Célian Ramis

Mythos 2014 : "Un festival ancré dans le printemps rennais"

Posts section: 
Related post: 
246
Location: 
Rennes
List image: 
Summary: 
Lundi 21 avril, le festival touchait à sa fin et l’heure était au bilan dans le parc du Thabor. L’occasion pour Maël Le Goff et Emilie Audren de revenir sur cette 18ème édition.
Text: 

Lundi 21 avril, le festival touchait à sa fin et l’heure était au bilan dans le parc du Thabor. L’occasion pour Maël Le Goff et Emilie Audren de revenir sur cette 18ème édition qui s’achevait le soir même avec le concert de Thomas Dutronc.

Sans surprise, les deux têtes dirigeantes du festival des arts de la parole soulignent leur satisfaction face à cette édition « à la hauteur de 2013 et au dessus de nos attentes ». Mais cette année, pour Maël Le Goff, le festival « s’est ancré dans le printemps rennais, au même titre que les Transmusicales, Mettre en scène, Les tombées de la nuit, etc. à leur période ».

S’il évoque tout de même des bémols tels que le maigre succès du covoiturage mis en place « un peu tard » ou la sempiternelle difficulté à boucler le budget « même s’il est encore trop tôt pour dresser le bilan financier », la liste des points forts se fait beaucoup plus longue. Une programmation ouverte et éclectique, une météo clémente, une superbe ambiance dans le Thabor et au cours des nuits dans le Magic – ce qui n’avait pas été le cas l’an dernier – Mythos affiche un bilan positif avec 16 000 entrées au Cabaret botanique, sans compter les entrées aux after qui recensent entre 2000 et 2500 personnes par soir.

Au niveau de la programmation, l’équipe dirigeante tient à justifier leur choix « d’aller dans les extrêmes, faire le grand écart : De Airnadette à Corpus Frichti, il y en a pour tous les goûts ». Mais au délà d’une édition pensée pour un public large, Emilie Audren explique avoir voulu apporter de la gaieté : « On voit des propositions engagées toute l’année. Ici, les artistes ont transmis une parole tendue, politique, mais avec des formes gaies, légères. Des propositions optimistes sur des formes contemporaines ». Un argumentaire auquel Maël Le Goff ajoute : « Il fallait sortir de la noirceur d’un monde en déclin ». Une conclusion qui nous laisse sans voix en cette fin de festival des arts de la parole…

Célian Ramis

Mythos 2014 : Airnadette, une comédie musiculte savoureusement potache

Posts section: 
Related post: 
245
Location: 
Rennes
List image: 
Summary: 
La Comédie Musiculte a encore frappé et l’humour potache a emporté la victoire !
Main images: 
Text: 

La Comédie Musiculte a encore frappé et l’humour potache a emporté la victoire ! Samedi dernier, le 19 avril, le mauvais esprit rock d’Airnadette s’est abattu sur le festival Mythos, déchainant ainsi la foule entassée dans le Cabaret botanique.

À 18h ce samedi, les festivaliers se pressent pour entrer dans le Magic Mirror, installé dans le parc du Thabor à l’occasion du festival des arts de la parole. Un art que les membres de Airnadette – en hommage à une ancienne première dame de France – sont loin de maitriser. Eux, leur truc, c’est le play back, le air guitar ou le air batterie. Ils ne chantent pas, ils ne parlent pas mais ils bougent les lèvres, brandissent leurs instruments imaginaires et déchainent les foules.

Le airband se forme en avril 2008 et réunit des spécialistes du genre, qui seront ensuite rapidement rejoints par le comédien Sylvain Quimène, connu pour son personnage créé pour Airnadette, à savoir Gunther Love  – qui n’honorera pas le public rennais de sa présence – double champion du monde de Air guitar. Airnadette va alors enchainer les dates et les tournées s’imposant comme un des groupes les plus déjantés « de mon dentier ».

Et c’est cette histoire-là que le sextet, accompagné de leur manager et présentateur Philippe Risotto, va nous raconter durant plus d’une heure. Des débuts du groupe miteux qui répète dans un garage à la vie de stars à la renommée internationale, le airband présente sa « presque vraie vie » et se caricature avec humour, absurdité et surtout une bonne dose de rock’n’roll dans la Comédie Musiculte – mise en scène par l’ancien Robin des Bois, Pef, et chorégraphié par Lydia Dejugnac – faisant ainsi résonner et vibrer tous les recoins du parc rennais.

De l’extérieur, on entend simplement de la musique. Des chansons qui jamais ne sont diffusées dans leur intégralité. Juste des refrains qui défilent et s’enchainent, sans liens et sans rapport. Comme si on déroulait les fréquences radio d’un transistor, allant de Nostalgie à Chérie FM en passant par Skyrock, Virgin et RTL.

Et de temps en temps, Rires et Chansons. À l’intérieur, c’est carrément un autre monde qui nous est proposé. On quitte la réalité, les spectacles intellos-bobos tant appréciés et la flânerie dans les allées du Thabor pour un grand n’importe quoi débordant d’énergie et complètement délirant.

Philippe Risotto, à l’allure d’un vieux pervers voyeur, assure le show, vêtu de son costume ringard à carreaux. Il est le manager des six hurluberlus qui s’agitent sur scène et qui mettent leur énergie au service d’un play back déluré et détonnant. Ils ont l’air tout droit sortis du jeu vidéo Guitar Hero et campent chacun un personnage caricatural et stéréotypé. La brosse à cheveux dans la main, portée au niveau de la bouche, ses chanteurs de salle de bain agitent les lèvres sur une panoplie de tubes qui ont tous à un moment cartonnés.

Que ce soit une chanson extraite de la comédie musicale Roméo et Juliette, le générique de Cat’s Eyes, un duo entre Diams et Vita, une reprise de Britney Spears ou encore des grands classiques du rock comme Queen ou Queen of the Stone Age, ils ne reculent devant rien. Bien au contraire. Tout le monde en prend pour son grade. Ils font dans le potache, dans la variétoche, singeant au maximum les interprètes originaux et créant ainsi des situations qui rendent les spectateurs hilares.

Ils maitrisent l’absurdité, ils subliment la caricature. Avec Airnadette, plus c’est gros – et gras – mieux c’est. Ils sont rock et emmerdent le monde. Et se moquent bien de Rennes, ville rock par excellence. Le public se fait insulter et en redemande. Et surtout n’hésite pas, entre deux ou trois « Ta gueule » ou encore « Enculés », à leur rendre la pareille.

Aussi, les festivaliers se plient avec plaisir à l’exercice proposé par Philippe Risotto : tourner le dos à la scène, lever les deux bras en l’air, agiter les dix doigts puis en plier 4 sur chaque main. Les uns et les autres s’observent, d’abord un peu gênés mais quand même fortement amusés, jusqu’à se marrer à la vision de tous les doigts d’honneur levés.

Un geste qu’ils ne manqueront pas de reproduire à plusieurs reprises pendant le show et que les parents auront certainement du mal à ne pas faire répéter à leurs enfants qui regardent le spectacle, les yeux ébahis devant cette foule en délire. Le mauvais esprit a envahi le Cabaret botanique, qui transpire l’humour potache, le pétage de plomb et le lâcher prise. Un vent de légèreté donc qu’il est bon de saisir au vol – un peu à la manière de Jérôme Rouger qui invitait le public, la veille, à délicieusement caqueter comme des poules, lors de ce son spectacle « Pourquoi les poules… » – et qu’il est appréciable de savourer.

Entre les séries de chansons, les pros du air lèvres jouent avec les répliques des films cultes comme Les bronzés, La cité de la peur, Dikkenek, Le Père-Noël est une ordure, Nos jours heureux ou encore The big Lebowski, Las Vegas parano et Star Wars. Pendant que des canettes géantes de bières en ballon rebondissent sur les mains agitées des spectateurs, les talentueux membres du airband se déchainent et se défoulent, finissant même par invoquer l’esprit de Michael Jackson qui vient expliquer, à travers le corps du présentateur, son adoration pour eux et leur donner l’autorisation d’interpréter la chorégraphie de « Thriller ».

Absurde, hilarante, décapante, la Comédie Musiculte convoque tous les éléments capables de provoquer facilement le rire – qui se propage à la vitesse de l’éclair dans tout le chapiteau – en use et en abuse, pour notre plus grand plaisir. Le rythme est soutenu, intense. Le délire part dans tous les sens, sans se préoccuper justement du sens. On débranche les cerveaux, on se marre et c’est tout – et c’est déjà bien !

Célian Ramis

Mythos 2014 : La désorganisation, ça ne s'improvise pas !

Posts section: 
Related post: 
242
Location: 
La Paillette, Rennes
List image: 
Summary: 
Le spectacle de Clément Thirion, au nom imprononçable : [WELTANSCHAUUNG] (à vos souhaits), était jeudi 17 avril sur la scène de la Paillette pour le festival Mythos. La pièce est un ovni loufoque qui a connu un beau succès.
Main images: 
Text: 

Le spectacle de Clément Thirion, au nom imprononçable : [WELTANSCHAUUNG] (à vos souhaits), était jeudi 17 avril sur la scène de la Paillette pour le festival Mythos. La pièce est un ovni loufoque qui a connu un beau succès.

Des badges Mythos encore autour du cou, des régisseurs visibles, deux acteurs qui murmurent entre eux pour s’accorder sur ce qu’il faut dire au public : lors de l’introduction de la pièce on se croirait dans un spectacle mal préparé. C’est voulu et assumé. Dès l’entrée les thèmes sont variés: le biface en silex préhistorique côtoie la bombe atomique et l’extinction de l’espèce humaine. Après un court intermède musical et visuel, les comédiens reviennent sous l’annonce: « Deux bipèdes veulent et vont sauver l’humanité ».

Leur gestuelle imite à merveille celle de nos lointains ancêtres descendus des branches, le tout en moonboots… Le ton est donné la pièce sera loufoque, barrée… ou ne sera pas. Le duo formé par les deux comédiens, Clément Thirion et Gwen Berrou, détonne sur la scène de la Paillette. D’abord physiquement : Gwen est une grande branche fine avec des membres très longs et un chouchou fluo dans les cheveux. Clément, lui, est un petit homme chauve. Ensuite sur le plan artistique : l’association de la fraicheur de Clément à la générosité du jeu de la comédienne fonctionne à merveille. Les deux sont en accord parfait et sans fausse note.

La pièce part dans tous les sens, à tel point qu’il est difficile d’y trouver un thème précis. En deux répliques, les acteurs passent de la préhistoire aux artistes des années 1970, ou de la danse de la fin du monde à une proposition de biscuits au public. Mais s’il y a bien un sujet qui semble être pris au sérieux et sous toutes ses coutures : l’homme et l’humanité.

Enfin au sérieux du second degré bien sûr. À travers des histoires sans queue ni tête, les artistes dessinent une image de l’homme à la fois hilarante, touchante et naïvement désespérée. La question de la création de l’homme rejoint parfois celle de la création artistique.

Des phrases sonnent particulièrement justes, même lorsqu’elles sont prononcées au milieu de cris d’hommes préhistoriques : « La création artistique commence avec la conscience de la mort, le fait de vouloir laisser une trace, tout ça, tout ça. Regarde comme il est beau mon biface ! Pour certains, symboliquement, c’est ça la sortie du jardin d’Eden », analyse Clément Thirion.

Le rythme de la pièce ne fatigue pas. On passe d’une scène à l’autre, avec des transitions pendant lesquelles les comédiens endossent le rôle d’acteurs perdus qui improvisent au fur et à mesure. Cette mise en abyme du rôle d’acteur est parfaitement interprétée et fait beaucoup rire la salle. Gwen Berrou se présente ainsi au début de la pièce : « Non, mais en fait moi, je remplace la personne qui devait jouer, elle s’est cassée une jambe. »

Quant aux scènes, elles sont absurdes et sont liées les unes aux autres par des fils très tenus. Après l’imitation vivante d’un tableau expressionniste représentant Adam et Ève campée par les deux protagonistes, la comédienne nous explique s’être intéressée au serpent au centre du tableau. Elle déroule ensuite les différents modes de déplacements des reptiles à l’aide d’un ruban. Pendant ce temps l’acteur discute tranquillement avec les deux régisseurs installés sur le côté gauche de la scène. Tout est fait pour donner au public l’illusion de l’improvisation. Cependant rien n’est laissé au hasard et surtout pas les instants de communication avec le public. « Vous voulez un biscuit ? », demande à la salle Clément Thirion. Des réponses positives fusent depuis les sièges du théâtre.

Il regarde alors sa partenaire de scène et lui lance : « Il nous reste des biscuits ? Je crois qu’il y en a qui en veulent. » Hésitation de la comédienne, qui va voir et revient avec une assiette remplie de confiseries et la fait circuler dans le public. Un jeu de miroir particulièrement réussi est également mis en place lors d’une chorégraphie sur une musique de Klaus Nomi. Les comédiens sur scène sont répétés en miniatures sur l’écran du fond. Et si l’ensemble est parfaitement régulier au départ, peu à peu chaque miniature reprend sa liberté et se désolidarise de l’ensemble. Une allégorie de la schizophrénie ? De la liberté ? L’effet visuel est parfaitement réussi.

Absurdité, réflexion sur la condition humaine, le théâtre de Clément Thirion rappelle celui de Beckett. Cependant sa manière de traiter le sujet est singulièrement plus vivante. Il ajoute également une dimension fondamentale ; celle de l’absence de frontières : les techniciens sont intégrés à la pièce par la présence des régisseurs dans un coin de la scène. Le public participe aussi au spectacle : ses réactions sont y aussi intégrées.

Et lorsqu’à la fin, Clément Thirion invite les spectateurs à s’imaginer que « 500 spectateurs descendent sur scène pour reprendre la chorégraphie du début », une vingtaine de personnes investissent réellement la scène et le suive dans ses mouvements loufoques. Une belle scène de clôture qui abolit la séparation traditionnelle entre le public et les comédiens, à l’image de l’ensemble du spectacle.

Célian Ramis

Mythos 2014 : Une part de canard en chacun de nous

Posts section: 
Related post: 
235
Location: 
Théâtre de la Parcheminerie, Rennes
List image: 
Summary: 
Mercredi 16 avril, Enora Boëlle dévoilait les premières esquisses de son projet Moi, Canard lors du festival Mythos. La lecture s’est déroulée en toute intimité, dans le hall du théâtre de la Parcheminerie.
Text: 

Mercredi 16 avril, Enora Boëlle dévoilait les premières esquisses de son projet Moi, Canard lors du festival Mythos. La lecture s’est déroulée en toute intimité, dans le hall du théâtre de la Parcheminerie.

Quelques minutes avant le début de la lecture, la metteure en scène, Enora Boëlle, est tendue, stressée. Pour cette représentation unique au cours du festival, ils ont eu 5 jours de répétition, dans une école maternelle. L’objectif étant de présenter, sous la forme d’une lecture théâtrale, la première partie de l’histoire Moi, Canard, librement inspirée du conte de Hans Christian Andersen, Le vilain petit canard.

Tout a commencé avec la naissance des enfants d’Enora Boëlle, co-directrice artistique du Théâtre de Poche de Hédé. La comédienne et metteure en scène au sein du Joli collectif cherche alors des livres dont les textes parlent de la différence. « Je n’en trouvais pas. Et puis, je suis tombée sur Pomelo de Ramona Badescu. J’ai tout de suite beaucoup aimé son travail. Pour moi, Ramona utilise tous les ingrédients nécessaires, la langue française, la poésie de la langue, l’humour, le côté grinçant… », explique-t-elle, au détour d’un café dans la rue Saint-Melaine, un matin de Mythos.

Un jour, entre deux trains, elles se rencontrent à Marseille, là où vit l’écrivaine. « On a discuté, on était vraiment sur la même longueur d’ondes et on s’est aperçues que nous partagions le même enthousiasme pour le conte d’Andersen, qui est notre favori », précise Enora. Elle lui explique alors son projet d’adaptation au théâtre, dans un spectacle destiné au jeune public, ce que Ramona accepte sur le champ. Il y a un mois environ, elle lui a livré la première partie du texte, celle que l’on a pu découvrir au premier étage de la Parcheminerie en ce mercredi.

Pour la metteure en scène, c’est un moment important. Une première lecture a déjà eu lieu 15 jours avant, devant l’auteur du texte, elle a alors découvert les interprètes et validé les choix d’Enora, « même si on a refait un travail dramaturgique ensemble ». Ici, quelques dizaines de Rennaises et de Rennais sont réunis pour entendre cette nouvelle version d’un conte que l’on a tous encore en mémoire.

Trouver sa place dans le monde

« Une histoire qui parle de la manière de transmettre le fait de grandir », analyse la co-directrice artistique du Théâtre de Poche. Plusieurs interrogations l’ont poussé à s’orienter vers ce texte : « Qu’est-ce qui fait que l’on existe ? Qu’on a sa place ? Qu’on est un individu unique ? Le Vilain petit canard pose la question : Comment chaque individu trouve sa place dans le monde ? »

Dans Moi, Canard, c’est la comédienne Abigail Green qui incarne celui qui est foutu dehors, malgré lui, malgré son envie de ressembler à sa famille ; il ne parlera malheureusement pas le « coin-coin » de sa mère. Enora affirme sa volonté de féminiser le conte sans toutefois en faire un parti pris militant, cela n’étant pas l’objectif de la pièce. « C’est une femme qui joue le canard mais en réalité il n’est pas sexué ce canard. On note un gros point de vue du côté de la mère. Et au début quand le canard est dans l’œuf, il y a un côté très maternel, qui moi me touche beaucoup, c’est très féminin », confie la metteure en scène.

Et il y a en effet quelque chose de très doux, de très chaud dans la voix et dans l’interprétation d’Abigail Green, vêtue d’un long ciré blanc, capuche vissée sur la tête. Une chaleur rassurante et protectrice qui nous enveloppe au début de la lecture seulement. Car rapidement, le texte se durcit, se noircit et l’histoire du petit canard nous emporte au plus près du thème développé par l’auteur original.

Celui des difficultés qu’il faut surmonter pour enfin trouver sa place. « Ce n’est pas qu’une histoire d’enfant, même si chaque année, on entend toujours des choses affreuses dans les cours d’école… Dans la vie, on grandit, on murit, on traverse des expériences difficiles, on rencontre des personnes, bonnes ou mauvaises pour nous… », observe Enora Boëlle, qui souhaite à chacun de trouver sa place dans le monde.

Trouver sa part de canard

Elle insiste néanmoins sur sa détermination à ne pas victimiser le protagoniste du conte car « on est tous un peu canard, à des degrés différents ». Pendant près de 30 minutes, les spectateurs sont suspendus aux lèvres de la comédienne, attentifs aux mots prononcés, au sens donné, tout en ne manquant pas de jeter un œil sur le rôle de Gregaldur, « issu de la scène impro-underground-punk » qui se tient assis sur la scène à deux pas d’Abigail.

Le musicien – qui a été aiguillé et dirigé par Robin Lescouët, co-directeur artistique du Théâtre de Poche de Hédé, également collaborateur artistique dans le projet Moi, Canard – intrigue, entouré de ses instruments créés à partir de jouets. Il accompagne discrètement les paroles du canard, ajoute des bruitages et composent des mélodies qui soulignent l’état d’esprit du personnage. On l’imagine comme un scientifique déluré, installé dans son cabinet de curiosité, qui expérimente et puise dans tous les objets susceptibles de créer des sonorités relatives à la situation énoncée par Abigail.

Et à ce rôle, il rajoute celui de complice et lance de temps en temps un regard de soutien à celle qui figure à ses côtés, légèrement tremblante. Cet été, Ramona Badescu devrait poursuivre l’adaptation du conte d’Andersen, de manière à ce que l’équipe de Moi, Canard puisse commencer à créer le spectacle en plateau. Un travail qui devrait commencer en octobre prochain et qui devrait aboutir à un spectacle finalisé en mars 2015.

Et si l’année à venir semble déjà bien remplie, Enora Boëlle a déjà en tête une nouvelle idée de collaboration avec Ramona Badescu, sur le thème du deuil, de la frontière ténue entre la vie et la mort. « C’est un projet ambitieux, ce n’est pas une adaptation cette fois. L’idée, c’est : quand il y a la mort, la vie n’est pas loin et inversement », dévoile la metteure en scène qui semble prendre goût au spectacle jeune public. Moi, Canard étant son premier projet de mise en scène pour les petits (mais aussi pour les anciens enfants).

Célian Ramis

Mythos 2014 : Lettre à la solitude

Posts section: 
Related post: 
239
Location: 
Café des bricoles, Rennes
List image: 
Summary: 
Le duo du collectif Les becs verseurs a proposé une lecture théâtrale de leur nouvelle création La lettre.
Text: 

Le Café des Bricoles accueillait hier après-midi, mercredi 16 avril, Myriam Gautier et Hélène Mallet, deux conteuses de la compagnie Les Becs Verseurs. Le duo a proposé une lecture théâtrale de leur nouvelle création La lettre.

On connaît la compagnie des Becs Verseurs pour leurs indétrônables visites décalées au sein d’expositions – on se rappelle notamment de leur prestation aux Champs Libres lors de l’exposition Rennes en chanson, présentée de novembre 2010 à mars 2011 – ou de divers événements rennais. Ici, les deux conteuses se mettent à nue dans une création qui leur est propre.

Entourées d’Alain Le Goff et de Rozenn Fournier – l’un pour l’accompagnement dans l’écriture, l’autre pour un regard extérieur – Myriam Gautier et Hélène Mallet font appel à la famille Mythos et calibrent leur spectacle pour nous faire passer un moment singulier et poignant. Ce jour-là, au Café des Bricoles, l’ambiance est intimiste et conviviale. Des bancs installés des deux cotés de l’estrade, les rideaux tirés, le silence.

Les deux comédiennes se tiennent debout, chacune face à son pupitre, et enfilent leur blouson de cuir. L’une en noir, l’autre en couleur camel. La simplicité de la mise en scène apporte un côté expérimental à un spectacle en cours de création – fin mars, elles étaient en résidence à l’Aire Libre pour la création lumières, lire notre article dans le numéro 24 – et marque leur volonté d’un décor épuré et sobre, permettant ainsi aux spectateurs de se concentrer sur les dialogues.

Car tout l’intérêt de cette pièce réside dans les échanges entre les deux femmes, qui se rencontrent sur un banc. L’une lit un conte de fée, « une histoire de brinces, brincesses et de brenouilles », explique-t-elle dans son langage farfelu. L’autre lit le journal, « un conte de faits divers ». A priori tout semble les opposer. Entre froideur et cynisme, innocence et naïveté, les deux femmes vont finir par tisser des liens et nouer une relation solide. Leur conversation pourrait être l’une de celles que l’on lit dans les bouquins de Jarry ou Ionesco.

Parfois absurde, parfois cinglante mais surtout banale. Les animaux domestiques, les ruses pour tromper l’ennui et tout à coup une mystérieuse lettre de menace de mort, en provenance de Nouvelle-Calédonie. Un courrier dont chaque lettre a été découpée dans les pages des journaux. Une intrigue qui se noie dans les palabres de deux personnages qui échangent ensemble, qui content et racontent leur solitude.

Puisque finalement, tout est une histoire de solitude dans ce spectacle. Comment vont-elles dévoiler ce qui les anime au plus profond d’elles-mêmes ? Oseront-elles se défaire des chaines imposées par leur isolement ? Jusqu’où iront-elles, ensemble, dans leur lutte routinière ?

Myriam Gautier et Hélène Mallet nous embarquent dans cette aventure ordinaire qui prend des proportions d’histoire extra-ordinaires. Elles explorent avec humour les méandres d’une vie sans saveurs et pimentent leur récit à travers l’imaginaire et l’absurdité qu’on leur connaît et reconnaît. La situation décrite et jouée résonne en chacun de ceux qui ont connu cette solitude commune. Le duo joue sur le rythme, les silences, le regard et les intonations pour renvoyer une intensité succulente et appréciable à ce thème sombre et profond. Un énorme coup de cœur en cette deuxième journée de Mythos.

Célian Ramis

Mythos 2014 : Les femmes fontaines vue par Rufus

Posts section: 
Related post: 
238
Location: 
Carré Sévigné
List image: 
Summary: 
Recueils de poèmes, d’écrits et de lettres, supports de témoignages de femmes, d’hommes aussi, sur le thème encore tabou et méconnu, en tout cas, en occident, des femmes fontaines.
Text: 

Le festival Mythos accueille cette année Rufus, artiste vivant et célèbre personnage du paysage cinématographique français. « Rufunambule et les jaillissantes », spectacle qu’il présente pour la première fois au carré Sévigné où il est également artiste associé, fait l’ouvrage de recueils de poèmes, d’écrits et de lettres, supports de témoignages de femmes, d’hommes aussi, sur le thème encore tabou et méconnu, en tout cas, en occident, des femmes fontaines.

« Comment les gens vont-ils comprendre ce spectacle ? » fût la principale interrogation de l’artiste avant de monter sur scène. L’artiste raconte avoir puisé son inspiration au travers de l’œuvre écrite par le sociologue Jacques Salomé, L’effet source, paru en France il y a deux ans, retranscrivant quelques 300 témoignages de femmes qui osent parler librement de sexualité, et plus précisément des femmes fontaines.

Terme imagé utilisé pour parler des femmes dont le plaisir sexuel se manifeste par l’émission abondante d’un liquide au moment de l’orgasme. Sujet qui, à l’heure actuelle, n’est que trop peu abordé et trop peu nommé, comme le déplore Rufus. La médecine n’en parle pas, la religion non plus. « Nous n’avons qu’un seul mot pour parler de cela, il est donc difficile de trouver une connivence, difficile d’y apporter de l’humour. L’évocation poétique me semblait la meilleure voie à prendre pour parer à cet obscurantisme médical », explique-t-il.

En effet, en France le terme « femme fontaine » est complétement absent des manuels, précis ou lexiques médicaux. Au Rwanda, par exemple, il existe près de 300 mots pour parler de cette forme de sexualité féminine. Et comme si cela ne suffisait pas à nous complexer, ce pays abrite aussi des écoles qui enseignent la jouissance aux jeunes filles, qui seront par la suite très prisées par la gente masculine.

« C’est un sujet que même la pornographie occidentale chrétienne trouve inconvenante » 

Animé par la curiosité, il a interrogé bon nombre de femmes pendant deux ans afin de laisser la parole à celles qui étaient les mieux placées pour en parler. Exercice qui s’est avéré plus difficile qu’il n’y parait, l’amenant à se repositionner comme propre sujet de son œuvre : « C’est un objet que même la pornographie occidentale chrétienne trouve inconvenante ! » En choisissant de lire sur scène certains témoignages très personnels qui ont nourri l’ouvrage psychosociologique de Jacques Salomé, Rufus s’offre le rôle de confident, plongeant le spectateur dans l’intimité de ces femmes qui osent parler.

Ainsi, le spectateur découvre ce que ressentent ces femmes fontaines, la jouissance à laquelle elles goûtent, cette part d’elles-mêmes qui les guide vers un état mi sensuel mi spirituel. L’une écrira cette phrase « C’était un mystère que les mots risquaient d’anéantir ». Une autre évoque son premier orgasme lors de… son accouchement ! Les écrits sont touchants : « C’était un mystère que les mots risquaient d’anéantir ». Ils sont également pleins de tendresse et de naïveté, parfois maladroits, traduisant de la joie et de la gratitude.

Malgré tout, ces femmes qui témoignent ne s’expliquent pas ce phénomène, toutes évoquant cette expérience comme un incroyable jaillissement libérateur. « Toutes les femmes sont fontaine, il y a celles qui le savent et toutes celles qui ne le savent pas encore », affirme Jacques Salomé.

« Il semblerait que dans son entier la femme soit taboue »

L’artiste précise ne pas faire de prosélytisme, le but n’étant pas de convaincre. « Je suis caché derrière des témoignages. » Il avoue également avoir pris le temps à la réflexion quant à cette fameuse citation de Sigmund Freud : « Il semblerait que dans son entier la femme soit taboue ». Affirmation hallucinante qui amène la sexualité sur le devant de la scène selon Rufus, évoquant un scandale auquel un artiste ne peut se dérober. « C’est comme s’il y avait une obligation de réparation sur l’évocation des femmes fontaines. Personne n’en parle et pourtant cela fait partie de la sexualité» répond Rufus, expliquant les motivations qui l’ont amené à choisir ce thème.

Dans un hasard tout à fait stupéfiant selon l’intéressé, le spectacle suit son cours avec une seconde partie où le comédien lit le texte L’innommable de Samuel Beckett. Il y est question d’une naissance, mise en scène grâce à un sac et une corde rouge, symbolisant le placenta et le cordon ombilical. Et si certains l’auront bien compris, il n’est néanmoins pas évident pour tout le public de saisir cette métaphore. « Il est question de Dieu, avance une spectatrice, Dieu qui pète un câble ! » « Ne serait-ce pas tout simplement l’absurdité de ce que nous sommes ? » tente une autre.

Il ne fait nul doute que la vie et la mort sont de vastes sujets auxquels il souhaite confronter son public. Si le thème évoqué par Rufus pouvait nous laisser redouter une certaine libido mal placée, il n’en est rien. Le sujet est abordé en douceur, avec une pointe d’humour et d’esprit. À la fin du spectacle, il dédie les applaudissements à toutes ces femmes dont il s’est inspiré.

Célian Ramis

Mythos 2014 : Un rendez-vous réussi

Posts section: 
Related post: 
236
Location: 
L'Aire libre, St jacques de la Lande
List image: 
Summary: 
Une pièce de théâtre épurée sur le thème de la dépression qui a ému mais aussi fait rire les spectateurs.
Text: 

Le mercredi 16 avril, Guillaume Vincent présentait son spectacle Rendez-vous gare de l’Est à l’Aire libre, dans le cadre du festival Mythos. Une pièce de théâtre épurée sur le thème de la dépression qui a ému mais aussi fait rire les spectateurs.

Le spectacle se déroulait dans la salle du bas de l’Aire libre. Face aux spectateurs qui entraient et s’installaient peu à peu, une femme, seule, assise sur une chaise les jambes croisées, semble attendre un rendez-vous. Aucun décor n’a été mis en place. Elle laisse son regard se promener sur le public et la salle. Peu à peu, les murmures qui émanaient des gradins se turent. Lorsque le silence s’installe complètement, la comédienne commence la pièce.

D’une voix forte elle débute son monologue qui durera une heure. Une mise en scène qui permet à chacun d’entrer doucement dans cette ambiance intimiste.

Le thème choisi par Guillaume Vincent n’est pas réjouissant : à partir des confidences d’une femme dépressive, il a tissé le fil rouge de sa pièce. Emilie Incerti Formentini est seule sur scène durant la quasi totalité du spectacle. À peine épaulée par un autre comédien qui lui donnera la réplique depuis le public durant une minute et par les hauts-parleurs qui diffusent parfois une musique ou une voix de messagerie téléphonique. Sa performance n’en est que plus impressionnante.

Pendant toute la durée de la pièce, elle parvient à faire ressentir au public les affres de la dépression mais aussi ses moments de joie : « Il y a des moments qui sont drôles, enfin, moi je les trouve drôles… » Le texte est construit pour simuler un dialogue dont les spectateurs ne peuvent percevoir que les réponses de cette femme. Dialogue avec un inconnu ? Avec un proche ? Le doute plane mais la femme se confie. Et son témoignage est émouvant : « Toute notre vie on apprend à nous connaître. On vit avec un étranger à l’intérieur », affirme-t-elle à un moment.

Toute la solitude du personnage résonne dans ces quelques mots. Car la réalité qu’elle décrit à travers ses pensées, c’est celle d’une femme trentenaire, dépressive, sous médicaments, dont elle déroule la longue liste, et qui alterne les séjours dans les hôpitaux psychiatriques. « On dit de quelqu’un qu’il est fou, mais en fait il y a plein de sortes de folies… », dit-elle.

Un discours universel

Malgré une thématique très sombre, la pièce amuse. Les rires fusent dans la salle de Saint Jacques. Le personnage à la dérive qui nous est présenté sait rire et faire rire. Comme par exemple cette anecdote lors de son séjour dans un hôpital psychiatrique où elle a cru que l’interrupteur de sa chambre était le détonateur d’une bombe atomique qui allait détruire l’humanité entière. Sa solution : démonter l’interrupteur, avec son ongle - « J’ai toujours eu les ongles très durs » – et demander un coupe-ongle à l’infirmière.

« Lorsqu’au bout de quelques minutes l’infirmière s’est interrogée sur ce que je voulais faire avec un coupe ongle (ils étaient un peu long à la détente dans cet hôpital) elle m’a trouvé à quatre pattes en train de me demander quel fil j’allais couper : fil rouge ? Fil blanc ? Fil bleu ? » Le public s’esclaffe.

À  en croire les trois rappels des spectateurs, la pièce a beaucoup plu. Pour cause, elle résonne, pour certains, comme un écho à leurs propres expériences, comprend-on à la sortie. Tout un chacun ayant connu une personne dépressive aura pu reconnaître certaines facettes de ce mal qui ronge ceux qui en sont atteints. C’est la magie de Rendez-vous gare de l’Est : avoir su, à partir d’un récit singulier, construire un discours universel sur la dépression.

Célian Ramis

Le Rennes fantasque de Magic-Meeting

Posts section: 
Related post: 
225
Location: 
Rennes
List image: 
Summary: 
Ce weekend avait lieu Les Coquecigrues, festival d’évènements familiaux et insolites, mettant en scène une création de la compagnie du Magic Meeting.
Main images: 
Text: 

Ce weekend avait lieu Les Coquecigrues, festival d’évènements familiaux et insolites, mettant en scène une création de la compagnie du Magic Meeting. Samedi et dimanche, à 15h et 17h, une visite burlesque et participative s’est déroulée dans les rues de Rennes, dans le but de nous faire redécouvrir la ville sous une facette plus rock et déjantée. YEGG s’est glissé au cœur de cette expérience surprenante. Reportage.

Près de 120 personnes, petits et grands, se sont rassemblées en famille place de la Mairie, ce samedi, pour venir assister, curieux, à un spectacle inhabituel et farfelu. Colombe Andréi et Yannick Delafontaine – metteurs en scène, auteurs et acteurs – ont eu l’idée de nous faire découvrir Rennes sous un autre angle.

« On peut connaître par cœur les rues de Rennes, déclare Colombe, mais avec une autre manière de montrer et de raconter, tout nous semble nouveau et différent. Au travers ce festival, notre objectif est de donner l’occasion aux participants de poser un regard neuf sur Rennes, de les faire redécouvrir leur ville et son histoire au travers un scénario déjanté. »

17h, la visite débute. Casque sur les oreilles, chacun se regroupe autour des deux comédiens dans une humeur joyeuse et conviviale. Manek Roazhon, personnage loufoque interprété par Yannick, nous guidera tout le long de la promenade.

Le joyeux cortège va ainsi déambuler dans les rues de Rennes durant une heure, passant par la rue Le Bastard, la place Ste Anne, la rue St Michel, et la place du Parlement, avant de rejoindre le point de départ. Dans une ambiance bon enfant, les participants vont très vite se prendre au jeu. Le ton est donné dès le début.

« Croisez-vous en vous serrant la main. Saluez-vous à la manière japonaise. Tournez sur vous-même jusqu’à en avoir le tournis. Front contre main, dos contre dos ! », clame la voix de Yannick dans nos oreilles. Les personnes s’exécutent, hilares, sur une musique cadencée. Dans la rue, les passants, interloqués, mi- amusés mi- sceptiques, observent de loin cette étrange danse clownesque. « Nous entendons la musique avec nos casques mais la rue, elle, est silencieuse. Les passants doivent se demander ce qui nous fait danser comme ça », commente une participante enchantée.

« Le Sens de la vie c’est justement de s’amuser avec la vie ! »

Une bande son très rock’n roll rythme la visite, entrecoupée de faits historiques et de citations éloquentes : « Le Sens de la vie c’est justement de s’amuser avec la vie !». On apprendra entre autre que l’église Sainte-Anne s’appelle en réalité l’église Notre Dame de Bonne Nouvelle, et que la place de la Mairie a changé 11 fois de nom avant d’être nommée de façon définitive. On se trémousse sur du Niagara, on court sur la chanson endiablée de Ghostbusters et on s’enlace sur Dreams are my reality  de Richard Sanderson.

Et qui peut se vanter d’avoir joué du « air guitar » sur du Jimi Hendrix rue Lafayette ou d’avoir mimé des statues immobiles devant le Parlement ? « J’aime l’univers du burlesque pour son côté décalé, ce petit brin de folie qui amuse toujours, quel que soient les âges », s’enthousiasme Colombe.

Une expérience inhabituelle… 

C’est face à l’Opéra, sous un tonnerre d’applaudissement, que la balade s’achève. Le public est conquis. « Nous avons vécu une expérience hors du commun», commente une mère de famille venue pour les 17 ans de sa fille. « Nous connaissions les Coquecigrues et l’idée de ce spectacle nous a intrigué. Nous ne regrettons pas la visite ! C’est une véritable aventure familiale. Le fait d’avoir le casque sur les oreilles nous permet d’oser nous lâcher. On se sent comme dans une bulle. C’était très drôle de voir les réactions des gens autour de nous, on sentait leurs regards envieux. C’est une expérience à refaire ! »

Apporter du bonheur aux gens, tel est le principe de la manifestation selon Colombe, qui exprime son entière satisfaction face à la réaction des promeneurs. « Le public rennais est extrêmement réceptif, le fait que les participants interagissent rend l’échange très fort et c’est ce qui compte le plus à mes yeux. » Nous repartons avec l’agréable sensation d’avoir vécu une expérience unique et hors du temps, dans un monde fantasque, le monde de Magic-Meeting.

Célian Ramis

La badouillerie du vendredi

Posts section: 
Related post: 
222
Location: 
Campement Dromesko, Saint-Jacques de la Lande
List image: 
Summary: 
Vendredi 21 février sera présentée la troisième Badouillerie, au campement théâtre Dromesko, à Saint Jacques de la Lande. Un rendez-vous singulier organisé par la compagnie « Les Emplumées ».
Text: 

Vendredi 21 février sera présentée la troisième Badouillerie, au campement théâtre Dromesko, à Saint Jacques de la Lande. Un rendez-vous singulier organisé par la compagnie « Les Emplumées ». Présentation.

Dans une ferme rénovée, rue du Haut Bois, à Saint Jacques de la Lande se joue, vendredi, la troisième Badouillerie. Un évènement artistique, inspiré des soirées festives et carnavalesques du XIXème siècle à Paris, qui met en avant de jeunes artistes bretons, à travers des  expositions, des performances, des concerts, des projections et des ciné-débats.  

Ce mois-ci, le thème s’articule autour de la fête foraine avec la présence de deux femmes : Martina Damarte et Natalia Santo. Elles proposent un univers fantasque et ludique qui enchante et captive. Illustratrice et marionnettiste, la première présente son théâtre d’objet, son mini musée qui tient dans une valise. « Un musée itinérant et autonome pour aller à la rencontre des gens » explique-t-elle.

Originaire d’Italie, elle s’est formée aux beaux arts de Lorient et à l’école de bandes dessinées de Florence. La seconde fait partie de la compagnie de théâtre et de cirque à cheval « Panik ». Elle installe un « photomaton circus » dans lequel elle prend en photos des personnes – avec un argentique – dans un décor travaillé (des tissus particuliers, des objets suspendus ou des déguisements) et développe en instantané les clichés pour les remettre aux modèles.

Leur style est décalé, bon enfant et l’ambiance générale de la Badouillerie : « festive, conviviale et intimiste », selon Estelle Eon, chargée de l’administration de la compagnie Les Emplumées. Une atmosphère qui permet de partager, d’échanger et de rencontrer les artistes, car l’essentiel de ces rendez-vous reste l’échange. « On travaille sur le lien avec le spectateur et chaque évènement est travaillé in situ. On demande aux artistes de créer quelque chose d’unique », précise la jeune femme.

En plus des attractions et des surprises, un bal guinguette est programmé, emmené par des musiciens de la Gapette, le « Cupif  Band from Biroutt ». Fort de son succès, le nombre de places est limité. Il faut donc réserver, au plus vite, auprès de la compagnie Les Emplumées, pour assister à l’évènement. La jauge est petite, mais offre un côté intimiste à ce rendez-vous artistique…

Modèles, tempête sous les crânes

Posts section: 
Related post: 
219
Location: 
Carré Sévigné
List image: 
Summary: 
Ce mardi soir, la tempête Petra a fait tournoyer la pluie dans des rafales de vent glacé… Ce mardi soir, la tempête a aussi soufflé sous les crânes des spectateurs, venus assister à la représentation du spectacle Modèles.
Text: 

Ce mardi soir, la tempête Petra a fait tournoyer la pluie dans des rafales de vent glacé… Ce mardi soir, la tempête a aussi soufflé sous les crânes des spectateurs, venus assister à la représentation du spectacle Modèles, de la compagnie La part des anges – mise en scène de Pauline Bureau – au Carré Sévigné.

Au moment même où l’actualité réveille et secoue les consciences sur le droit à l’avortement et la théorie des genres, Modèles tombe à point. Sur scène, Rachel Arditi, Sabrina Baldassarra, Sonia Floire, Gaëlle Hausermann et Céline Milliat-Baumgartner, se mettent à nue, aux sens propre et figuré – quand la mise en scène le réclame – pour raconter l’Histoire des femmes et des histoires de femmes, véritables échos aux vies de chacune, aux expériences, joyeuses ou douloureuses, que chaque femme a pu traverser ou traversera.

Elles rappellent qu’il y a encore 48 ans un mari pouvait interdire à son épouse de travailler et d’ouvrir un compte en banque ; qu’en 2004 celle qui fait le choix d’avorter peut encore être mal traitée ; qu’il est, en 2014, normal pour la société qu’une mère assume boulot-enfants-maison et qu’un père qui fait les courses ou le ménage une fois par mois est un demi-dieu. Alors, le spectateur frisonne, pleure, rit et sourit, se crispe, enrage, compatit, rougit avec elles.

Il n’est pas ici question de féminisme, du moins pas de celui qui voudrait voir les hommes réduits au silence et à la castration, non, Modèles ne stigmatise pas la gent masculine, mais la société tout entière, celle qui a fait et qui continue de faire qu’aujourd’hui

« les filles, on ne leur dit pas qu’il faut faire de la psychologie plutôt que de la sociologie. Or, statistiquement, il y a beaucoup plus de filles en psychologie (l’âme, l’intime, la maison) qu’en sociologie (la politique, l’agora). Ca veut dire qu’inconsciemment les filles s’orientent vers ce pour quoi elles se pensent faites (…). Elles collaborent inconsciemment », comme le décrit si bien ce texte de Pierre Bourdieu sur lequel s’ouvre le spectacle.

Une mise en scène audacieuse

Les textes de Bourdieu, Despentes, Duras…etc., mis en scène de façon originale et intelligente – les comédiennes se glissent dans la peau des auteurs pour les réciter sous forme d’interviews filmées – ponctuent une pièce où se mêlent scènes théâtrales classiques, projections vidéos, chants (dont une très bonne reprise de Fuck You de Lily Allen), danses, mimes et où les allégories sont poético-trash, parfois borderlines mais jamais vulgaires.

Et puis, les comédiennes sont accompagnées d’un musicien, Raphaël Aucler, dont les riffs de guitare et les solos de batterie apportent une intensité notable au spectacle. Outre son intelligence, son originalité, sa volonté d’interpeler sans agresser, Modèles fait du bien, en ces temps où ressurgit une morale à la tolérance douteuse qui voudrait maintenir l’humanité dans une immobilité réac’ où la femme ne travaille pas, ne bronche pas, ne sort pas de sa cuisine, n’avorte pas, ne désobéit pas à son mari, n’est pas l’égale de l’homme…

Pages