la finesse, ce n’est pas un cocu niais » – et c’est ce qui lui plait, de se dire que l’on peut vivre cette parenthèse, cet instant de vie, « sans être obligée de tout casser, tout envoyer balader ».

Et c’est avec finesse et émotions que le film se déroule et que les spectateurs entrent dans les vies de Marc et Florence, qui se croisent, se déstructurent avant de trouver leur point d’équilibre. La mise à nue se fait crescendo, affranchie de tout jugement, et mêle douceur et force de vie, sans toutefois – malheureusement - réussir à saisir pleinement l’indomptable puissance viscérale qui permet de transcender l’esprit au-delà du raisonnable.

Dans le cadre du Temps Fort des Arts du cirque, organisé par Ay-Roop, les deux artistes britanniques Iona Kewley et Joseph Quimbly ont livré une performance originale de contorsion accompagnée d’arrangements musicaux progressifs, les 25 et 26 mars au Théâtre du Vieux Saint-Etienne, de Rennes.

Géraldine Werner, co-directrice de la structure “Ay-Roop” a repéré le duo dans le cadre du dispositif Circus Next, dispositif européen de soutien et de repérage dans les Arts du Cirque. Le duo nous livre une performance corporelle et musicale en parfaite harmonie. De là se dégage une série d’émotions viscérales entre la violence à l’état brut, l’animalité et la brutalité, dans un lieu particulièrement bien choisi, le Théâtre de Vieux Saint-Etienne. Un cadre permettant de révéler le duo : la danseuse Iona Kewney se saisit de tout l’espace offert pour l’occuper pleinement, à l’image de l’intensité de l’écho du style électronique progressif utilisé par le musicien Joseph Quimby.

La performance gestuelle de Iona Kewney, femme à la fois féminine, musculaire avec un corps enfantin et sans tabou, est un coup de poing, un combat que la contorsionniste livre contre elle-même et que l’on prend en pleine face.

Son corps qui se déforme, se transforme, s’agite, n’est pas accompagné de parole, juste des respirations hâletantes, râles et cris évoquant une forme de communication animale. Le spectateur assiste de manière très brute à cette violence, et se voit mis en difficulté par effet de transposition sur son proper corps. Une situation qui peut s’avérer stressante sans toutefois parler d’agression.

Les gestes déshumanisés, presque animaux, sont en parfaite harmonie avec le caractère progressif de la musique électronique type scandinave de Joseph Quimbly, au clavier. Cette harmonie et progression permet au spectateur une compréhension des émotions dégagées : le spectacle semble une approche primaire du combat de la vie, de son intensité, de sa difficulté et bien sûr de sa rapidité.

L’aspect animal apporté par la danseuse se fait également de par l’utilisation des élements (terre, eau, branche d’arbre) entremelés aux déformations et mouvements de son corps. Ce spectacle provoque le spectateur, l’amenant également à une recherche, une interrogation sur le sens de leur utilisation autour des contorsions.

Le public est alors absorbé par la magie de la prestation et cherche à comprendre cette progression des contorsions afin de partager les émotions avec Iona Kewley.

Du 7 au 12 avril, le festival des arts de la parole Mythos reprend ses quartiers dans la capitale bretonne et sa métropole. Dix places vous sont offertes ici pour assister à des spectacles créés par des artistes féminines engagées et expressives.

Cette année, les femmes se font discrètes dans la programmation de Mythos. Toutefois, l’engagement des artistes présentes n’en est pas amoindri, et elles démontrent leur volonté de prendre la parole et de raconter, que ce soit dans « Please, continue (Hamlet) » de Yan Duyvendak & Roger Bernat, dans « Le grand frisson » de la compagnie des Femmes à barbe ou encore dans « Les résidents » d’Emmanuelle Hiron.

PLACES À GAGNER

• Décris-Ravage, d’Adeline Rosenstein : 4 places

Adeline Rosenstein attise déjà toutes les curiosités avec son théâtre documentaire, « Décris-Ravage », qui mêle témoignages d’artistes occidentaux ayant vécu en Israël ou en Palestine à des pièces de théâtre historiques traitant des mêmes événements. C’est avec originalité, espièglerie et humour qu’Adeline Rosenstein s’empare du sujet du conflit israélo-palestinien pour poser le débat, sans jamais éviter les questions inconfortables, les tensions.

2 places à gagner pour la représentation du mercredi 8 avril, 18h, au théâtre de la Parcheminerie, Rennes

2 places à gagner pour la représentation du jeudi 9 avril, 20h30, au théâtre de la Parcheminerie, Rennes.

• Voyage extra-ordinaire, de La grosse situation : 2 places

Le trio de La grosse situation propose une déambulation imaginaire à l’occasion d’une représentation unique de « Voyage extra-ordinaire ». Alice Fahrenkrug, Bénédicte Chevallereau et Cécile Delhommeau sont définies comme comédiennes, auteures, metteures en scène, escaladeuses, botanistes, raconteuses d’histoire, chanteuses d’occasion, bricoleuses du quotidien et exploratrices chevronnées. Rien que ça. Ou tout ça pour emmener un groupe de volontaires dans un voyage vers l’imprévu.

2 places à gagner pour la représentation du jeudi 9 avril, 21h, au Campement Dromesko, St-Jacques-de-la-Lande.

• Sianna (+ Set&Match) : 2 places

Déjà repérée lors de Bars en Trans en décembre dernier, Sianna est une révélation sur la scène rap. Ses inspirations sont variées : du r’n’b au rap français en passant par la soul et le blues afro-américain, la jeune artistes livre ses rimes avec énergie et dynamisme. Habituée à partager la scène avec d’autres artistes urbains, la rappeuse se présentera seule devant le public de Mythos et promet une explosion d’émotions.

Ce soir-là, elle partagera non pas la scène mais l’affiche avec le groupe r’n’b Set&Match, au ton décalé et raffiné.

2 places à gagner pour le concert du vendredi 10 avril, 20h30, à l’Antipode MJC, Rennes.

• Yael Naïm (+ récit de Nicolas Rey & Mathieu Saïkaly) : 2 places

La réputation de Yael Naïm n’est plus à faire. D’Israël à Paris, ses chansons voyagent au fil des langues et des pays et l’artiste est de celles qui chantent avec insolence et cruauté, de celles qui savent que l’art n’a pas grand chose à voir avec la politesse. Avec son compagnon, David Donatien, qui signe les arrangements, ils instaurent une ambiance particulière et entrainent le public dans une sorte de doux rêve dont il est difficile de s’extirper mais agréable de s’y glisser.

Avant le concert, découvrez « Et vivre était sublime », une histoire née de la rencontre entre deux hommes et deux univers, l’écrivain Nicolas Rey et le musicien Mathieu Saïkaly.

2 places à gagner pour la soirée récit-concert du vendredi 10 avril, 20h30 (récit) et 22h30 (concert), dans le parc du Thabor, Rennes.

Pour gagner vos places, soyez les premiers à nous contacter à l’adresse redaction@yeggmag.fr, en précisant la représentation qui vous intéresse (avec date et heure).

Merci de nous préciser votre nom, prénom, adresse et mail.